O HÉLIO

GUILHERME JÚNIOR - VONTADE DE SER INFÂNCIA

2012-03-10T19:24:00.004-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto: Ravini Padilha

Revisão textual: Paulo Cappelli

O idealizador do I Festival de curtas-metragens da Vila Kennedy (16 a 18 de março, no teatro Mário Lago, na vila Kennedy. Projeto apadrinhado pelo cantor Toni Garrido), o artista plástico, fotógrafo e produtor cultural Guilherme Júnior mostra sua vertente como cineasta nessa nobre empreitada de fazer do audiovisual ponte de boas histórias.

Guilherme começou a sua luta desde cedo, quando criança entrou na magia da literatura através do gibi de Maurício de Souza; na juventude, foi estudar Belas Artes na UFRJ e hoje tem uma bela história de superação a compartilhar. Saiu da sala do consulado norte-americano após ter sido negado nos EUA para ser, mais tarde, o ganhador do concorrido prêmio de fotografia World Photography Awards, em Cannes, na França.

O HÉLIO – O que mais me impressionou no seu documentário foi a superação. Queria te perguntar sobre a sua infância. Como é que foi?

GUILHERME JÚNIOR – Posso dizer que foi humilde, mas uma infância normal. Sou o terceiro de quatro filhos. Meus pais sempre deram muito valor à educação. Meu pai sempre trabalhou, não tive muita presença dele na minha vida. Meus pais são casados até hoje. O trabalho fez com que meu pai só participasse da minha vida nos finais de semana. Um dos meus irmãos tem problemas mentais, mas vive conosco. Ele é aposentado por invalidez.

O.H.: Quando você fala que quem nasce em comunidade pode ver, sim, uma luz no final do túnel, o que você está querendo dizer com essa afirmação?

Guilherme – Quem nasce em comunidade tem a possibilidade maior de se envolver com o crime do que quem não nasce na comunidade. Citei os meus pais justamente porque eles me mostraram o caminho. Isso foi muito importante para mim. Moramos numa comunidade que ainda tem muitos problemas com drogas e violência, a Vila Kennedy. Acho que esses problemas estavam tão próximos de nós, que meus pais sempre me alertaram desse perigo. Eu, antes de qualquer coisa, parava e pensava nas dicas que meus pais sempre me deram. Isso foi um ponto primordial para o fato de, hoje, buscar a melhoria do local onde moro. Possibilidade de entrar para o mundo do crime, eu tive muita. Mas, dei sempre muito valor à educação e aos estudos. Acho uma idiotice se envolver com o tráfico. E utilizar droga nunca me chamou atenção. Mas, sei que nem todos têm uma família estruturada. A rua atrapalha e deslumbra qualquer pessoa de mente fraca.

O.H.: E a rua da comunidade não é a rua da cidade? Como é que você acha que a favela está sendo cidade também, está se transformando em ambiente urbano também?

Guilherme: Acho que está sendo cidade porque os moradores de favela, agora, estão tendo um certo respaldo por mostrar o seu valor. Antes, a favela era vista como um palco de marginais. Hoje em dia nem tanto. Porque a gente tem meios de mostrar a nossa cara. Acho que a internet, a televisão tem dado essa possibilidade. E isso é recente. Há dez anos, isso não ocorria.

O.H.: O que fica mais claro, nessa diferença entre cidade e favela, ainda é a ausência de serviços públicos?

Guilherme – Com certeza. E também a má educação. Se você não tem uma estrutura em casa para mostrar aos jovens que eles precisam ir à escola para se profissionalizar, eles não vão se interessar.

O.H.: Você estudou em colégio particular?

Guilherme: Eu? Estudei. Meu pai via que eu tinha...que eu gostava assim, e então ele resolveu investir. Eu sempre fui muito esforçado, sempre corri atrás dos meus sonhos. Tenho muitos. O principal é viver da arte. Hoje, ainda não consigo viver da arte totalmente, mas estou no caminho. E não preciso me vender.

O.H.: Se vender seria o quê?

Guilherme: Seria se vender para o mercadão de trabalho. Sei que é complicado se sustentar na área das artes.

O.H.: Trabalhar na Globo, por exemplo, você acha que seria se vender?

Guilherme: Nem tanto, porque trabalharia na minha área. Queria ter a experiência. Todo mundo sabe que a Globo é um dos principais meios de comunicação do mundo e do Brasil.

O.H.: O que você acha que determina mais no sucesso do sujeito, a busca, o esforço próprio como na sua vida você fez e teve ou é o colégio público ou particular que o sujeito recebe?

Guilherme: Ambos. Se não houver interesse do aluno, por mais que o colégio seja melhor, não vai influenciar. Tenho amigos que estudaram comigo e trabalham vendendo gás ou como engraxate. Sempre fui muito determinado com a profissão que gostaria de exercer, ou seja, ser artista. Mas, já mostrava muito a minha cara quando era criança, gostava muito de receber elogios dos meus professores das coisas que inventava. E os desenhos e as redações sempre ao meu lado. Sempre estava rascunhando. Meu pai trabalhou um tempo para a editora Globo e levava muitos gibis lá pra casa, eu amava, ficava vidrado com a “ Turma da Mônica”. Na minha infância, acho que o Maurício de Souza foi o autor que mais me tocou. Até hoje me toca, apesar de não acompanhar mais.

O.H.: Por que você acha que o audiovisual está entrando na favela com tanta força, a exemplo do Festival Curta Vila Kennedy?

Guilherme: Pela evolução mesmo dos meios de comunicação. Hoje em dia está tudo mais barato, em termos de tecnologias. Você pega uma câmera de celular e a partir dali pode contar uma história. Comprei minha primeira câmera digital, quando ainda era 2.1 mega pixels. Isso faz um tempo, ainda fazia faculdade. Achava que minha câmera era a melhor do mundo (RISOS) E era a pior! Tinha memória de um minuto. Gostava muito do Legião Urbana. E resolvi fazer um filme com esta temática. Comecei a filmar e a fazer umas encenações cantando a música do Legião e sempre assim, com muita paciência, rodei o Rio inteiro. Filmava um minuto e ia descarregar. E uma amiga minha falou que estava rolando um concurso de vídeos numa rádio, isso faz uns seis, sete anos. Era um concurso na MPB FM. E, de repente, recebo um email dizendo que receberia um prêmio no Teatro Rival. Nem imaginava que ia acontecer isso! E a entrega foi lá, tinha um monte de gente. O prêmio foi um home theater, que dei para minha mãe. Foi muito bom. Um dia, acho que um produtor que assistiu trocou contatos comigo para fazermos trabalho em audiovisual. Ali, me descobri um artista multimídia. Antes, era só um artista plástico.

O.H.: Como artista plástico, como destaca suas preferências temáticas?

Guilherme: Gosto muito de arte näif, e como tema curto muito a infância, o lúdico. Gosto muito dessa linguagem que a gente tem desenvolvido que é a linguagem de favela, tudo muito colorido, criançada correndo pelas vilas, soltando pipa. Tenho desenvolvido alguns trabalhos nesse sentido.

O.H.: Você concorda com a transposição de linguagem que está sendo feita com relação à favela hoje em dia? Falo com relação desde programas televisivos ou até discursos publicitários atuais que enxergam a favela e o “ser carioca” como marca. Ou seja, favela enquanto mercado cultural ou produto de consumo pela classe média e rica do país. Ou, favela como lugar de “safári” do turismo.

Guilherme: Muito bom você estar tocando nisso, Pedro. Sou meio pessimista com relação a isso. Se não houver uma conscientização da classe média, as coisas se complicam. A gente pode interagir, mas cada um tem o seu cada um. O que acontece no “Esquenta”, por exemplo, é um programa interessante, mas tem coisas ali que ultrapassam limites. As pessoas que opinam no programa, geralmente, estão “no lugar de cima” e querem ser coadjuvantes do cotidiano da favela, querem brincar de ser da favela ou de conhecerem muito esse espaço. E vender uma imagem de inibição. Mas, se perguntarmos a eles onde eles vão dormir, com certeza essas pessoas irão descansar em apartamentos da Barra ou da zona sul do Rio. Nunca dormirão numa favela, ainda mais numa favela com problemas de segurança. Acho interessante eles admirarem o modo de vida da comunidade, mas que cada um saiba o seu lugar. Não estou querendo ser nem parecer preconceituoso, mas sim, a classe média que se utiliza do cotidiano do favelado dessa maneira está querendo se aproveitar. As pessoas da favela estão cada vez mais mostrando a sua cara.

O.H.: E qual que é essa cara?

Guilherme: Uma cara de pessoas pensantes. Conforme tinha falado, para os outros antes nós não pensávamos. Hoje, as pessoas percebem que a gente pensa. Quem tem coragem de subir na Mangueira, dormir lá três dias e participar integralmente de um evento? Se eu quero ir a um evento que fica na zona sul do Rio, eu vou porque quero ir. Mesmo que seja para tomar três ônibus. Esse lance, por exemplo, de fretamento de vans para eventos em favela, acho super desnecessário.

O.H.: Como é o seu posicionamento político?

Guilherme: O que eu vejo na política atual é muito interesse. Voto nulo faz tempo. Acho que essas regalias que os políticos têm faz com que eles vendam uma imagem que não os representa de verdade, entende? Não estou generalizando, mas tem gente que nunca pensou na política e, do nada, por um comercial bacana, entrou na política. Estou muito desiludido. E eu sofro com a violência e com a descriminação e não vejo mudança. Se nós não fizermos mudança, ninguém vai fazer pela gente, muito menos os políticos. Penso assim.

O.H.: Acaba sendo uma relação de amor e ódio entre os moradores e o governo; as produções da favela e as entidades do governo, né? Por exemplo, o Festival Curta Vila Kennedy é financiado pela Secretaria Estadual de Cultura.

Guilherme: Exatamente. Antes, achava que jamais conseguiria patrocínio para uma produção da favela. Atualmente, foi bem simples. E essa grana da secretaria possibilitou o começo do Festival. Acho que consegui essa verba pelo interesse verdadeiro que demonstrei, lá na Secretaria, de ajudar o local onde moro. Para defender o meu projeto, toquei na ferida. Sei que o Governo Estadual do Rio é responsável pela segurança da minha cidade, mas não tenho nenhuma segurança deles. O Eduardo Paes, não preciso nem falar dos boatos de que os cabos eleitorais dele deram grana para as pessoas. Tem gente que realmente vende voto por causa de cerveja e churrasco. Ou coisas idiotas. Então, toquei na ferida porque falei de violência para defender a verba do projeto. Disse que não temos direito de ir e vir na nossa favela.

O.H.: Agora, Guilherme, mudando um pouco o assunto; sobre a liberalização do uso de drogas, como você, enquanto morador de favela, se posiciona frente a esse assunto?

Guilherme: Ora acho que a droga faz muito mal, ora acho que deve ser liberada. Já sofri muito por conta delas. Apesar de não ser usuário, se a violência atingiu a minha família, posso “agradecer” às drogas. Houve uma época que o Rio estava praticamente sitiado por cantões do tráfico. E meu bairro sofreu muito com isso. Muito dos usuários que compravam droga na Vila Kennedy não eram de lá, vinham de outros bairros e deixavam problemas imensos para minha família e a família de meus amigos. E a gente não tem o direito de ir e vir. Posso dever isso às pessoas que utilizam drogas. Você não mede as consequências enquanto se droga. Eu que estou lá dentro observando essa degradação, fico chateado. Porque atinge pessoas que nada tem a ver com isso. Acho que a liberalização da maconha e de outras drogas é um tema muito polêmico. Sei lá, o que poderia acontecer depois da liberalização? Será que as bocas de fumo continuariam bombando? Só acontecendo para a gente conferir como isso ia se dar. Meu ponto de vista é: não vou usar nunca. Não posso compactuar. Você acaba se vendendo e se tornando um problema para a família, para você mesmo e para a sociedade. Comprar é reforçar a violência da sua cidade.

O.H.: Você concorda que a favela tem elementos parecidos de coerção? Exemplo: o centro social do político, a igreja e as lideranças carismáticas; as ONGs, a juventude, e a velha guarda da favela. Você acha que essa composição é comum em todas as favelas ou não sente esse desenho na Vila Kennedy?

Guilherme: É...antes, era muito na minha, nunca fui de participar de movimentos políticos e até hoje não tenho vontade. O que percebo é uma briga de egos. Como você chama, esses elementos brigam por egos. Vejo muito isso nas igrejas. Esse mapa que você narrou é bem real sim. Concordo. Ao mesmo tempo, esses líderes se dialogam. É um querendo puxar o tapete do outro. Hoje em dia, vou a reuniões, à festas da igreja. Dias atrás fui a uma reunião budista lá na Vila Kennedy. Tenho percebido que o interesse político e o dinheiro são os dois fins dessas lideranças coercitivas. Agora, é interessante notar que os artistas não compactuam com esses elementos comuns que tem toda favela. Como eu, atualmente, estou mostrando a minha cara para a comunidade, os artistas me alertam, pedem para que eu tenha sempre cuidado a quem peço ajuda.

O.H.: Você concorda que a religião acaba sendo um marcador social, um ordenador de gênero daquela região?

Guilherme: Sim, com certeza. Os líderes religiosos são formadores de opinião e de pensamento. Esse é o perigo. Engraçado que tenho ido muito às igrejas para divulgar o projeto (Festival Curta Vila Kennedy). Boa parte da minha vida fui católico, mas não tinha o ponto de vista de que o mundo era nada e que o catolicismo era tudo. Você ficar muito tempo na frente de um altar, venerando uma coisa pode ser perigoso. Não me revoltei, mas pude me levar à libertação. Hoje em dia não me vejo mais fazendo como antes, mas respeito muito todas as religiões. Até porque, grande parte da minha educação está ligada a valores religiosos.

O.H.: De novo temos uma dupla relação de amor e ódio, de gratidão e ingratidão.

Guilherme: Exatamente! (RISOS) Ingratidão porque não tive oportunidade, por um tempo, de ter um ponto de vista, não havia possibilidade de questionar. A igreja não permite muitas vezes. Fui a uma missa há pouco tempo com uma amiga e fiquei reparando nos coroinhas, com seus 16 anos. Lembro que um dos coroinhas conheço desde pequeno. Minha colega ressaltou para mim: “poxa, ele não teve oportunidade de ver nada na vida além da igreja, né?”. Pois é. Ele não pode saborear outras coisas interessantes do mundo.

O.H.: Queria te perguntar em que te acrescentou sua temporada de um ano de estudos na Europa.

Guilherme: Acho importante termos sonhos. Mas, os possíveis. Sempre sonhei em estudar fora. A primeira vez que tive vontade de morar fora foi quando quis ir para os EUA para aprender a falar inglês. E comecei a guardar dinheiro. O que eu gastaria com meus amigos ou indo para o cinema, guardava. Quando vi que tinha uma grana legal, pensei nas viagens. Comecei tirando meu passaporte. Quando mostrei aos meus pais meus papeis para a assinatura dele, ele me perguntou quem ia pagar aquilo tudo. Eu disse que eu mesmo quem pagaria. Para gente, de comunidade, sair do país é surreal. E nunca quis deixar dívida para meus pais. Em comunidade, os pais sempre vão achar que você é o filho. Daí, fui lá no consulado. Mas, não sabia que teria tanto racismo e preconceito me esperando. Sofri mesmo preconceito naquele consulado. Ela me perguntou num tom agressivo: o que você vai fazer lá? Mora com quem? Seus pais podem sustentar a sua viagem? Ela sentiu que eu era independente e que poderia não voltar para o Brasil. Ela olhou para mim, afro-brasileiro. Sabe? Ela nem olhou para os meus documentos. Ela só me disse que não entraria nos Estados Unidos. Disse que não mostrei documentação suficiente que comprovasse que voltaria para o Brasil. Consegui juntar R$ 10 mil reais, os primeiros meses estava safos. Como sou muito ligado à infância, queria muito conhecer Orlando. Um lugar bem infantil. Mas, tive que voltar ao meu cotidiano, voltei ao meu chefe, pedi o emprego de volta. Estava tudo certo para a viagem, Pedro! Continuei a juntar grana e fui para a Europa. E foi muito interessante! Quando pus meus pés lá, as coisas se abriram. Sabe quando você não espera muito que as coisas aconteçam, e a natureza ajuda tudo a acontecer? O primeiro fato foi essa premiação de fotografia que ganhei em Cannes. Para você ter uma noção, no mesmo dia de pegar o voo para Portugal, recebi a ligação da Inglaterra informando que minha fotografia ganhou o concurso World Photograph Awards. E eu, como assim? (RISOS). Não imaginei que poderia ganhar, era um premio internacional. O premio consistia em duas viagens para Cannes, duas viagens para a Copa na África do Sul e um trabalho para a Sony. Quer dizer, eu estava saindo do Brasil já para ir para dois lugares diferentes. A minha emoção estava muito conturbada. Estava sendo assediado pela imprensa; depois que o premio foi anunciado, recebia várias propostas de entrevistas. Mas, foi muito gostoso. Quando se pensa em Cannes, se pensa em glamour, e é mesmo uma cidade muito bonita. Mas, tenho muito pé no chão. Foi algo que passou, não tenho mais vontade de viver isso. Cannes é lindo, mas todo mundo viu que ganhei um premio. Se não tivesse subido ao palco, ninguém ia chegar em mim. Foi tudo muito artificial lá, ninguém queria saber da onde vim. Sabe? Como que foi prazeroso para mim estar ali (suspiros).

Foto: Guilherme Júnior.
Com esta fotografia, Guilherme ganhou o prêmio World Photography Awards em Cannes, França

O.H.: O que mudou na sua concepção de arte e de vida, que você está trazendo agora para o Festival na Vila Kennedy?

Guilherme: Sempre fui muito pró-ativo, de não ter tempo. De dormir preocupado com o amanhã cheio de compromissos. E na Europa, apesar de estar longe de casa, aprendi a fazer minhas produções. Participei de muitas exposições minhas por lá.

O.H.: Quer dizer, você amadureceu a sua pro - atividade na Europa?

Guilherme: Exatamente. Amadureci e quis fazer a minha primeira exposição individual. E fiz. Foi tudo muito por adaptação. Hoje em dia, os europeus abriram as portas para mim. Por exemplo, não tinha grana para minha exposição. Não tinha grana para comprar meu material! Comecei a trabalhar com lixo. Aqui no Rio já tinha trabalhado com lixo reciclável numa escola de samba carioca. Lá na Europa, pegava os lixos dos meus amigos e os meus e ia juntando materiais bacanas de lixo. E ia vendo o que servia. A galeria que ofereci minhas peças tinha todo um diálogo com a sustentabilidade. Reproduzia trabalhos de artistas famosos, como Matisse e Picasso, em peças de lixo. Ficava imaginando o trabalho deles junto com o meu. O nome da minha exposição em Granada, na Espanha, foi “ Reciclar com Arte” e “ Eu Amo Lixo” em Porto, Portugal. E fui participando também de exposições coletivas, interagi com outros artistas.

O.H.: Sentiu algum preconceito lá fora?

Guilherme: Pelo contrário, fui muito bem recebido. É impressionante como me abriram portas. Tudo quanto foi lugar que conheci, tinha ou fazia um amigo. Teve uma vez, num hostel na Espanha, que fiz amizades com uns alemães, e meu inglês era capenga. Mas aí, a gente ia tomar cerveja e conseguíamos nos entender bem (RISOS). E esses amigos alemães, por exemplo, me proporcionaram uma excelente visita a Paris. Fui também andar pela Inglaterra e ia vivendo na casa das pessoas e passava dias! Então, essa relação que tive, Pedro, foi muito boa porque não sofri nenhum preconceito. Mas, conheci brasileiros e brasileiras que sofreram muito preconceito.

O.H.: Para fechar, qual o recado que você dá a quem deseja participar do Festival Curta Vila Kennedy?

Guilherme: O festival é de 16 a 18 de março, no Teatro Mário Lago. É um projeto, como você bem lembrou, patrocinado pela Secretaria Estadual de Cultura. Quero fazer com que as outras pessoas possam ser aplaudidas mostrando o seu valor. Quero mostrar que dá para ser amador e profissional. Esse festival não é apenas para moradores; qualquer um pode participar, desde que o curta metragem tenha 15 minutos. Todas as três categorias possuem prêmios, apenas uma categoria é destinada aos moradores da Vila Kennedy. É só entrar no nosso site curtavk.blogspot.com Lá tem todas as informações. Dia 16 de março, começam nossas atividades a partir das 14 h e vai até às 22 h. Fizemos parcerias com Visões Periféricas, Ponto Cine, Viva Favela, Estética Central e a gente está divulgando muito e estamos querendo levar o Rio de Janeiro para lá e mostrar o que há de mais interessante na comunidade: os moradores. Tanto que a nossa publicidade é toda relacionada aos moradores; na Vila não tem só traficantes, tem muitas famílias, muita gente boa que quer mostrar suas virtudes e suas histórias.

O.H.: É o audiovisual como ponto de contato.

Guilherme: Exatamente. Como forma de mostrar coisas lindas. Porque eu sou de lá e pude mostrar o meu valor. Mostrei até para a Europa. A gente pode descobrir cineastas e atores excelentes depois desse festival.

O.H.: Para encerrar: você se sente na obrigação de ter ganhado o mundo e depois ter voltado à sua “terra” para compartilhar?

Guilherme: Com certeza! Eu sou muito de família. De mostrar para pai e mãe, sabe? Acho super interessante a gente ir lá fora, mostrar nossa cara e depois voltar para a sua comunidade e dar oportunidade para nossos conterrâneos. É muito importante, Pedro, que a Vila Kennedy saia na parte de cultura dos jornais e não só na parte policial. É bom saber que você está contribuindo para melhorar a imagem do lugar que você cresceu. Gosto muito de receber essa resposta, esse feedback. Isso é muito coisa de infância, de fazer o trabalhinho da escola e mostrar para os pais depois, sabe? (RISOS) Eu sou muito infância.

CONFIRA o documentário de Guilherme Júnior

JULIA BOSCO - a expressão de seu "TEMPO"

2012-03-07T10:24:00.000-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto: Ancar Barcalla

Revisão textual: Paulo Cappelli

Julia Bosco está lançando o seu CD de estreia. Ela separa seu tempo para conversar com O HÉLIO sobre “Tempo”, nome que dá ao seu primeiro trabalho musical. De voz meiga e,às vezes, tímida, a cantora e compositora escolheu falar de amor, de encontro e de reencontros para se mostrar. Filha de João Bosco, ela mostra não ter medo das sempre recorrentes comparações.

O “Tempo” de Julia conta com a participação do seu pai e de Marcos Valle, e é produzido por Plínio Profeta e Fábio Santanna. Destaco como uma das melhores faixas do CD as músicas “ Na Oração” e “Play a Fool”.

O HÉLIO: Impossível não te perguntar: há medo de ser comparada com seu pai?

JULIA BOSCO: Existe um medo de que a curiosidade sobre o meu trabalho seja apenas alimentada por esta possível comparação, e com isso um segundo medo de que as pessoas, ao perceberem que não há comparação natural possível entre um trabalho e outro, forcem para que isso aconteça da pior maneira possível. São trabalhos absolutamente distintos, inclusive nas premissas mais básicas e fundamentais: João Bosco é uma marca musical construída em 40 anos de uma carreira sólida e constante, de um artista que não precisa provar mais nada a ninguém. Julia Bosco é um lançamento em fase de experimentação, com um longo caminho de erros e acertos pela frente.

O.H.: Por que o nome " Tempo" para o seu álbum de estreia? Homenagem, gratidão a ele...?

Julia: Sim: homenagem, gratidão e respeito! O Tempo esteve sempre ao meu lado, jogando ao meu favor, descontando unicamente o tópico "ação gravitacional sobre o corpo feminino" (risos). Eu não estava pronta psicologicamente para "sair do armário" como cantora, e então esperei. Dei tempo ao tempo e ele me retribuiu com um grande momento criativo e algumas pessoas que se tornaram essenciais para a realização deste trabalho. Então, só tenho a agradecer pela possibilidade da pausa.

O.H.: Como nasceram as 13 canções de "Tempo"?

Julia: Algumas já existiam e faziam parte de um repertório guardado do Fabio Santanna, mas eu me identifiquei tanto com elas e com ele, que me apropriei destas canções como se fossem minhas. As outras surgiram quando começamos a compor juntos. Eu nunca havia escrito música antes desse disco, estava acostumada a escrever longas prosas para o meu blog, mas canção é muito diferente. Então peguei carona na experiência do Fabio e começamos a contar coisas que se tornaram músicas feitas a quatro mãos: viagens, sonhos, medos, esperanças... Cada música tem uma verdade por trás, isso é muito bom na hora de compartilhar com as pessoas.

O.H.: Quando se decidiu pela música definitivamente, ou seja, largou o trabalho e focou nas notas musicais?

Julia: Quando fiz 30 anos tudo mudou. Eu costumo dizer que algumas mulheres se assustam e olham para Balzac de ladinho, só com o rabo de olho, com medo do que vão encontrar. Mas eu encarei de frente mesmo! Encarei as mudanças, procurei os vazios, remexi tudo que estava guardado dentro de mim e o que saiu pulando de dentro do meu corpo foi música. Entendi que era a hora. Passei a vida me preparando, não ia fugir quando fosse a hora. "The readiness is all", já dizia o príncipe dinamarquês: estar pronto é tudo!

E mesmo depois de me decidir por música eu continuava trabalhando como consultora de gestão, porque precisava pagar o disco! Só larguei definitivamente o crachá de funcionária da empresa quando não tinha mais dívidas a pagar e poderia recomeçar do zero, sem nada me atrapalhando, nesta nova empreitada.

O.H.: Conta como foi o encontro com o produtor musical Fábio Santanna.

Julia: Foi um daqueles momentos em que "júpiter se alinha com marte" e tudo dá certo... Eu estava procurando parceiros com quem me identificasse, alguém que tocasse um instrumento e pudesse estar comigo nessa busca por uma identidade nova, porque eu queria um trabalho pessoal, autoral. E o Fabio era essa pessoa: a gente tinha gostos complementares e tudo que a gente fazia se somava. Foi o cara certo na hora certa. Tornamos-nos parceiros musicais, parceiros de vida, e fizemos juntos esse disco, que teve também produção do Plínio Profeta além do Fabio.

O.H.: Como foi a construção da musicalidade na sua vida?

Julia: Foi como aprender a falar: natural. Não me lembro de nada, nem um único episódio da minha vida, que não me remeta a uma trilha sonora. Música sempre foi o tema principal da minha história e com isso eu fui desde cedo percebendo música de uma outra forma... Sempre prestando uma atenção especial às cantoras, às divas, e tentando imita-las, cantando com elas...

O.H.: Seu atual e primeiro trabalho toca em quais lugares da esfera humana?

Julia: Este primeiro disco é muito focado em questões sentimentais, no amor. Isso porque ele nasceu de um momento de amor, foi feito com uma espera muito grande, fundamentada e alimentada por amor. Talvez por isso as "coisas de casal" sejam tão recorrentes neste trabalho, porque ele é muito pessoal. Contudo, quem não se identifica com essas coisas todas? Acho que o grande trunfo do disco está na simplicidade dos temas e na possibilidade de identificação imediata.

O.H.: Doeu fazer o disco?

Julia: Não. Dizer que foi fácil é mentira, porque eu tive que abrir mão do meu auto-controle, das minhas inseguranças e medos, e falar de mim abertamente para quem eu nem conheço. Mostrar a voz as vezes é mais difícil do que parece, principalmente quando se canta uma vida inteira de espera. Mas foi bom, como um processo de terapia. Doer mesmo, só no bolso! Artista independente sofre é para pagar as contas!

O.H.: Qual seria a marca, em termos de autoralidade, da Julia Bosco?

Julia: Acho que ainda é muito cedo para dizer qualquer coisa de forma tão definitiva. A consolidação deste trabalho virá com o tempo (sempre ele!), neste primeiro registro musical eu prefiro não tentar dar nome a nada: nem à forma e nem ao conteúdo. Estou experimentando coisas, curtindo o percurso sem pressa de descobrir qual o destino final.

O.H.: Sua voz é muito meiga. E o seu olhar, forte. Concorda que força e leveza estão presentes em suas composições?

Julia: Sim, concordo. Mas acho que isso também é em função do momento. Quando fizemos as canções e eu gravei o disco, estava vivendo (estou ainda) este momento de amor e entrega, de mudança e fé. Então isso tudo de alguma forma deu o clima do trabalho. Mas nada impede que no próximo disco eu mostre um lado meu mais ousado, mais roqueiro e obscuro! Tudo em seu tempo...

O.H.: Como foi entrar no palco pela primeira vez? Qual a sensação?

Julia: A sensação inicial é sempre a mesma: mãos suando, coração acelerado,firo na barriga e muita ansiedade. Isso dura as duas primeiras músicas! Depois a sensação é de "daqui ninguém me tira hoje" ! A minha maior expectativa agora é de dividir pela primeira vez o palco com o meu pai, no meu show de lançamento aqui no Rio. Isso sim vai ser PUNK!

O.H.: Agenda para show?

Julia: Sim, por enquanto sei que o lançamento no Rio está confirmado para o dia 11/04 no teatro Rival, com participação de João Bosco. No mais, vou colocando no site www.juliabosco.com quando confirmado.

O.H.: Qual o recado manda para quem está começando a conhecer o seu " Tempo"?

Este é um tempo de amor e fé, de sol e alegria, de muitas novidades, e é de todos nós. Entre que a casa é sua...

CONFIRA o vídeo-release de Julia Bosco:

AJAX CAMACHO - TRILHEIRO DO SEU CAMINHO

2012-02-25T10:49:00.004-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto: Ravini Padilha

Revisão textual: Paulo Cappelli

Entre os intervalos de gravação e de muitas reuniões diárias, o diretor Ajax Camacho separa do seu corrido dia a dia uma hora e meia para almoçar com O HÉLIO. De humor rápido e fala incendiada, ele demonstra ao mesmo tempo a serenidade dos certeiros. Conta pra gente como inovou a linguagem radiofônica brasileira ao lado de grandes amigos e faz um saldo das suas marcas principais de direção, tendo sido aprendiz de Avancini e Tizuka Yamasaki. O papo começa com a sua temporada de cinco anos em Angola.

Ajax – O que eu aprendi lá foi humildade, respeito aos outros. Educação. Eles são muito educados. E, lá em Angola, um povo lindo, lindo. Um cabelo, um dente lindo. E eles são felizes! Eu lembro que a pobreza me chocou muito. Fiquei em Luanda e Luanda é uma cidade para 600 mil habitantes, mas, por causa das guerras nas províncias, muita gente migrou para lá. Tinha 4 milhões e meio de pessoas! Muita gente vivia na rua. Mas, são super limpos. As negras com aqueles tererezinhos super estilosas.

O HÉLIO.: Por que você foi aprender a ser humilde lá?

Ajax – Eu sempre fiz meu caminho. E acho que foi um caminho vencedor. Agora, me achava bom pra caralho, sabe como que é? Me achava uma delícia demais. Com direito de não ter paciência. Os diretores com quem aprendi antes de ir para Angola foram diretores que se criaram sozinhos. Trabalhei com o Walter Avancini na novela “Xica da Silva”. E o Avancini foi um dos maiores diretores que a gente conheceu. Todo mundo bebeu da água do Avancini, que foi um diretor que entendia demais do conceito. Seja do figurino, do cenário, da história. Uma vez, perguntei a ele porque tinha a fama de ser tão grosseiro. Ele me respondeu que, na época em que se aprendia a fazer televisão, ninguém sabia nada. Aprendia fazendo. Como não sabia explicar, o “cala a boca” era a ordem geral para qualquer questionamento.

O.H.: Quer dizer, isso era o desespero do aprendiz.

Ajax – Exatamente. Então, os diretores antigos foram criando uma certa metodologia de serem duros demais. Na verdade, quando a gente é muito inquebrantável nos nossos conceitos, perdemos muitas coisas. Antes do Avancini, trabalhei com a Tizuka Yamasaqui, que é outro ser humano que se fez. Ela é gaúcha e quase ninguém sabe disso! A conheci através de um anúncio de jornal.

O.H.: Como é que tudo começou? A gente nasce e demora a conhecer qual é o caminho.

Ajax – Porra, é muito louco o meu começo, Pedro. Eu fazia engenharia! Num dia, numa aula de cálculo, joguei os livros pra o alto. Na época, era muito difícil passar para o vestibular. Passei para engenharia elétrica. Voltando, joguei os livros para o alto, peguei minha moto que comprei trabalhando em laboratório. Então, pagava minhas coisas e consegui comprar minha moto. No dia da aula de cálculo, informei aos meus pais que largaria engenharia e que ia fazer direito. Eles me chamaram de burro para baixo. Aí, fui fazer direito. Fiz na Bennett, que a gente costuma chamar de universe disco dance, que era tudo menos uma grande faculdade. Mas, fiz grandes amigos lá. Paralelo a isso, tinha um amigo meu dono de uma grande loja de computadores. Ele queria montar um programa de rádio. Na época, tinha uma rádio que se chamava Rádio Imprensa. Montamos um programa de rádio para meia noite, no qual entrevistávamos pessoas e tocávamos músicas não muito conhecidas. Tocávamos Marcos Valle, Cazuza etc. Aí, entrevistamos o André Uchoa, que montou uma Feira chamada Unijovem no Riocentro; nessa feira se vendia de tudo mesmo. Tudo pra jovem. Ele alugava os pavilhões só pra jovem. Isso em 1983 mais ou menos. Fomos entrevistar o André, então, que ficou apaixonado pela gente e o programa de rádio continuando. Fiz alguns trabalhos com o Paulo Cintura da Antena 1 também. Daí, um dia, lendo o JB, li uma matéria informando que uma rádio seria inaugurada em Búzios. Liguei para o jornal para saber quem deu a nota. Liguei para o meu amigo, esse que citei há pouco, que se chama Maurício, e conseguimos falar com quem estava montando a rádio em Búzios. Quem era o cara? O André Uchoa! Ele nos perguntou: Qual é o cargo que vocês querem para fazer essa rádio pra mim? Eu e Maurício nos olhamos assim de rabo de olho, afinal, morar em Búzios “é horrível “ (RISOS). Acabou que o André nos deu três cargos. Fui locutor, programador e chefe de locução. Ganhamos também uma casa de três andares, um jipe e uma moto. Eu fiquei louco! Rádio Búzios FM; e fez um sucesso do caralho. Por quê? As gravadoras, geralmente, costumam te empurrar uma playlist. Por exemplo, você vai tocar Michel Telo dez vezes por dia. Quando a gente foi montar essa rádio, a gente não quis pensar assim.

O.H.: Quebraram a ordem.

Ajax – Exatamente. Aliás, a minha vida é quebrar a ordem toda. Cheguei às gravadoras e informei que não iria seguir o playlist. As nossas grandes concorrentes, na época, eram as rádios Cidade e Transamérica. Não teve negociação. Então, fui até o dono da minha rádio e falei: vamos comprar a nossa playlist. No caso de Cazuza, por exemplo, enquanto as gravadoras queriam que a gente tocasse Ideologia, a nossa rádio tocava uma música que achava que tinha a cara de Búzios. A antena da gente era muito poderosa, pegava toda a região dos lagos do Rio. Rio das Ostras, Macaé, o caralho e o diabo! Quando a galera começava a sair da ponte, já começava a pegar a gente (Búzios FM). Começaram a sintonizar e ficaram malucos. Os caras das gravadoras iam para Búzios e nos escutavam tocando pra caramba, cativando a galera. Fico todo arrepiado falando nisso, cara!

O.H.: – Nesse meio tempo, o Direito já tinha morrido, né?

Ajax – Depois fui sacar porque fiz Direito. Na verdade, o advogado é aquele cara que gosta de aparecer. Cheguei para as gravadoras e falei: testa os lançamentos que vocês têm medo de lançar no Rio e deixa eu testar em Búzios. Se der certo, a gente toca para frente! E aí o pessoal ficou louco, Pedro! Quer ver uma coisa, por exemplo? Ninguém tocava “Sweet child o´mine” do Guns N´ Roses porque tinha 9 minutos. Nós, da Búzios FM, podíamos tocar e tocamos!

OH.: – Se abriram para a criação, então.

Ajax - Sim. Até que o Carlos Townsend, da CBS, trouxe para a gente uma fita cassete* do Pink Floyd que ninguém tinha. Era Pink Floyd ao vivo direto dos Estados Unidos. Não havia tocado em nenhuma rádio! Tocamos duas horas e meia! Só paramos para vinhetar e comentar no meio. Cara! Foi um sucesso. Então, os atores iam para lá e a gente entrevistava eles, como Claudia Raia, Malu Mader. George Israel (Kid Abelha) também ia muito para lá com a Paula (Toller). Abríamos para eles fazerem ao vivo na Búzios FM. E aí aconteceu uma coisa do caralho: as gravadoras passaram a me passar coisas novas, como Midnight oil, R.e.n e etc.

OH.: O que você queria e tentou batalhar lá trás.

Ajax – Exatamente. Ah, é legal falar também que, antes de entrarmos de fato para assumirmos a rádio, rolou um teste. Fiquei trancado numa sala para fazer a programação. Cada música com, mais ou menos, três minutos e meio. Tinha que fazer programação de uma hora, depois de duas horas, depois de cinco horas. Aí, era preciso uma programação de uma semana. E isso sem sair da mesa! Só recebendo comida. Então, porra, eu pensava assim: bom, sete horas da manhã, vou colocar um Zé Geraldo, depois posso cair para Simone, depois posso cair para um Pink Floyd, depois vou aumentando a aceleração, dez horas neguinho na praia em Búzios, Jeribá, fumando maconha igual a um louco, ao meio dia entregava a programação para duas da tarde já estar bombando! Aí, de noite, entrava Fagner, Geraldo Azevedo e Nara Leão e Bruce Springsteen com uma gaitinha. E assim ia fazendo, inventando, sentindo. Eu fazia miséria, cara. Em Búzios, você tinha que ter uma locução mais direta, mais rápida. O pessoal lá quer fumar maconha, tomar uma cerveja e se dar bem.

O.H.: Você sente essa mesma ousadia nas rádios atuais?

Ajax – Não, nunca. A Oi FM tentou imitar a gente, mas não conseguiu. Não fazem essa costura maluca que eu fazia. Mexer com os ritmos, saber o que a galera queria ouvir naquele momento. Metíamos Frank Sinatra e Marina Lima uma da tarde, por exemplo. Nunca houve uma rádio que tivesse feito uma hora sem break. Nós começamos a fazer por necessidade e depois a Transamérica copiou e bombou.

O.H.: E como foi a transposição de linguagem do rádio para a TV?

Ajax - Paralelo à rádio, ajudamos a montar um programa na TV Búzios. Tudo idéia do João Uchoa e Júlio Uchoa. Teve um cara chamado Guto Franco, filho do Moacyr Franco, que falou “pô, Ajax, você leva jeito para isso! Vamos pra São Paulo. Eu te arrumo um estágio no SBT”. Saí da rádio Búzios e fui com a cara e a coragem para São Paulo aprender observando o programa “A Praça É Nossa”. Aí, chego um dia no Rio de Janeiro para visitar a minha mãe. Abro O Globo e leio que a Tizuka Yamasaki iria abrir curso para roteirista, direção etc. Falei assim comigo: vou fazer esse curso. Cheguei lá de bermuda, cabeludão e vi a Tizuka com uma calça de couro e uma assistente dela com jaqueta de couro. Eu pensei: essas mulheres vão me odiar porque achei que elas fossem sapatão. Detalhe: a Tizuka nunca foi sapatão. Eu fiz o curso e ela me adorou. O curso durou três meses, fui o primeiro da turma e ganhei bolsa para mais um ano. Depois, ela me chamou para trabalhar como assistente de direção. No curso de interpretação para TV, por exemplo, eu filmava. Depois da análise da Tizuka; eu, com a minha língua grande descia o pau nos atores. Dizia mesmo, olha, acho que errou ali, ali e ali. Fizemos curso na CAL e na Caixa Econômica Federal. No curso da Caixa, conheci a Ingrid, minha atual mulher. No começo, não achei nada demais nela. Mas, fiz uma cena com Ingrid e eu estava gravando um momento espetacular, adaptação de 100 anos de solidão de Gabriel Garcia Marques, fiz um close no rosto da Ingrid, cabelo voando batendo no rosto. Fiquei loucamente apaixonado e falei: caralho, que olhar é esse? Depois de gravarmos, a gente estava no Centro, fomos comer no restaurante Amarelinho. Era noite e chovia. Fui ao banheiro, e saindo cruzei com a Ingrid. Olhei para ela e disse: a gente nunca vai poder se beijar, porque senão vamos ficar juntos. Dito e feito; três meses depois, nos casamos e estamos juntos até hoje.

O.H.: Tizuka te iniciou, podemos dizer?

Ajax – Sim. Ela é de um apuro técnico absurdo. Muito generosa, não guarda truques para si. Ela me ensinou muita coisa. Tem dois pensamentos seus que me marcaram muito; o primeiro é que ela me disse que o meu primeiro “gravando” seria muito difícil de falar. E foi mesmo. A segunda coisa: “faz teu filme primeiro. Depois que você ver as dificuldades que rolam, aí você vai poder falar mal do filme dos outros”. Então, nossa amizade foi espetacular.

O.H.: Mas aí, então, você montou o seu próprio curso depois?

Ajax – Isso. Procurei a Carla Souza Lima (morta há pouco tempo) da agência de modelos Elite e propus para ela um curso de atuação para modelos, para que as modelos também pudessem atuar, mas com qualidade. Sentei com projetinho na mão, gel no cabelo encaracolado e falei que ela iria ganhar de todas as formas, com as meninas fazendo novela, comercial, desfile. Daí, coloquei a Ingrid para fazer a aula de esquenta com os atores. O dia que a agência Elite aprovou de vez meu projeto, mostrei para a Ingrid, que foi lendo folha a folha e viu o nome dela na equipe. Começou a chorar. E aí, com o tempo, comecei a ficar muito bom diretor de atores.

O.H.: Qual o teu diferencial na direção naquela época?

Ajax - Eu faço um esquenta diferente. A Ingrid lia o texto para os atores e ia na necessidade deles. Ela fazia o esquenta com eles antes e ela os ensinava a decupar o texto! Os atores não sabem decupar o texto! A Ingrid adaptou um método do húngaro Rudolf Laban, que era a kinesfera e o espaço do desejo. A kinesfera é quando você se comunica com os outros. Eu fico arrepiado! É um negócio genial. E também tem as velocidades. Tem personagem que está com espaço emocional a 60 km por hora. Não contentes com isso, nós dois criamos um negócio chamado slogan do personagem, que até hoje faço aqui dentro da Globo. O meu slogan de vida, por exemplo, se chama INTENSO. Se a gente for tomar uma cerveja, vou beber a cerveja como se ela fosse a melhor do mundo. E ela será. Por exemplo, agora, essa nossa conversa, está sendo o melhor momento do meu dia. Podia estar o Papa aqui, mas essa conversa que é do caralho. Entendeu? Então, sou intenso. Mas, se for criar um personagem frouxo, mesmo que na rubrica do meu roteiro esteja indicando uma discussão entre mim e o personagem frouxo, o “vai se foder” do personagem frouxo tem que soar medroso! Ele jamais vai poder me ganhar no texto, na fala e na ação. Como é que o frouxa transa?

O.H.: E o silêncio é importante, Ajax, no seu processo de direção e condução dos personagens?

Ajax – Com certeza! O silêncio é muito importante. É o subtexto.

O.H.: Você acha que a televisão pode investir mais no silêncio?

Ajax – Com certeza. E também em máscaras faciais. As pausas são muito necessárias. Depois da kinesfera, tem o espaço interno, quando a gente fala para si. E tem o espaço do desejo, que é a holografia. O público tem que ver a imagem na fala. Por exemplo, quando você fala que tomou um suco de limão bem ácido, você tem que transmitir para o outro o que você sente internamente. Por exemplo, quero beijar a tua boca. Você tem que me ver te beijando. Isso, Pedro, esse método, eu boto em Malhação, botei em Xica da Silva. E, por exemplo, se você é um ator sensível, você tem que ver e saber se o seu colega está passando por momentos maus na vida pessoal. Por exemplo, a Letícia Spiller está preocupada com a filha, que contraiu sarampo. E aí você precisa contracenar com o personagem e com a atriz. Tem que chamar mais atenção. Ser mais habilidoso.

O.H.: O que você acha que está trazendo de diferente para a Malhação, já que é o produto com o qual está trabalhando atualmente?

Ajax – Pedro, tenho aprendido muito com o Mário Márcio. Já o admirava desde a época do Você Decide. Isso agora está me lembrando uma discussão que tive com Avancini. Falei para um ator que fazia um capitão do mato que ele precisava ser mais do mato! Perguntei se ele não reparava que, quando a gente anda no mato, dá aquelas coceirinhas de carrapicho pinicando. Sugeri que ele fizesse uma força externa e começasse a se coçar. Porra, e foi o pulo do gato do personagem! O cara quase me deu a bunda por essa dica! (RISOS). Depois disso, saiu uma nota no jornal dizendo que eu e Avancini brigamos. E nada disso tinha acontecido. Mas, acabamos mesmo nos separando depois dessa nota de discórdia. Um mês depois, vim para a Globo para fazer Você Decide, com o diretor de núcleo Herval Rossano, isso em 1997. Mesmo sendo diretor, ia ver os outros diretores gravando, fui percebendo os estilos. E me apaixonei pela tranquilidade do Mário Márcio. Aprendi que a gente precisa ser calmo no set. Minhas referências eram Tizuka e Avancini, que são tensos no set. Quando o Avancini entrava pra gravar, não podia cair um prego. Uma vez, ele gravando cena com a Drica (Moraes), fui falar alguma coisa que não lembro e escutei: “Ajax, quando eu estiver dirigindo, só eu falo.” Caralho, Pedro, me caguei todo. (RISOS). Avancini mais tarde me deu um conselho: Ajax, fala mais baixo porque dá poder falar baixo. - Desculpa, Avancini, até hoje não consegui falar baixo! Desculpa. Fui notando que você pode ser parceiro do ator e não patrão do ator. Voltando a Angola, lá pude ser mais desprendido porque podia ensinar. Fiquei mais maleável e menos egoísta nos meus pensamentos. Isso Angola me deu. Quando retornei ao Brasil, após cinco anos na África, me senti muito melhor na profissão. Focando no atual trabalho, Malhação, acho que somei com o Mário Márcio deixando o set calmo. Então, o set do nosso trabalho é feliz. Dirigimos os atores e demos tempo a eles. É gostoso de gravar. O resultado sai bom.

O.H.: O que mudou efetivamente na abordagem?

Ajax – A Ingrid (roteirista) agregou na Malhação a periferia e jovens que conseguem realizar suas coisas, seus projetos, seus estudos. A diferença dessa Malhação é: os jovens são eles mesmos, contam as suas histórias por eles mesmos. Estamos com um texto quase que falado, bem coloquial e fluido. E a nossa direção é muito naturalista com o realismo.

O.H.: Nesse sentido, vocês não estão trabalhando reforçando estereótipos, mas sim ressaltando os slogans de cada personagem?

Ajax – Porra, é isso aí. Exatamente. Mostramos o jovem contemporâneo que achamos em qualquer lugar.

O.H.: E como foi a escolha dos atores? Pensaram mais em colocar negros, por exemplo?

Ajax – Sim. Na verdade, temos uma legítima miscigenação nessa temporada do Malhação Conectados. Tem gente do Sul, tem gente de Salvador; tem o Pedrinho do cavaco. Temos mineiro com sotaque, paulista com sotaque. Eles falam do jeito deles. Somos um caldeirão cultural que é espetacular. Quando a direção é segura, a gente deixa o ator criar. O bom diretor é quando ele cutuca no ator o que o ator entendeu no texto. Foi difícil montar o elenco, fizemos muitos testes. Fomos muito rigorosos.

O.H.: Como você avalia essa fala do “tem que passar pelo teatro primeiro para depois ir pra TV”?

Ajax – Acho que, se você tiver talento sozinho, pode fazer como quiser. O teatro te dá segurança dos esquetes, te dá embasamento. Enriquece. O mesmo é para o cinema. São artes que agregam emoção.

O.H.: Como você se posiciona diante da televisão?

Ajax – Acho a televisão fantástica. Primeiro pela forma como ela foi conduzida no Brasil. Quando a TV Globo montou a sua rede, ela unificou o país. A mesma língua que se falava no cu do Rio Grande do Sul, se falava no cu do Acre. A Globo uniu o país na língua, na moda, no pensamento.

O.H.: Explica mais.

Ajax – Então, o país ficou sólido culturalmente, quero dizer. E levou a cultura brasileira para o mundo. Então, a TV é um veículo disso tudo. Agora, é óbvio que muita merda você pode aprender com esse veículo. Depende do coração que você guarda dentro de você. A TV acrescenta muita coisa. Vejo também coisas horrorosas na televisão; exemplo: programa evangélico. Agora, a censura tende a empobrecer a televisão. Ta fodendo tudo; é uma censura maluca.

O.H.: Tem diferença entre arte e entretenimento?

Ajax – Tem total. BBB é entretenimento. Super Man também. Agora, você vai assistir um Lars Von Trier em Melancolia é bem diferente ou assistir ao lindo documentário Dzi Croquettes da Tatiana Issa também é outra coisa bem diferente. É cultura. Você vai para aprender e trocar.

O.H.: Quando que o seu trabalho vira ferida?

Ajax – Boa pergunta... acho que, acho não, tenho certeza. Quando tenho que fechar uma cena porque o tempo não está dando, mas vejo que a cena ainda poderia render bem mais. Eu vejo que o ator dá mais, que a cena pede mais, mas quando o horário acaba, é em ponto. Não há negociação.

O.H. : Você acha que as novas mídias, a internet, vêm ameaçar a TV?

Ajax – De modo algum. Acho que só reforçam a TV. Tanto que a maioria dos trend topics do Twitter são cenas de novela. Você viu o cara que a mulher empurrou no BBB? Trend Topics. Pedro, nunca me conformei com o que me deram. No bom sentido, ok? Por exemplo, vou ser advogado. Terei que ser fora do óbvio, porque não tenho pai juiz nem tios com escritórios no Centro da Cidade. Entende? As minhas coisas são muito voltadas para o social do ser humano. Então, a pessoa que não tem grana nem pistolão, ela tem que ser compulsivamente persistente. E o que fode o ser humano é que ele costuma fazer as coisas pela metade. Ah, eu ia correr hoje, mas daqui a dez minutos. O que fode é a gente não querer ser melhor. Você pode criar o seu caminho em qualquer profissão. Nunca deixei as pessoas trilharem o meu caminho. Sempre busquei alternativas para me tornar melhor na minha profissão. Seja como locutor, como programador musical, seja como diretor de televisão ou como professor de curso para atores.

O.H.: Voltando a Angola, qual momento te marcou mais lá?

Ajax – (pensativo. Suspira) Ah, Pedro, vi muita criança morrer. Tinha direito a umas pizzas para meus lanches. Dava tudo às crianças. Em Angola, vi um menino morrer dentro de uma candonga (van). E isso era totalmente normal para eles. A pessoa com 20, 18, 30 anos era normal, num espaço de três dias, morrer de fome ou de alguma doença. Vi muito linchamento na rua também. A morte de perto me marcou muito. Tanto quanto a alegria dos angolanos. Ela, certamente, marcou minha vida de forma bem potente. Se pudesse escolher um segundo país, com certeza, seria Angola. Lá, aprendi muito a generosidade e a compaixão. Isso também me lembrou agora o Dalai Lama. Está tudo conectado, Pedro, tudo. Você, por exemplo, tem uma energia bacana e desse papo surgiu uma conexão. Simples assim. Se você pode indicar um caminho para alguém, porra, isso não tem preço! A gratidão e a generosidade são o que me movem. Junto, claro, com o meu slogan, que é intensidade. (RISOS)

MESTRE CIÇA - O SAMBA É APRENDIZADO

2012-02-14T21:30:00.002-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto: divulgação

Agradecimentos: Vitória Andrade

Mestre Ciça, "rei" da bateria da escola de samba Grande Rio conversa com O HÉLIO sobre a diversidade cultural que existe na escola caxiense. Dono de um olhar forte e sincero, Ciça não esconde o ânimo de encarar o Carnaval 2012 com vontade de triunfo. Após ter o barracão queimado, a Grande Rio vive um momento especial de superação. A conversa aconteceu na quadra da escola, em Duque de Caxias.

O HÉLIO: Como avalia o legado da Grande Rio?

MESTRE CIÇA – Sabe, Pedro, estamos precisando de um registro disso tudo. Aqui acontecem coisas que muita gente não sabe, como, por exemplo, a escolinha de bateria para os jovens. Eu luto muito por isso e hoje me apóiam, inclusive a presidência da escola.

O.H.: Como é que funciona esse projeto?

CIÇA – Pegamos pessoas da comunidade para a escola de bateria, para ensinar a essas pessoas a arte da música. Quando cheguei aqui, não tinha esse tipo de movimento. Geralmente, quando um mestre vai embora, todo mundo corre e vai embora com ele. Se, um dia, vier a sair, vou deixar uma bateria de qualidade aqui pra escola. O legal é que a Oficina de Bateria da Grande Rio tem apenas três anos e já capacitou mais de 100 garotos. Eles estão tocando muito bem, tanto que já desfilam.

O.H.: Quando é que o menino de oito anos acordou pra música? Quando é que essa vocação para o samba começou a entrar na sua vida?

CIÇA – Eu sou do Estácio. Meu pai participava muito dos blocos de Carnaval, sempre foi ligado em samba e eu também. O Menor foi um cara que me influenciou muito, hoje ele trabalha com Beth Carvalho. Minha origem é o morro de São Carlos (atual Estácio), a vocação também nasceu ali comigo e com o contato com todos os baluartes do samba. Eu não sei viver sem o samba. É mais importante que a família. Pode faltar tudo, menos samba na minha vida. Sou um apaixonado pelo Carnaval. Vivencio isso o ano inteiro. Adoro o samba! (suspiros). Não ouço pagode, eu ouço samba.

O.H.: Qual é a diferença?

CIÇA – Muita! O samba é um aprendizado. O samba tem uma história. Vou te dar um exemplo: quando o Dominguinhos do Estácio fez o “ Ti ti ti do Sapoti” (samba enredo da GRES Estácio de Sá), nunca ia imaginar o que era sapoti, da onde veio. Então, samba pra mim é cultura. Aprendi com a letra e com a música. Gosto muito também de samba enredo, principalmente os de 1940. Pagode é tudo a mesma coisa. O que vivencio mesmo é samba.

O.H.: Pra você, quais mudanças aconteceram no samba que está sendo feito hoje, um samba espetacularizado para o turismo cultural, comparando com o samba que você curtia aos oito anos no morro do São Carlos?

CIÇA – A qualidade é outra. Não que o samba de hoje seja ruim. Antigamente, quando se queria falar sobre a história de Getúlio Vargas, por exemplo, o samba tinha quase cinquenta frases. Era um outro esquema, muito mais profundo o mergulho. Hoje, se for falar desse mesmo tema, tem que ter 26 letras mais ou menos. Entende?

O.H.: Mudou tanto na letra quanto na melodia?

CIÇA – Sim. Antigamente, a letra era mais refinada e a melodia mais suave. O carnaval mudou, e a “pressa” é a palavra central disso tudo. Hoje, você desfila com quatro (4) mil componentes. Antigamente, uma bateria tinha 30 componentes. Hoje, são 300 componentes.

O.H.: Falando um pouco mais da Grande Rio, o que você acha que justifica a participação volumosa e direta de artistas globais na escola?

CIÇA – Muita gente critica, fica chamando a gente de “a escola de samba da Globo”. Acontece que é a filosofia do nosso patrono. E da própria direção da escola, que opta por isso. Agora, os artistas que frequentam a escola, como a Suzana Vieira, são pessoas antes de mais nada. E eles ajudaram a fundar a Grande Rio.

O.H.: Como é que você enxerga a participação da velha guarda aqui da Grande Rio?

CIÇA – Muito boa. Não sabia que tinha uma velha guarda tão ativa, fiquei surpreso logo quando entrei, no meu primeiro ano aqui. A musicalidade da velha guarda da Grande Rio é excepcional. A origem da velha guarda são senhores e senhoras dos blocos de carnaval antigos de Caxias. E eles têm uma afinação que é incrível.

O.H.: O atual samba da Grande Rio, carnaval 2012, fala muito de superação.

CIÇA – Costumo dizer que a Grande Rio ta pronta pra ganhar esse carnaval. A gente foi muito feliz no enredo. Calhou de chegar esse incêndio, e isso mexeu muito com a comunidade. Quando comecei aqui na escola, sentia a comunidade um pouco distante. E pensava comigo: “poxa, Caxias, um município desse tamanho, tem que ter uma comunidade aqui dentro”. Nesses últimos dois anos, a escola pegou fogo numa segunda-feira. Na terça, a quadra estava lotada de pessoas da comunidade. A direção da escola percebeu que a tinham abraçado a causa da escola.

O.H.: O samba inclui socialmente?

CIÇA – Com certeza, e também transforma socialmente. Eu gosto muito de falar sobre isso. Temos que marcar uma segunda entrevista, Pedro, maior que essa aqui para falarmos só disso. A prova de que o samba muda socialmente uma pessoa é o trabalho aqui da Grande Rio. Já fiquei duas horas com a Revista Época falando sobre o público formador da bateria. Muita gente acha que só tem marginal na bateria. E não é isso! Tem muito médico, advogado, gay, professor, policial compondo a bateria da escola de samba. Agora, claro, também tem muita gente que já esteve do outro lado, mas que agora está se regenerando com a magia do samba. Eu sou mestre de bateria? Sou. Mas, não adianta só ter o apito no pescoço. Saber lidar com 300 pessoas com problemas pessoais diferentes é uma arte! (RISOS)

O.H.: Com certeza, é uma grande tarefa.

CIÇA – Pois é, Pedro, tive que aprender um pouquinho de psicologia!

O.H.: Qual o principal desafio da escola atualmente?

CIÇA - O principal desafio da escola é esse título de 2012. Esse ano a gente espera que continue dando tudo certo!

CONFIRA o samba enredo da GRES Grande Rio:

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Trecho filmado da entrevista com Pedro Rios Leão

2012-02-14T13:50:00.000-08:00

Confira trecho filmado da entrevista exclusiva e esclarecedora de Pedro Rios Leão a Pedro Paulo Rosa - Blog e Programa O Hélio (www.ohelio.blogspot.com), Pedro Rios Leão ressalta em seu depoimento a importância da mobilização política não só no Rio de Janeiro, mas em todo o Brasil. Vale ressaltar que o Blog O Hélio foi o primeiro veículo a cobrir a fala de Pedro Rios Leão após greve de fome.

PEDRO RIOS LEÃO: NINGUÉM QUER MORRER À TOA

2012-02-09T18:07:00.000-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto/Filmagem: Rany Carneiro

Colaboração: Antônio Henrique Campello

Revisão textual: Paulo Cappelli

O Blog O HÉLIO, desde o seu inicio, se propõe a ouvir a maior diversidade de vozes e pensamentos possíveis. Por isso, conversa com exclusividade na casa do jovem carioca Pedro Rios Leão ("branco e da zona sul", como ele diz, é um de seus mecanismos de defesa à truculência policial). Com forte atuação política, Pedro demonstra fundamentação em suas afirmativas que buscam uma nova alternativa de mentalidade social, econômica e política aos brasileiros. Na conversa, falamos sobre juventude, remoção, política de segurança nacional e revolução do campo semântico. Para Pedro Rios Leão, a disputa está no “sentido das coisas”.

Pedro - As pessoas têm que entender que uma revolta no aparelho de repressão é uma oportunidade histórica. Bater no policial é só um jeito de apanhar para sempre. Quando você diz que o Rio estava em guerra, isso é uma mentira. É só pra você escolher qual lado do oprimido você quer para ficar batendo.

O.H.: Qual a sua formação, Pedro?

Pedro Rios Leão – Cara, eu fiz comunicação na UFRJ, mas abandonei o curso, porque é uma merda. Tive alguns professores bons lá dentro. Tive uma formação de moleque de ler muito. Li muito filosofia clássica, metafísica alemã; li depois muita literatura contemporânea. Gosto do muito dos franceses. Li muito Marx, Lênin, Hegel, Engels. Me interessei por política lendo Aristóteles, Maquiavel e Spinoza.

O.H.: Qual teu posicionamento político?

Pedro – Os partidos, até agora, não apresentaram uma alternativa viável e válida dentro do que eu considero uma democracia.

O.H.: E o que seria essa democracia válida?

Pedro – Uma democracia que não seja baseada em abuso de poder econômico. Onde haja, realmente, representatividade. Sem que o Congresso se torne um balcão de negócios. E, cara, dinheiro com dinheiro é pior que imã, né, amigo? Em nenhum momento da história do capitalismo, o ritmo de enriquecimento foi maior do que o ritmo de empobrecimento.

O.H.: Então, estou falando com um marxista?

Pedro – Sim, eu sou.

O.H.: Você curte as coisas que fazem sentido, que se relacionam, né? Em que medida a sua greve de fome em frente à TV Globo se correlaciona com a greve dos PMS?

Pedro – É, as coisas são quase idênticas. Cara, eu acabei de sair do ato mais brutal que a polícia já cometeu nos últimos anos. Eles fizeram um massacre em cima de seis mil pessoas (caso Pinheirinho) a mando do Naji Nahas e aí você vê como o Estado trata os policiais de São Paulo e como o Estado trata os policiais da Bahia.

O.H.: Explica pra gente essa diferença de tratamento.

Pedro – Bom, simples: o Estado está tomado por criminosos. Os que matam pessoas são aqueles que cumprem ordens, são premiados. Estão acima da lei, ninguém investiga. Ninguém denuncia. Há quantas denúncias contra os PMS de São Paulo que estavam matando e ocultando os corpos? Ninguém faz nada! Eu estava numa manifestação de uma mãe que tenta exumar o corpo do filho dela, que foi morto por seis agentes do DEGASE. E o diretor do IML tenta esconder, e a polícia tenta esconder, sabe? E os assassinatos que aconteceram em São Paulo agora?! Aí, a mídia tenta esconder e a casa das pessoas foi derrubada em dois dias numa ação orquestrada por criminosos que tomam conta do Estado.

O.H.: E você pensa que isso tudo se origina de que forma?

Pedro – Isso tem uma origem a partir do momento em que a gente vive num sistema de mercado, onde um governador é eleito por uma força de indústrias e um Congresso funciona como uma máquina de lobby. As pessoas vão se fodendo, se fodendo... Se oprimindo, se oprimindo até o momento limite. Ninguém mais quer morrer à toa, meu amigo! O que os policiais falam é: “boa parte de nós quer ser honesto”. Só que não tem como, senão você morre! Por que interessa ao Governo ter corrupção? Hoje em dia, todo mundo sabe que uma das maiores fontes de renda é a milícia. Pra onde vai todo esse dinheiro?

O.H.: Pra onde?

Pedro – (RISOS) O Governador tem interesse de manter essa corrupção no Rio de Janeiro, que é cheio de curral eleitoral. Existe hoje uma guerra; eu achei um ato irresponsável do Governador Geraldo Alckmin atirar na Polícia Federal. Isso denota claramente essa guerra interna no Estado. Existem elementos do governo federal altamente acuados e o que estou tentando fazer é dar contexto político para eles agirem, porque não existe discussão jurídica nesse país: a lei está suspensa no Brasil. O que há é uma disputa política gravíssima. E que bom que algumas forças de repressão estão se revoltando. A sociedade tem que ir à rua e abraçar essa luta. Os policiais estão cansados de tomar tiro por causa de banqueiro. Se o policial tiver um salário honesto pra sobreviver, o policial vai preferir a se arriscar. Todo mundo ta cansado de ser cão de guarda na polícia. E só eles tomam culpa; o tempo todo, a polícia é o vilão desse país. As pessoas não entendem que não é bater no policial, chutar policial agora é proteger os bandidos de cima. Tem uma quadrilha infiltrada aparelhando o Estado, o Naji Nahas, o Cabral, o Alckmin, o Daniel Dantas que usam a polícia como uma gangue. E quais são as armas que eu tenho? Podem ser prosaicas, mas: sou branco e sou da zona sul do Rio. Ah! E tenho acesso à internet. Cara, pra você ter uma ideia, o terreno onde havia a comunidade do Pinheirinho vale R$ 400 milhões de reais. O capitalismo ganhou da democracia.

O.H.: Quando o Lula venceu, no primeiro mandato, você sentiu esperança de que estes aspectos relatados e visto como comuns, no Brasil, fossem superados no sentido de serem eliminados?

Pedro – Olha, foram melhorados. Foram melhorados... (suspiros) Se o José Serra tivesse sido eleito, a gente teria 5 milhões de pessoas na rua. A gente teria greve. Porque, o Lula, tem um lado bom dos políticos conservadores mais antigos. Ele mantém a classe média dele viva. O Lula tem uma política econômica muito eficiente para o capitalismo. O que ele fez agora foi o que os EUA fizeram em 1930; o Presidente Roosevelt contratava gente pra abrir os buracos das ruas de Nova York e depois contratava gente pra cobrir esses mesmos buracos. Quando o capitalismo super concentra, ou seja, quando há uma concentração demasiada na indústria e nas forças produtivas e os reliz vagabundos não têm mais grana pra consumir, aí você vai e faz um programa de distribuição de renda. Por que a gente se reúne em sociedade? Porque a gente tem medo da morte. Maquiavel.

O.H.: Fala mais.

Pedro – Maquiavel escreveu sobre a organização do Estado, mas a televisão faz as pessoas acreditarem que ele escreveu um livro sobre como passar a perna nos outros (RISOS) e o nome dele virou adjetivo de vilão da Disney. Temos medo da morte, porque sozinho, a gente morre. O homem, biologicamente, é bando. Tanto que o pânico se espalha com força social. O coletivo faz uma noção de comportamento que julga são ou salutar. Sabe? O pânico se espalha até que se gere uma nova ordem. E as pessoas querem ordem. Por isso que a gente tem os conservadores; as pessoas estão desesperadas, não querem ver o massacre que estão na cara delas. Mas, esse véu vai cair. Cara, na boa, acho uma ofensa alguém virar e falar que não teve morte em Pinheiro; é só olhar os vídeos.

O.H.: Por que você escolheu a greve de fome como forma de manifestação? Se inspirou em alguém?

Pedro – Não, não me inspirei em ninguém. O cidadão obediente, o cidadão de bem, prefere sempre se manter na ordem, ninguém quer morrer à toa. É como um cara que se imola; caralho, “ele está falando sério”. Isso faz as pessoas ponderarem melhor. Por isso, escolhi a greve de fome. E a imagem é muito forte. As pessoas precisam sair dessa bolha de segurança delas de alguma maneira. Por exemplo, em Pinheirinho, as provas estavam evidentes. Mas, assim, não ia filmar corpos porque a PM ia sumir comigo, simples assim. Mas, fiz um vídeo contundente pra trazer para cá, pra zona sul do Rio de Janeiro. Não existe distância. O que está em Pinheiro está aqui no Rio. Quantas remoções ainda vamos ter pela frente?

O.H.: Já tivemos muitas e ainda teremos várias ...

Pedro – Não vamos, não; não vamos não ... sacou? A gente começa um trabalho que pode parecer de formiga, mas estamos diante de duas rupturas econômicas muito sérias. Mesmo que o governo Lula tenha sido bom para a economia nacional, o processo tributário, o processo capitalista que acomete o mercado privado, no Brasil, já está muito elevado. Hoje em dia, o cara da zona sul do Rio de Janeiro se forma na UFRJ, estuda feito um cão pra trabalhar 14, 15 horas por dia. Se não trabalhar, tem quem trabalhe. A CLT já foi jogada no lixo há muito tempo! No mercado privado, o assédio moral é implícito. Em qualquer área, Pedro. Então, meu irmão, ta todo mundo puto. A depressão é endêmica. Isso tudo, trabalhar 14 ou 15 horas por dia, para dividir a casa com mais dois amigos.

O.H.: – Ao mesmo tempo, você fala que ser branco e da zona sul é um mecanismo de defesa teu, né?

Pedro – Ah, claro, se eu fosse negro e da zona norte, a guarda municipal não me daria nem “oi”. Sacou?

O.H.: A greve de fome como foi pra você fisicamente? Sentiu alguma coisa muito estranha no corpo?

Pedro – Não sei dizer. Tenho um preparo físico muito bom. Antes de fazer a greve de fome, eu corria 10 km todo dia. Eu já era muito leve. Pesava 68 kg e fui pra 56 kg. Agora, no dia seguinte, já estou com 58 kg. Engraçado, você recupera rápido. Nos primeiros dias eu senti muita fome, e eu tinha saudade da comida. Foram 11 dias. A primeira coisa que comi foi uma banana. Dá vontade de fazer de novo, só pra comer a banana novamente. Sabe o que é ficar 11 dias sem pôr nada na boca, só bebendo água? (RISOS) Eu ficava gargalhando.

O.H.: Algum funcionário da Globo parou pra falar com você durante a greve?

Pedro – Sim. A Globo tentou me mandar um assistente social, só que não sou idiota. A assistente ia lá, ia dizer que eu sou maluco e a Prefeitura ia me tirar de lá. Pegaram uma funcionária qualquer, ela chegou em mim, perguntou se tinha alguém filmando e me disse que “a empresa” queria mandar uma assistente social pra mim, mas que não queria ninguém filmando. Disse a ela que precisava ver o governador de São Paulo preso e não de uma assistente social. E para o chefe dela ir tomar vergonha na cara.

O.H.: Pedro, você acha que a participação, efetiva, da população brasileira como um todo acontece quando? Isso é possível dentro de um histórico de revoluções, digamos, chamadas de “sufocadas” e “isoladas”?

Pedro – Acho que isso é possível e urgente.

O.H.: Fico pensando no Brasil, tão diverso e diferente e – ao mesmo tempo – as pessoas vidradas no Big Brother, por exemplo. Me situa nisso. Como a população pode se tornar, verdadeiramente, interventora no processo de construção do país. A questão é o voto? É a legislação?

Pedro – É diferente. A questão é a ruptura econômica. Eles veem Big Brother, mas eles veem Big Brother deprimidos, amigo. É muito gostoso fazer a revolução, exercer os seus direitos políticos é bom. Acordar é bom. E assim, é uma questão que vai depender muito de um esforço de ambas as partes. Acho que já tem muita gente, dos dois lados, pra acabar de vez com a briga da sociedade com a polícia. Estado massacrando a sociedade e usando a polícia pra massacrar a sociedade e usando esta pra massacrar a polícia. Que porra é essa, sabe? Isso tem que acabar, e acho que já temos gente pra isso.

O.H.: – Mesmo com uma educação tão ruim, colocando no Ministério da Educação Aluizio Mercadante?

Pedro – Não é o ministro da educação que vai fazer diferença hoje em dia. E a educação, na verdade, é falida. Até a educação formal, a educação que dá um diploma, isso não é educação. As pessoas são adestradas pra serem funcionários. Existe um pânico em relação à educação.

O.H.: Existe um pânico do quê? De não ter emprego?

Pedro – Também! Existe um pânico em relação a tudo. A educação não é estagnada. Se a maioria do povo tem uma determinada educação, a cultura será essa. Dentro das pessoas que controlam o Estado, e nas pessoas que autenticam esse controle, que somos nós, cidadãos, existe uma xenofobia. A gente não enxerga o mundo real! A educação escolar e universitária faliram! Sério, as pessoas não compartilham mais signos e significados. Isso é um problema da educação muito sério. Cada um fala qualquer coisa querendo dizer qualquer coisa. E isso é um problema da Rede Globo. A gente está há 45 anos sendo educado pela televisão. Parece que você pergunta: “que roupa é essa? “e a pessoa responde: “a banana é verde”. Sabe? E isso dá a sensação de desespero, de depressão endêmica que todos estão passando.

O.H.: Você acha que a Rede Globo, em si, causa tudo isso?

Pedro – A Rede Globo, em si, não. Mas, o tempo de mercado! Das pessoas estarem prontas em 30 segundos. Ninguém pensa porra nenhuma em 30 segundos. Tá todo mundo vivendo muito mais rápido do que deveria. Ninguém entender merda nenhuma! As pessoas estão muito nervosas. O problema da educação começa aí. Que educação uma pessoa que trabalha 14 horas por dia e vê 8 de TV tem? Qual é a educação dessa pessoa?

O.H.: E o controle remoto? Dá pra mudar o canal.

Pedro – A culpa ta na escola, ta no Estado, ta na família, ta no sistema de mercado. Na TV! A culpa está nas pessoas serem educadas para virarem funcionários.

O.H.: Mudando um pouco o rumo e revisitando 2011: como foi a Primavera Árabe pra você, a crise Européia? Como que isso bate no Brasil?

Pedro – Eu achei que não fosse chegar aqui! (pausa. Bebe água) Eu estava confiante no governo Dilma, achei que a gente fosse passar por um processo de reforma. Pensei que os bancos fossem falir lá fora, mas a gente tem um Estado voltado para o mercado interno e quando a coisa apertasse lá fora, a gente injetaria mais aqui dentro. Mudei de ideia porque o que o governo Alckmin fez me provocou mudar de pensamento. Não posso aceitar que um assessor da Presidência seja baleado pela polícia militar de São Paulo e o Ministro da Justiça ou Secretário Nacional dos Direitos Humanos tenha a audácia de dizer que o “problema é do Estado de São Paulo”. Quer dizer, isso não me indica uma mudança pacífica nos ramos da segurança nacional. Se as pessoas não aceitarem as mudanças, meu querido, elas vão tomar porrada.

O.H.: Estava esperançoso na Dilma por quê?

Pedro – Pela história dela. Cara, o maior bandido da terra e o maior herói têm o mesmo desejo. Ambos querem uma estátua em praça pública. Então, acho que a vontade da Dilma não é entrar pra História como a Presidenta que encobriu o massacre de Pinheirinho. Ainda mais por ter sido militante e torturada. Acho que a ambição da Dilma não é entrar para a História como a mulher que sufocou o povo e a última a defender o cidadão.

O.H.: Como é que você acha que a juventude precisa se posicionar?

Pedro – A juventude vai se posicionar porque o bicho ta pegando. Simples assim. A juventude já está se posicionando: estão deprimidos dentro das suas casas tomando Rivotril. É assim que a juventude está se posicionando. Cara, olha só, conheço pilhas de pessoas que estão a uma centelha de uma revolta. Na zona norte, existem legiões que aguardam a trombeta dos céus pra tacar fogo em tudo. Cara, a zona sul do Rio de Janeiro é onde tem o metro quadrado mais caro do mundo. E mesmo nesse lugar do metro mais caro do mundo, só existe luxo mesmo pra banqueiro. Conhece o Complexo de Ícaro? Ele voou alto demais perto do sol com asas de cera, aí as asas derreteram e ele caiu. Pois é, os banqueiros moram muito perto do sol.

O.H.: E a juventude que não teve a sua leitura intelectual e de mundo?

Pedro – Eles estão putos! Isso basta! Como eu falei, a educação e a cultura se manifestam nas ruas, não vêm dos livros. A Dilma está errada, por exemplo, ao achar que o Brasil não tem contexto político para se livrar de um cara como Daniel Dantas. Mas, o Brasil tem sim! Tem contexto político para isso. E também pra se livrar dos juízes que protegem o Daniel Dantas. Eu sou só uma consequencia prática do que foi feito. Um moleque que consegue se expressar uma coisa que TODO MUNDO VÊ.

O.H.: Sua família te ajuda nessa empreitada?

Pedro – (RISOS) Minha família está desesperada, né... Briguei com algumas pessoas da família. Minha mãe está desesperada, muito assustada. Como falei, desde pequeno tenho uma relação muito obsessiva com as palavras; o que tento fazer é descrever o que vejo. O que falo não é nenhuma novidade. Todo mundo sabe quem são os bandidos. É só uma questão de concatenar essa revolta numa manifestação única, num processo real de democracia. A gente tem que entender que, o que ocorre agora, não é jurídico. São questões políticas. Tanto em Pinheirinho como em Salvador. É um absurdo que a polícia seja militar nos Estados. E outra coisa: só estou nesse processo porque tenho certeza de que não estou sozinho. Por isso, nunca participei de nenhum partido para fazer papel de maluco. Só comecei a tomar atitude quando vi que as coisas poderiam ter um poder de mudança. E elas têm. Ninguém quer morrer à toa, estão todos deprimidos.

O.H.: Acredita em heróis?

Pedro – Acredito em estopim. Se não fosse eu, seria outro.

CONFIRA o filme de Pedro " Eu queria matar a presidenta: depoimentos da guerra civil brasileira"

JULIO LUDEMIR, A ESTÉTICA DA CORAGEM

2012-01-22T15:10:00.000-08:00

Foto: Mazé Mixo

Por Pedro Paulo Rosa

Revisão textual: Paulo Cappelli

O HÉLIO: Você está sempre muito próximo de urgências sociais. Por exemplo, no livro “Rim por Rim”. Como foi aquele trabalho de pesquisa?

JULIO LUDEMIR– Foi um trabalho de pesquisa, um árduo trabalho. Esse livro é resultado de um conjunto de coincidências felizes e infelizes da minha vida. Na verdade, eu tava vivendo um momento super delicado, com dificuldade de dinheiro e me separando da minha mulher. Estava precisando ir para Recife, dar um tempo na minha cidade não natal, mas onde fui criado. Nasci do Rio, mas fui criado em Olinda. E aí, nos últimos meses que eu havia passado no Rio de Janeiro, fiz muitas entrevistas e, por conta delas, me tornei amigo da Elizabeth Sussekind, ex-secretária nacional da justiça. Fiz essas entrevistas com ela por conta de um livro chamado “O Bandido da Chacrete”, que foi sobre um bandido que está na primeira geração do Comando Vermelho. E a Beth, que na época era estagiária, fez a primeira pesquisa sobre crime organizado no Rio de Janeiro. A partir dessa entrevista, ela entrou em contato com aquilo que ela viveu na juventude e começou a se interessar com o que tinha acontecido com aquela geração de presos, como o Paulo César Chaves, que era o meu personagem. A gente começou a criar uma relação. E no momento em que estavo indo ao Recife, ela, que é muito ligada a uma ONG que combate o tráfico de seres humanos, me propôs organizar um livro de ensaios sobre tráfico de pessoas; que implica algo além de tráfico de órgãos. Trabalho escravo e prostituição também estão dentro da discussão. Mas, no fundo, voltando a falar em coincidências, meu pai era um renal crônico e morreu por causa disso. Em momento algum ocorreu à minha família recorrer ao mercado negro de órgãos. Era um negócio que não estava no nosso cenário mental.

OH – Explica mais

J - Além do cenário ser Pernambuco, além de passar por duas pessoas que representaram a figura paterna para mim; muito queridas, uma delas o meu pai e a outra o meu sogro, que morreu precisando de um fígado novo. Meu sogro morreu na fila de transplante. E eu fiquei muito mobilizado quando ele morreu porque estava me separando da minha primeira mulher, mãe da Juliana, e por conta de todo um problema que se tem quando você está se separando de alguém, não ofereci o meu pedaço de fígado e eles não me pediram. Era a única pessoa que poderia doar naquela pressa toda. Havia também elementos de ignorância, tanto minha quanto daquelas pessoas envolvidas, porque a sensação que tinha era que se eu tirasse um pedaço do meu fígado abriria mão da minha saúde, nunca mais poderia jogar bola etc e tal. Quando não é isso que acontece. Entrei em contato com essas coisas todas quando me foi feita a proposta de coordenar um livro ligado ao tema do tráfico de pessoas. E tem um outro elemento também da minha história pessoal porque envolve a questão judaica: meu pai é judeu e o cara que comandava essa quadrilha lá do Recife era um major israelense. Comecei a tentar entender aquilo tudo. Era um conjunto de coincidências. Nunca imaginei escrever sobre aquilo. Hoje em dia, se alguém enfrenta um problema de falta de órgãos, tenho informação suficiente para dizer: “ cara, eu vou te dar isto aqui”. É o meu livro mais jornalístico, mais na terceira pessoa e no entanto é o meu livro mais pessoal, que envolve as verdadeiras questões da minha vida, desde o fato de ser um livro pernambucano; eu nunca escrevi nada ambientado em Pernambuco, o fato de lidar com a questão judaica e eu nunca havia lidado com nada judaico. E está ligado à perda de duas pessoas que representavam a figura paterna para mim. E o engraçado é que só fui sentir tudo isso na noite de autógrafos, que caí em prantos. Por trás do “ Rim por Rim”, estou ali o tempo inteiro, inclusive naqueles moleques que vendiam seus órgaos, que eram muito parecidos com os moleques com os quais convivia em Recife.

OH – Como assim?

J – Moleques com aquele humor, com a macheza nordestina, entende? E vender órgão era muito menos trocar por um prato de comida do que trocar pela possibilidade de consumir alguns meses. Um dos títulos que pensei para o livro foi “ Rei por seis meses”. Porque o cara pegava aquele dinheiro e ele tinha uma vida intensa de conforto durante um curto período. Não estamos falando de pessoas em miséria absoluta.

OH– Quanto custava um órgão?

J – Cara, o valor ali na ponta era 15 mil dólares. Mas, na verdade, eles criaram uma rede em que um ia indicando para o outro, que tinha gente comprando por seis mil dólares. Houve uma rede de desvio daqueles 15 mil oferecidos inicialmente. A oferta era tão grande que todo mundo queria vender. Foi uma coisa que mobilizou um bairro inteiro!

OH– O seu amparo para escrever esse livro, além de você, foi quem?

J – Não, ninguém me ajudou. Nunca ninguém me ajudou em livro algum. Meus livros faço sozinho e acho que é a maneira mais confortável de fazer.

OH– Por quê?

J – Cara, porque, em primeiro lugar, você começa a ficar devendo favores. E você precisa sacrificar algum grau de informação. Quando eu estou fazendo um livro, troco qualquer coisa pela informação. Já corri riscos de morte seríssimos.

OH – Li que você não pode entrar na Rocinha. Isso é verdade?

J – É. Por conta de um livro anterior em que priorizei a minha informação, a minha visão de mundo pelas relações que construí ali dentro. Sou tido como um traidor da Rocinha. Mesmo com UPP lá dentro fui lá, pude visitar a comunidade, mas não tenho relações ali dentro. Principalmente com as lideranças comunitárias. Atualmente, não corro mais risco de morte dentro da Rocinha. Com certeza, porém, não vou ter parceiros lá, a não ser as pessoas que sejam inimigas dos indivíduos sobre os quais escrevi.

OH– Fala um pouco sobre o período que morou na Rocinha por seis meses e do processo de escrita do livro “ Sorria, você está na Rocinha”.

J – Esse livro trouxe consequências muito duras para minha vida, não apenas na minha relação com a Rocinha. É um romance inspirado na minha vivência ali dentro, a determinadas pessoas que só falto dar o CPF. Mas, o tratamento do livro é literário e com a liberdade que o romance oferece, misturando personagens e evento.

OH– Você o quis vestir como romance por qual motivo?

J – Em primeiro lugar porque, do ponto de vista jornalístico, não tinha com segurar aquela história. Havia um “provar as coisas” difícil de manter.

OH– A oralidade das provas é muito intensa, né?

J - Também por isso. Você tem uma questão séria para livros jornalísticos que é um negócio chamado direito de imagem. Caco Barcellos, por exemplo, levou processos violentos por conta disso, assim como o Paulo César Araújo. Porque a Lei de Imprensa não protege o autor de livros. O livro é visto como algo que daria lucro ao repórter. Enquanto, no jornalismo, toda informação que está sendo veiculada é vista como serviço público. Entende? Da prestação de serviço para a comunidade. Se eu disser qualquer coisa sobre o Pedro Paulo Rosa, precisarei da sua autorização, mesmo que eu diga que você é bonito, gostoso e incrivelmente genial. Uma das minhas limitações para esse livro era questão do direito da imagem. Hoje em dia você tem e só pode ter obras autorizadas. E aí, escolhi o romance. Mas, talvez acredite mais na mentira literária do que na verdade jornalística! O que é a verdade no jornalismo? Até um certo momento, tudo o que se discutia sobre política dentro de favela era de um modo que se satanizava o tráfico de drogas e se santificava o trabalho voluntário das ONGs. Era quase como se em todas as ONGs morassem Madres Teresa de Calcutá. Na verdade, entrei na favela para escrever um livro politicamente correto. Eu tinha um mote na cabeça que era uma tese de doutorado sobre política de espaço e política de lugar.

OH – Mas, Julio, tem que ter uma motivação. Qual foi a sua?

J – A minha motivação foi no dia em que conheci pessoas que moravam lá. Eu já tinha interesse em favelas. Na verdade, interesse mesmo pelo crime organizado. No fundo, queria escrever uma história, um romance em torno do crime organizado. Quando entrei ali me encantei pela complexidade da Rocinha. Tudo o que eu havia lido ou ouvido falar sobre favela não correspondia com a realidade. Acho que a Rocinha é o primeiro símbolo concreto, real da ascensão da classe C no Brasil. Tinha no meu cenário mental que favela era lugar de lata d’água na cabeça, barracão de zinco, de sem telhados, e vou chegar lá e encontrar uma atividade econômica feroz. Vou entrar na via Apia e encontrar um comércio intenso com uma noite maravilhosa. Com diversidade. Não era uma favela restrita a forró ou a pagode. Entende? Não era uma favela restrita aos tipos e aos estereótipos que se faz da pobreza. Uma das coisas que mais me impressionou é que um dos trânsitos mais complicados, com engarrafamentos paulistanos, é na área da Rocinha. Uma das questões mais dramáticas da favela diz respeito ao estacionamento. Não sei se eu posso falar dele aqui agora, mas o Dudu da Rocinha encontrou a seguinte forma para resolver o problema de estacionamento: ele pegava a pistola e saía numa moto dando tiro (pápá!) nos carros estacionados nos dois lados. Só podia estacionar de um lado da rua. Ele era um bandido violento e um bandido que impunha a ordem na base da bala mesmo. E por conta disso ele vai ser preso e odiado pela população. E, depois, quando ele tenta voltar, a gente vai ter a guerra de 2004, que vai acarretar na adesão da Rocinha ao ADA. No meu imaginário, a última coisa que seria problemática na Rocinha seria a questão do estacionamento. Pensava que o estacionamento seria problema aqui na minha rua, na sua rua lá no Jardim Botânico, entende? É um drama na Visconde do Pirajá, mas nunca seria na Estrada da Gávea. Quando entro em contato com essa complexidade econômica, adentro em uma discussão que permeia todo o governo Lula, que é a ascensão da classe C; que só veio ser discutida no segundo mandato do Lula. Tenho essa percepção em 2002 e 2003, quando visitava a Rocinha e me perguntava: porra, cadê a miséria absoluta das favelas? Qual é o local da miséria no Rio de Janeiro?

O escritor e jornalista Julio Ludemir. fonte: arquivo pessoal

OH– Na comunidade de Manguinhos, talvez?

J – Nem lá. Por exemplo, o Morro dos Prazeres enfrenta um grande problema com um condomínio de classe média porque os seus moradores disputam as ladeiras ao redor das quais foram construídos os prédios desse condomínio para quem tem a primazia do estacionamento. Do ponto de vista da favela, aquelas ruas são públicas da Prefeitura. Para o condomínio, aquelas ruas são dos moradores e seus carros. É um embate sério que rola há muito. O local da miséria absoluta não é mais a favela. Ao mesmo tempo, não estou falando que não haja miséria no Rio nem na favela. Uma outra coisa que começo a perceber durante a pesquisa, é como a relação política acontece dentro da comunidade. O tráfico ficava imunizado e satanizado e, do lado de cá, as lideranças políticas, as ONGs, as associações de moradores, como se não houvesse uma diversidade política e de interesses, e, acima de tudo, como se não ocorresse uma necessidade de negociar o seu projeto ali dentro. Pela primeira vez alguém vai discutir uma favela politicamente sem a pobreza com que ela sempre foi vista.

OH– Você foi lá pluralizar o olhar. O que você encontrou no universo das ONGs? É um vespeiro?

J – Óbvio que é um vespeiro. Óbvio que existe uma tensão e uma competição entre as ONGs. Hoje em dia as pessoas não têm um projeto de periferia, as pessoas têm um projeto ao seu interesse, a sua própria ONG. Por exemplo, eu vou ter que convencer o Pedro Paulo Rosa do Blog O Hélio, vou ter que convencer o Futura, a Globo, a Petrobras e a todos os meios de comunicação que patrocinam ou que indiretamente fomentam patrocínio ao criar figuras públicas de que o meu projeto é melhor do que o seu, entende? Não existe dinheiro para financiar todos os projetos. E mais do que isso, você vai para questões mais complexas que envolvem lavagem de dinheiro, terceirização de corrupção. Depois que os financiamentos das ONGs deixaram de ser feitos por instituições internacionais e passaram a ser feitos, basicamente, pelo poder público, o trabalho do terceiro setor tornou-se uma terceirização para poder facilitar a chegada de determinadas obras públicas lá na ponta em decorrência das complicações burocráticas. É mais fácil de você agilizar a chegada dessas obras por meio das ONGs.

OH – E as obras sociais centradas na pessoa política?

J – Aí é outra coisa. Isso é outro ator dentro deste universo disputando as verbas públicas. Agora, o interesse de um centro social é diferente de uma ONG como, por exemplo, a Viva Rio. É diferente de uma ONG como o Afro Reggae. No caso da Rocinha, não existe nenhum lugar no Brasil em que haja tanto investimento social por metro quadrado quanto na Rocinha. E, no entanto, lá é o local onde há menos resposta para tal investimento. Você não produziu lá um artista da complexidade do Mv Bill (CUFA), não produziu um pensador como Jaílson de Souza (Observatório das Favelas), não produziu um cara das articulações políticas como o José Júnior (Afro Reggae). Não produziu um projeto da visibilidade do Nós do Morro (coordenado por Guti Fraga, no morro do Vidigal). A Rocinha não produziu sequer um político. Tem o Nadinho, que é o chefe das milícias lá no Rio das Pedras, que embora seja um miliciano, conseguia reunir a favela.

OH – Por que você acha que a Rocinha não deu respostas?

J – Exatamente por conta da pulverização, por conta dessa disputa de projetos. Que faz com que as pessoas digam que o mais importante não é a Rocinha, mas sim o seu projeto dentro da Rocinha. Existe uma segunda questão: a Rocinha se apresenta como uma cidade a parte do Rio de Janeiro. No imaginário da Rocinha, aquilo é uma cidade. O morador de lá tem orgulho de poder acordar e dormir sem sair dali. Pode ir ao banco, à faculdade, ao mercado ali mesmo. Aquilo tem uma complexidade econômica tal que você pode viver sem sair dali nunca. Até porque, os projetos sociais não estimulam a circulação. Porra, eu tenho que ter um olhar além de Botafogo que é o bairro em que moro. Tenho que entender que Botafogo faz parte da mesma cidade que a Mangueira, que faz parte da mesma cidade que Santa Cruz, que faz parte da mesma cidade que Ipanema!

OH – Isso quer dizer que a perspectiva da discussão dos projetos sociais, no Rio, está equivocada?

J – Exato. Essas discussões dos projetos sociais no Rio não me dão a cidade inteira. Você tem que circular a cidade, cara! Eu odeio quem acha que o mundo acaba na Lagoa Rodrigo de Freitas! Mas, eu também odeio quem acha que o mundo acaba na Avenida Brasil. Sacou?

OH – E, no Rio, esse pensamento é muito forte. Infelizmente, agora, a insegurança que vejo no "suburbano" que não quer se arriscar em provar o outro lado da cidade é a mesma insegurança que percebo no parceiro que mora na Gávea e não quer visitar, conhecer a bossa nova ou o funk de Campo Grande.

J – Pois é, não existe um projeto de cidade. E, na verdade, tem é que haver um projeto de Estado, de País e de Mundo.

OH – Mas como conciliar o olhar do macro com o micro?

J – Sim, mas não posso restringir a minha vida à Rocinha, à Mangueira, por exemplo, entende? Eu tenho que dar a cidade para esse morador de todos os lugares. A cidade tem que ser um espaço que esteja no imaginário de todos como sendo nossa. Isso tudo, essa divisão que a gente vive, é uma reprodução da mesma lógica da venda do tráfico de drogas. Porque o tráfico reparte da cidade em pontos de venda. Insisto: não existe um projeto generoso de cidade! E fui discutir essas coisas num momento de discussão ainda virgem. Tomei porrada de tudo quanto foi lugar; fui apresentado como um cara não confiável. Entende? E não confiável no sentido de que as minhas informações não eram verdadeiras e que não se podia dizer nada ao Julio Ludemir. Se você dissesse ao Julio que você come a vizinha, você correria o risco de o Julio te denunciar para sua mulher. Fiquei anos sem trabalho porque, nem as pessoas que admiravam a qualidade das informações levantadas por mim, tinham coragem de me chamar. Isso teve um preço tão alto que não tinha mais espaço no Rio de Janeiro. E daí fui para Recife escrever sobre o rim.


Julio Ludemir e a juventude na praia do Arpoador, em Ipanema, em homenagem ao dançarino Gambá, assassinado em janeiro de 2012	fonte: arquivo pessoal

OH – O seu interesse por periferia, por favela, nasceu quando?

J – Na verdade, a grande periferia do Rio e de São Paulo, as grandes favelas, é feita por nordestinos. Tem as favelas negras, as nordestinas. Mas, o grande inchaço da cidade que levou o Rio a ter cerca mil favelas é composta, em sua maioria, de nordestinos. Quando fui morar na Rocinha, reconheci o jeito nordestino.

OH – Mas você é de origem popular?

J – Não, eu não sou de origem popular. Sou filho de um jornalista importante de Pernambuco, de Olinda, que foi um dos primeiros a descobrir esse lugar como uma cidade bacana de morar. Mas, o meu vizinho era o mecânico; o outro vizinho era comerciário. Os meus vizinhos, o local onde jogava bola, a minha sociabilidade é de maloqueiro de Olinda. Antes de me descobrir como filho de uma boa classe média, eu me descubro como um olindense amigo do Papinha, do Pezão...jogamos bola no campo do V 8, que hoje é uma das favelas mais perigosas de Olinda. Meu sonho era jogar no time do Seu Batista. E assim fui criado ao lado daqueles caras. Vou ter interesse por literatura, pelos valores do meu pai, depois da morte da minha mãe. Na verdade, faço uma promessa no túmulo da minha mãe que vou virar escritor. Ela tinha um profundo desgosto do filho maloqueiro que vivia nas ruas. Meu sonho era jogar futebol, meu sonho era ser goleiro. Me preparei até meus quinze anos de idade para isso.

OH – E sua mãe morreu você tinha quantos anos?

J – Dezesseis.

OH – E aí faz a promessa no túmulo.

J – É. Se não consegui te orgulhar em vida, vou conseguir te orgulhar...

OH – No pós vida.

J – Existe uma clara diferença entre o mundo da palavra escrita e o mundo da palavra não escrita. O mundo da minha mãe é o mundo da palavra escrita. A própria lei da propriedade privada e todas as leis é um mundo da palavra escrita. O próprio modo como a palavra escrita, o advogado, a oratória, as leis... é sempre um mundo contido, elegante, circunstancial, um mundo no qual não sei viver até hoje. Até hoje tenho problemas de relação com a minha mulher porque, no fundo, eu prossigo com meu comportamento de maloqueiro da praça de São Pedro. Falo alto, gesticulo muito. Não tenho os modos delicados, contidos e silenciosos das elites.

OH – Aquele silêncio de Ipanema, né?

J – Isso! Fui criado nesse mundo do grito, talvez lhes seja a única forma de expressão.

OH – Você escolheu esse mundo, porque teus pais criaram você para o outro mundo.

J – No fundo, acho que não tinha espaço dentro de casa. Era muito amado por esses parceiros do Recife. Era disputado a tapa para ser goleiro! (RISOS) Era um cara valente, que estava na frente de todas as brigas e desafios. Era um cara plenamente incluído naquele universo. E me sentia inteiramente à vontade. E redescobri esse conforto existencial quando conheci as favelas do Rio de Janeiro, que são favelas nordestinas.

OH – Como você concilia a essência maloqueira com o dia a dia de um escritor, que tem que, por exemplo, lidar com grandes editoras?

J – Acho que o essencial nos meus livros é a coragem. São sempre corajosos, livros em que cada página é igual à bola que pego do pé do atacante. A coragem é uma coisa tão determinante no modo com que lido com as coisas que, hoje em dia, com os meus 51, quase 52 anos, e com um problema na lombar que estou tendo nesse exato momento (RISOS). No fundo, sempre acreditei que tenho força para resistir a qualquer coisa. Essa crença na força física é uma das principais fantasias que movem todos os meus trabalhos. Eu sou forte, resistente, e eu vou! Coragem política e estética. Quando formulo um livro de determinado modo, vou atrás. Não tenho medo. É impossível a mim transitar pelo campo da normalidade. E todos meus projetos possuem essa marca. Não é à toa que eu tive e tenha tanta dificuldade na vida.

Foto panorâmica da favela da Rocinha. Fonte: Blog Cidade Inteira

OH – Têm jovens que vão amar ler essa matéria. Têm jovens que não lerão certamente essa matéria.

J – Nos últimos anos, tenho trabalhado com jovens e tenho recebido uma coisa maravilhosa de retorno, de aceitação deles. Me sinto imensamente à vontade com eles. Tenho claro que não sou jovem. Acho babaca esses velhos que acham que são jovens. Eu me sinto bem. O fundamental é você estar bem aos 50, aos 80 e aos 18. As suas questões são totalmente diferentes das minhas. Nós seremos parceiros, vamos trabalhar juntos. Só que os pensamentos, por conta também da idade, são distintos. Tenho encontrado na periferia grandes leitores e produtores. Nunca escrevi para quem era da minha idade. O status quo permite que você seja noticiado neste momento. Agora, quando você não fala para a sua geração, você paga preços caros. Mas recebe coisas significantes. Quando uma menina de 18 anos lê meu livro, sei que este livro vai ter uma sobrevida de pelo menos 40 anos. E se continuar produzindo pelos próximos quarenta anos, ela vai continuar me lendo. Mas, se eu precisar da reverência de alguém de 60 anos, de 70 anos isso significa que vou morrer antes de mim mesmo. Eu e a literatura que escrevo. Então, nunca procurei uma interlocução desse modo.

OH – Julio, não dá para não falarmos, ainda mais com você, sobre as UPPs. Queria que você pontuasse sobre seu pensamento acerca do plano político-social das Unidades de Polícia Pacificadora.

J – As UPPs representam um conjunto mais amadurecido de vários planos de segurança traçados para a cidade do Rio. Em 1990, com o plano real, essa estabilização não acontece porque o governo a tira da cartola. Aquilo foi um plano resultante de 20 ou 30 anos, com desastres e acertos, de melhoramentos econômicos. E por conta disso, o Brasil vive 20 anos de estabilidade econômica. Mas, o que garantiu o plano real é que ele é resultado de uma série de outras iniciativas. Dentro do ponto de vista dos projetos sociais, estamos conseguindo dar uma dimensão maior a eles exatamente porque já tivemos muitos projetos experimentais, o que nos permite, nesse momento, a guarda do Estado. Nesses projetos e programas sociais precisam sair do campo experimental e entrar no campo da escala, no campo das políticas públicas. O que está acontecendo com as UPPs não é diferente. Não é o primeiro projeto de segurança pública que o Rio de Janeiro recebe. Aqui já teve Gpae, já teve policiamento comunitário, enfim, várias movimentações nesse sentido. A UPP é um aperfeiçoamento de propostas feitas pelo Luiz Eduardo Soares na época do governo Garotinho. Mas, o Luiz Eduardo não tinha uma coisa na época: apoio político decidido do governador e uma mídia convencida de que a questão central do Rio de Janeiro é a diminuição da violência nas favelas.

OH – Apoio do Governador. Você não acha que isso acirra a disputa do protagonismo do discurso do “foi eu que inventei” ou “ foi o PMDB que trouxe”?

J – Foi o PMDB que trouxe e foi o Cabral que trouxe. Não sou fã de carteirinha do Sérgio Cabral, muito menos do PMDB e acho, inclusive, que as UPPs não são suficientes e será necessário um projeto maior. Um dos problemas centrais das UPPs é que está em 20 favelas e, no programa do governo, ela chegará apenas em 50, se chegar. E essas favelas pacificadas estão em áreas de elite da cidade; toda a zona sul foi pacificada em nome de um projeto que chamaria de Principado de Mônaco Carioca. O grande sonho da zona sul carioca é colocar uma cancela no começo do Aterro que diga: só entra com passaporte. E este projeto está se consolidando no momento. Tudo isso vêm sendo discutido desde Carlos Lacerda. O grande sonho dele e da classe média lacerdista, moralista, católica é expulsar o pobre. Porque essa zona sul do Rio é muito bonita para que tenha tanto pobre. Acho que junto com as UPPs vai surgir um processo de especulação imobiliária gigantesco que expulsará o mais pobre sem a total necessidade de violência policial. Daqui a pouco vão oferecer 400 mil reais para o barraco do morador simplório do Cantagalo, que ele vai pegar aquele dinheiro e vai morar longe, exercer a vocação para a qual as populações pobres foram feitas: morar longe.

OH– E como a literatura entra nessas discussões vigentes?

J – Além de estar pensando muito sobre tudo isso durante anos, escrevi sobre e estou escrevendo um livro, não exatamente sobre UPPs, mas sobre a ascensão da classe C e a afirmação da favela dentro disso. Vai ficar nas favelas cariocas da zona sul aquele setor da população que ascendeu social junto com esse processo de políticas sociais do governo Lula.

OH – Qual o nome do livro novo?

J – “Psico”. De psicopata. Esse livro lançarei pela editora Faces.

OH – Da Bia?

J – Isso. É uma editora pequena de uma pessoa com muita coragem. Minha história fala de um menino negro que tem esse apelido. Em geral, nas relações de perigo, sempre quem salva é o rico. É o rico que trai e é o rico que salva a vida do pobre para se redimir da traição. Isso acontece muito fortemente em “O Caçador de Pipas”. No meu novo livro, “Psico”, inverti essa condição. Acho que fiz uma história muito forte. Não tenho heróis, não tenho bandidos no livro. No fundo, somos heróis e bandidos. Bons e maus. No fundo, somos ambíguos. E trabalho esta ambiguidade em sua radicalidade máxima.

OH – Sai quando o novo livro?

J – Quero muito que saia em março, dia 8, quando faço aniversário. Sou pisciano. É um livro que foi rejeitado por algumas editoras, mas que sempre soube que foi uma grande obra, porque tem toda uma leitura da favela que, acho, estou fazendo pela primeira vez. Sem arrogância, entende? A percepção dessa classe C é clara. É uma favela das lan houses, dos salões de beleza. É uma favela em que o personagem percorre quem tem dinheiro para pegar o dinheiro para pagar a propina da polícia. Pensei em chegar ao limiar da entrada das UPPs no meu novo livro, mas no momento em que o escrevi, isso não estava em pauta.

OH – Qual a sua expectativa para a Feira Literária das UPPs?

J – Cara, não vai existir Rio de Janeiro enquanto a cidade não estiver pacificada. Da mesma forma que era impossível estabilizar a economia. Se você conversasse com alguém seis meses antes do Plano Real, todos iriam se referir àquele plano como se hoje fala sobre a violência, que não tem jeito. Antes, se superestimava o poder das armas, dos bandidos. Engraçado, que da mesma forma ocorria com a economia. Quem é que apresentava a inflação como um mal maior e impossível de ser solucionado? Era exatamente quem se beneficiava da inflação. Quem apresentava a questão da violência no Rio de Janeiro como algo inquebrantável é diretamente quem se beneficia da violência. É quem tem os esquemas para a corrupção e com os bandidos. Não houve uma troca de tiros na tomada da Rocinha.

OH – Você acredita nisso?

J – Obviamente que foi feito um acordo. E assim, mesmo que exista acordo... na verdade, este acordo só foi feito por duas questões que são mais importantes do que o acordo; e aí vou falar da real politique. A primeira coisa: nenhum tráfico do Rio de Janeiro tem maior poder de fogo do que o Poder Central. E este só não resolveu isso antes por falta de interesse. Segunda coisa: mesmo que o tráfico continue existindo – e ele está existindo em todas as favelas do Rio de Janeiro, inclusive nas pacificadas – não existe mais o poder paralelo. Circulei favelas que o cenário era absolutamente assustador. O meu lado pernambucano é que me dava coragem para andar naquele horror. Hoje em dia você anda por qualquer favela quatro horas da manhã como se andasse em Botafogo. Não tenho que pedir mais licença a ninguém.

OH – E o nível de armamento da comunidade Koréia, no Jabour, zona oeste da cidade do Rio, por exemplo?

J – Aquele nível de armamento que continua lá você não tem mais hoje no Salgueiro que, antes, era um dos bastiões do Comando Vermelho. O próprio tráfico de drogas está com características do tráfico internacional, está em movimento, está na atividade de se esconder. Aqui na minha esquina, em Botafogo, eu sei que tem. Se a polícia chegar, o cara solta o flagrante e pronto. Não tem mais o ponto da esquina. O projeto da UPP não pode se resumir no que, atualmente, ele está se resumindo: a um projeto militar e nem ir para vinte ou trinta favelas.

OH – E, se me permite complementar, não pode sofrer fragilização após a saída do governo de Sergio Cabral Filho. Ou acha que isso não ocorreria após a saída do PMDB do executivo carioca?

J – Obviamente que o Beltrame (atual Secretário Estadual de Segurança do Rio de Janeiro) será o próximo candidato dele. Não há outro candidato com a mesma força de Lindberg para bater o Beltrame. Acho que, embora ele diga que não, ele será o candidato do PMDB. Mas, mesmo que dê Lindberg, qualquer que seja a pessoa e o partido que assuma no Rio, essa experiência das UPPs terá de ser aprofundada. Existem dois atores na cidade que nunca dialogaram e que precisam dialogar: a juventude e a polícia. Eles se odeiam! Um campo precisa ser criado para que eles caiam na porrada e para que depois se resolvam. Um dos projetos que temos da Flup, que é o Fluppense. Vamos colocar 15 policiais e 15 jovens escrevendo um livro juntos refletindo sobre a condição do policial e a condição do jovem na periferia. A gente está querendo que a primeira Flup revele autores que retratem esse embate entre a juventude e a polícia.

OH – Por que você não colocou também a política nessa dualidade juventude X polícia?

J- Porque a arena, embora seja comandada pelo Rei, por César (RISOS), a porrada é entre o leão e o gladiador. O embate real se dá entre jovens e policiais. São duas narrativas, principalmente a policial, que não são conhecidas. A gente vai atrás disso, vamos provocar e sensibilizar a ter esse discurso literário, estético. E pode surgir disso aí narrativas muito potentes.

OH – Você já me falou muito empolgado que você acredita no livro.

J – Lógico que eu acredito em livro. O livro me salvou.

OH – Te salvou do quê? Do maloqueiro?

J – (RISOS) Me salvou de ser um maloqueiro sem futuro. O livro é um passaporte para a inclusão social. Só vou acreditar no projeto da UPP na hora em que você tiver um livro na mão de cada um daqueles jovens. Essa é a grande diferença das classes no Brasil: a uma foi dada a oralidade; a outra foi dada a escrita.

OH – Nesse sentido, o esporte modifica menos que a literatura?

J – Óbvio que o esporte modifica menos! (RISOS) As grandes mudanças no mercado editorial brasileiro, assim como a ascensão da classe C no Brasil, se deram de um modo invisível e envolvendo a classe C. O mercado editorial brasileiro era paroquial, formado, dominado por quatro ou cinco famílias. Que não perceberam a importância chamado classe C, desse fenômeno chamado “geração ProUni”, são pessoas que não perceberam a complexidade do Pedro, por exemplo. A sua existência, Pedro Paulo Rosa, a facilidade com que você circula pela cidade, a fome de conhecimento que você tem não estava prevista por essas pessoas. O mercado brasileiro, inclusive principalmente o literário, só previa a existência e a participação das classes A e B. De repente, aparece um contingente de 40 milhões de pessoas dispostos a consumir tudo e a produzir, inclusive livro. Trabalho com jovens da periferia com textos belíssimos. Não me surpreende nenhum pouco a tua existência, Pedro, com a sua biografia. Conheço milhares de moleques com a tua biografia. O fenônomeno “Crepúsculo”, o fenômeno “ Harry Potter” existe porque o leitor da classe C o garante. Entende? O leitor tradicional de livraria da Travessa ou livraria Cultura, não daria suporte a números tão expressivos quanto os números recentes do mercado editorial. Eu trabalho em Nova Iguaçu, e na periferia de Nova Iguaçu; eu trabalho em Belford Roxo, e na periferia de Belford Roxo. Trabalho no Complexo do Alemão. Ontem à noite, apesar da minha dor lombar, estava na Cidade de Deus, num sarau literário. E em todos esses lugares estão surgindo leitores e produtores de textos. Tudo o que a periferia procura, o tempo inteiro, é se diferenciar. Ela quer produtos de qualidade, serviços também de qualidade. E existe toda uma indústria se preparando para essa periferia. Só que agora, para consolidar essa diferenciação, você precisa do livro.

OH – Essa diferenciação não seria a mesma? Todo mundo não quer a Ferrari?

J – Ferrari todo mundo quer. Quando fui fazer o livro do tráfico de órgãos e circulei o Recife profundo em sua periferia, o personagem na hora me decodificou. Quando me olhou, viu meu celular vagabundo, falou logo: “eu sei que não to ao lado do Pedro Bial”. E não só porque não sou famoso. Porque existe muita gente que não é famosa, mas que chega lá com um celular que o distingue socialmente. Entende? E eles têm uma percepção muito clara do que é um bom celular, tanto é que eles fazem loucura para ter um bom celular e um bom tênis. Trocam a vida por isso ou vendem seus órgãos. A gente vive num mundo em que as camadas populares, principalmente no que diz respeito ao consumo, estão mais bem informadas. Tem TV para isso. Mas, esses jovens também estão percebendo que todas as coisas, esses produtos não são a maneira de eles conseguirem a verdadeira ascensão social. A verdadeira diferenciação. O Brasil está descobrindo uma coisa extremamente diferente para a sua estética. Tanto ou mais do que o Woodstock. O que foi o Woodstock? Foi uma expressão jovem de um público desconhecido. É resultado de um período de dez anos de desenvolvimento econômico e social que incluiu um largo setor da população no consumo. Quando você inclui esse cara, ele também produz discursos e narrativas. E aí você tem o movimento punk, o movimento hippie. São jovens que, assim como os da juventude periférica brasileira, não se identificam com a biografia dos seus pais. Estamos vivendo isso ao vivo e a cores. A juventude está produzindo um novo discurso.

As crianças e Julio Ludemir autografando seus livros. fonte: arquivo pessoal.

OH – Qual novo discurso?

J – Eu fui criado em Olinda. Não havia a menor possibilidade de ser viado, bissexual. Hoje você vai à periferia e temos uma juventude claramente bissexual, dizendo isso a seus pais conservadores, evangélicos, moralistas. Está havendo um conflito geracional na periferia que está mudando a subjetividade do jovem pela primeira vez na periferia brasileira.

OH – Quem traz isso?

J – A informação, o livro. O livro aparece para informar e registrar essa novidade social surpreendente! Entende? Não existia juventude para o morro. Juventude era um privilégio às elites. Ser flagrado fumando maconha; ser flagrado trepando com a namorada na cama dos pais era para as classes A e B do Brasil.

OH – Não era uma cena que lhes pertencia.

J – Sim. Com 16 anos eles entravam no mundo do trabalho. Era uma linha direta ao mundo do trabalho! Juventude e tudo o que a juventude permite está sendo concedido à periferia. Quer dizer, óbvio que você vai criar um mundo novo. Por exemplo, é muito importante que a gente faça esporte. Recomendo do meu avô ao meu filho. Mas, quando você oferece para a população, como possibilidade de ascensão social, uma carreira esportiva, isso vira claramente um projeto de classes. Você estará desconfiado do potencial da sua população. Não é pra dar livro pra esse cara porque ele não sabe o que fazer com livro. Então, vamos construir quadras e mais quadras “para o macaco correr”! O que muda um país, de verdade, que permite que um país tenha um projeto de país, é o livro, bicho! É a educação! Essa que é a grande diferença. Eu não acredito, no fundo, na ascensão do Ronaldinho. É um brilho vazio, estéril que tá nessa idiotice dele de achar que maravilhoso é estar fodendo com várias mulheres ao mesmo tempo. Você tá entendendo? É isso que o esporte dá. Quando você acha que o único caminho de uma população se mover socialmente é o esporte, você está claramente dizendo que não acredita no seu povo. Por exemplo, há um grande incômodo com o imenso número de carros. Gente, o Brasil não foi traçado para que muitos tivessem carros. Só a classe média. As ruas não comportam, a cidade foi projetada para poucos terem conforto. Sempre que a larga escala de população é submetida a um plano de inclusão no processo econômico-social, tudo parece virar um caos. Esta elite sempre excludente, sempre reacionária, sempre fascista reconhece na hora quando o cara de Acari vai ao shopping Rio Sul. E ele é enquadrado, discriminado, mesmo com esses generosos projetos de governo! E a classe média está reagindo a isso com raiva. Como eu disse, as ruas do Rio e do Brasil foram projetadas para a classe média. Quando que o plano de saúde seria para todos? Sabe, isso significa que o dermatologista da minha mulher e da minha filha também está atendendo a filha da minha empregada que tem um emprego como balconista. Entende? E quando essas classes se encontram no consultório há um desconforto da classe média. Essa coisa da inclusão está tão fora dos paradigmas brasileiros que, quando você falava em projeto de inclusão, todos associavam a processos inflacionários.

OH- Não basta sermos sexta economia do mundo...

J – Pô, a gente precisa ser é o sexto país do mundo. Não basta pacificar a Rocinha, você tem que modificar aquilo. Continuamos a ser um país muito desigual, injusto e preconceituoso. Agora, sem uma economia pujante que inclua essas massas no consumo e na produção e principalmente esse grande e fundamental ator chamado juventude de periferia, fica complicado.

OH – É um novo ator mesmo.

J – Porra, não existia isso mesmo. A palavra “juventude” não existia no vocabulário pós Tijuca (bairro da zona norte do Rio de Janeiro).

OH – O que você pensa da linguagem que a Regina Casé vem construindo acerca da periferia na televisão?

J – Acho que a Regina Casé vai substituir o Faustão brevemente. Está caminhando para isso, e está afirmando uma estética. Se a Globo não perceber, alguém vai. O Faustão inovou, mas já saturou. Da mesma maneira que o Faustão se ajustou, ela já está se ajustando a algumas normas da TV brasileira. Eu posso usar, Pedro, você o tempo inteiro como o meu exemplo. Essa juventude foi prevista para que alguém tomasse conta dela. Seja a igreja, seja o tráfico, seja... tem sempre alguém que a oriente. Alguém que esteja puxando o carro. Cada vez mais me surpreendo. Quando lido com projetos de comunicação como os que trabalho, encontrei dificuldade para discutir a estética do “nem”, do funk. Ali, no programa da Regina, não cabe você por exemplo. Ou uma menina chamada Jéssica, que entrou na universidade sem cota. O próprio menino do passinho está reinventando o funk por dentro. Ele reinventou num protagonismo que surpreendeu todo mundo. Ele deserotizou a dança. Vou insistir o que falei aqui ao longo desse papo todo: esse devir jovem, a afirmação dessa novidade sócio-econômico, cultural obviamente vai acontecer. Quando a menina católica se apropria do funk, vai colocar essas expressões que ela rejeitava num outro nível. Talvez no seu nível. E preciso entrar em contato com as suas origens e redimensioná-la. O melhor samba talvez, seja feito por aquela pessoa que tenha negado o samba e depois se aproximado. Talvez o melhor funk venha a ser feito por aquela pessoa que mais rejeitou o funk por querer se diferenciar dele. Na hora em que ele vai dançar a bundinha, ele vai dançar diferente. Mas, se sabe como dança com a bundinha. São coisas muito loucas que vêm acontecendo na cidade: por exemplo, o branqueamento do funk. Festas como “ A favorita”. Está havendo privatização do funk pelas classes-médias. Em algum momento essa apropriação irá voltar como estética. No Cd novo da Gal Costa há duas faixas que remetem ao funk. Você vai ter um funk classe média e um funk popular que escuta o classe média.

OH – Talvez, assim, o funk seja encarado e respeitado como hoje é o samba e a MPB.

J – Exatamente. O funk da APAFUNK, por exemplo, é chamado de funk de mesa, que resgata os primeiros grandes letristas do funk. Quando o Mc Leonardo passou cinco anos fora do mercado, se “fodeu” e foi dirigir táxi. Quando voltou, só se cantava “buceta” e créu. Nesse momento, o funk precisa se redesenhar porque a privatização está encarecendo o baile. Ou vai virar um baile só de playboy, onde só entra quem tem R$50 reais. Ou, o baile vai se redesenhar. Surgirá e está surgindo uma dança muito mais complexa. É uma dança que está menos masculina, com menos “piroca”. Antes, era uma dança muito de pau.

OH – Quer destacar algum novo projeto seu?

J – Estou animado com o meu novo livro, “Psico”, pela editora Faces. E estarei empenhado com o projeto da Fluppense. Gostaria muito também de promover oficinas de rima para a galera também fazer funk diferente. E, para quem quer escrever, escreva querendo agradar a você. Tire todos os idiotas do seu ombro. Leia tudo e escreva. Tudo é importante de ser lido. Leia Dostoiévski e o jornal da manhã. Hoje você pode bombar sem o mini stream. E, se tiver consistência, você se mantém no mini stream. Eu, por exemplo, vi essa turma do stand up comedy começando a bombar aqui no Rio num teatrinho em Botafogo com 20 lugares. Tudo um dia já foi alternativo. Um dia o besteirol foi alternativo. A tendência é que você seja mini stream. Por exemplo, não sei qual é a consistência que o Michel Teló terá no próximo dele. Se não for consistente, será expelido. O bacana de agora é que as maneiras de produção de interesse foram revolucionadas. O cara não precisa mais agradar à família Marinho ou Mesquita para aparecer. Ele pode se pautar.

NOSSA VIDA É NOSSA PRIMEIRA FICÇÃO

2011-12-19T21:57:00.000-08:00

Por Pedro Paulo Rosa

Foto: Lilo Clareto

Revisão textual: Paulo Cappelli

Eliane Brum, jornalista, escritora e documentarista, é a convidada d’ O Hélio. Dentre os mais de 40 prêmios nacionais e internacionais recebidos pela sua carreira desenvolvida na estrada do jornalismo e da literatura da notícia, aqui vamos ficar com o seu lado romancista.

“Uma Duas”, romance de estreia de Eliane, é a sua primeira obra ficcional, publicada neste ano. Com uma maneira direta de colocar a emoção dentro das letras, a palavra que salta mais alto durante a leitura de “Uma Duas” é o desespero do novo, do medo de lidar com o incerto, como mesmo diz o livro, a vida tem grandes chances de se tornar um grande mal entendido. Uma filha tentando ser mulher, e uma mulher não querendo parar de ser mãe. A ponte que as separa e interliga é belamente construída pela sensibilidade de Eliane Brum.

O HÉLIO: Qual o primeiro contato de Eliane com a literatura?

ELIANE BRUM: Acho que o meu primeiro contato com a literatura foi por inveja. Eu nasci meio temporona e meus pais e meus dois irmãos já liam. E liam muito. E, enquanto eles liam, a minha vida – a vida de quem não lê – era muito árida. Lembro deste sentimento de estar fora do mundo, porque não tinha acesso aos livros. Quando aprendi a ler, a vida se tornou possível. Eu passei a habitar a literatura, mais do que o mundo real. E então pude ser outras, viver outras vidas e existir em outras paisagens.

O.H.: O lugar de origem, Ijuí, te influenciou de alguma maneira em suas produções?

ELIANE: Sim, Ijuí até hoje é o lugar onde testemunhei e ouvi as melhores histórias de toda a minha vida. Gabriel Gárcia Márquez deve ter passado por Ijuí em algum momento para escrever Cem Anos de Solidão (risos). Um dia ainda vou contar as histórias reais de Ijuí e todos vão pensar que é ficção.

O.H.: O Jornalismo foi mais uma escolha e um esforço ou uma consequência natural oriunda de práticas?

ELIANE: O jornalismo entrou na minha vida um pouco por acaso, muito por sorte. Eu fui me inscrever para Informática no vestibular e alguém mais inteligente que eu, mas que morava dentro de mim, assinalou Jornalismo. Até bem perto de me formar tinha certeza de que não servia para ser repórter. Era muito tímida e não tinha vontade de escrever histórias sobre homens que mordem cachorros. Então, conheci um professor, Marques Leonam, que me disse que era possível escrever sobre as pessoas comuns, a vida que se repete. Eu fiz uma reportagem para a disciplina deste professor no último semestre da faculdade, sobre as filas que todos nós entramos desde que nascemos até morrermos; esta reportagem ganhou um prêmio num concurso entre universidades da região sul do país; o prêmio era um estágio na Zero Hora de Porto Alegre; e lá eu fiquei 11 anos, descobri que ser repórter é a melhor profissão do mundo e a primeira história que reescrevi foi a da minha própria vida.

O.H.: Quando que a Eliane escritora despertou para si mesma?

ELIANE: Eu sempre escrevi com os olhos e os ouvidos, mesmo antes de ser alfabetizada. Desde pequena gosto de olhar e de escutar. E desde pequena percebi que o mundo era desigual e doía por causa disso. A escrita para mim é uma maneira de dar sentido ao caos da vida, que não tem sentido algum exceto o que a gente inventa para ela. Nossa vida é nossa primeira ficção.

O.H.: No caso do seu esperado primeiro romance, a temática da mãe e da maternidade; bem como a relação aflitiva e ansiosa entre a filha e as várias representações que fazia da mãe nortearam um livro psicológico, denso e extremamente belo no conjunto de imagens que a narrativa propõe. Por que estrear falando de mãe, falando de morte?

ELIANE: A necessidade de escrever ficção ficou clara para mim depois de trabalhar por dois anos com a questão da morte na reportagem. Não a morte violenta, amplamente coberta pela imprensa, mas a morte que a maioria de nós terá, por doença e por velhice, e por ser a morte da maioria é tão calada na nossa época. Esse profundo confronto com a morte fez transbordar um não-contado em mim que veio de toda a minha vida, de todas as histórias que eu escutei, vivi, senti, percorri. Percebi ali que há certas realidades que só a ficção suporta. E para dar conta delas, antes que dessem cabo de mim, precisei criar uma voz na ficção. O tema do relacionamento entre uma mãe e uma filha se impôs para mim, de dentro para fora. Escrevi sobre um tema universal e crucial para as mulheres: como uma filha se arranca do corpo da mãe. O José Castello, que fez a primeira crítica do livro no Prosa & Verso, de O Globo, deu um título muito preciso a seu artigo: “Eliane no útero”. Acho que é simbólico que minha primeira ficção seja sobre este arrancar-se do útero.

Capa do livro " Uma Duas"

O.H.: Onde tem marcas pessoais suas ali naquela personagem ou o livro não possui nada de autobiográfico?

ELIANE: Eu sou filha e também sou mãe. Meu romance não é sobre minha relação com minha mãe – nem sobre minha relação com minha filha. Neste sentido, não tem nada de autobiográfico. Mas é claro que tem ecos de todas as experiências que vivi, testemunhei ou escutei em uma trajetória de quase 24 anos como contadora de histórias reais. Eu sou uma olhadeira e uma escutadeira da vida. Meu romance contém essa trajetória.

O.H.: Que leituras, autores têm te acompanhado durante a vida, especificamente, no atual momento?

ELIANE: Eu sou uma leitora obsessiva. Mas também sou uma leitora que só leio por prazer. A leitura para mim é algo tão nobre que não concebo ler por obrigação. Não tenho nenhum prurido de dizer que leio best-sellers quando estou massacrada pelo cotidiano e preciso apenas sair de mim por algumas horas. Mas os escritores que me marcaram e que me acompanham pela vida são aqueles que me transtornaram. E eu tenho fases. Quando gosto de um autor, leio tudo dele. Foi assim com Balzac, Dostoievski e Tolstoi, com Thomas Mann, com Tanizaki, com Jack London, com Raymond Chandler e David Goodis, com Edgar Alan Poe e Lovecraft, com Érico Veríssimo e Jorge Amado, com Gabriel Gárcia Márquez e Mário Vargas Llosa, só para citar alguns. E, antes deles todos, com Monteiro Lobato e até mesmo com José de Alencar. Hoje, estou tentando conhecer melhor a literatura brasileira e portuguesa contemporânea, autores como Luiz Ruffato, Cristóvão Tezza, Gonçalo Tavares e o prório José Castello, que lançou um primeiro romance lindo. Mas, os autores que espero com mais ansiedade hoje são Ian McEwan, Coetzee e especialmente Philip Roth.

O.H.: Como avalia os desafios que uma pessoa que deseja se aventurar a escrever uma obra literária precisa ter? Foi fácil o processo de escrita, como é que é esse caminhar?

ELIANE: Escrever não é fácil, como quase nada é. É um ato de entrega absoluta – e se entregar não é uma escolha fácil nem sem alto custo pessoal. É preciso estar disposto a mergulhar nos abismos interiores, lá onde moram os peixes cegos, e conseguir voltar de lá. Pelo menos esta é a minha experiência. Enquanto escrevi meu romance, vivi nos subterrâneos de mim e encenei a vida de todo dia. Foi brutal.

O.H.: De que maneira a Eliane Brum enxerga a literatura digital e a tão falada possibilidade do livro formal, impresso, "morrer" ?

ELIANE: Eu adoro cheirar livros, apalpar, acariciar... Mas acho que estou adorando mais ainda carregar um montão de e-books sem nenhum peso físico no meu Ipad, dentro da minha bolsa. Não faço o tipo nostálgico e acho todas essas novas possibilidades excitantes e maravilhosas. Nosso mundo está bem novidadeiro e fico feliz de estar viva para participar disso. A literatura continua no mesmo lugar, é só o livro que muda. Não acho que isso altere a experiência de ler a ponto de alterar a experiência literária. O que altera profundamente – e deve alterar mais ainda – é o modelo de negócio editorial.

O.H.: Acredita que a leitura, a literatura transforme o social de maneira mais efetiva que o esporte?

ELIANE: Nunca pensei em comparar literatura com esporte. Acho que são coisas bem diferentes. Não sei falar do esporte, porque ele não tem um lugar importante na minha vida. Faço Pilates para manter minhas quatro hérnias na coluna vertebral em forma e todo ano prometo que vou fazer mais, mas é só. Sei que pode ser muito transformador para muita gente, mas não conheço o suficiente para falar a respeito. E palpite anda sobrando no mundo. Já a literatura e também a reportagem tenho certeza de que são altamente transformadoras, porque esta é a experiência de mediação com o mundo da qual posso falar com alguma propriedade, não só como escritora, mas principalmente como leitora. Rogério Pereira, editor do Rascunho, e o escritor Luiz Ruffato, inclusive, brincam com a ideia de criar a “Igreja do Livro Transformador”. Basta participar dos saraus de poesia da periferia de São Paulo para ter certeza de que a literatura transforma a vida e abala as relações de poder estabelecidas.

O.H.: Quais as perspectivas para o brasileiro se tornar um leitor pleno?

Educação de qualidade, coisa que nunca, mas nunca mesmo, foi prioridade neste país. Em nenhum governo, em nenhum nível (federal, estadual e municipal). E também não no governo Dilma, como não foi no de Lula e também não foi no de FHC, só para ficar nos governos mais recentes. Em São Paulo, por exemplo, acho que o PSDB deveria ter vergonha de estar há tanto tempo governando o estado mais rico do país e manter uma educação de péssima qualidade. É preciso fazer muito mais do que se faz. E acho que não fazer é criminoso. A boa notícia é que os moradores das periferias, aqueles que frequentam a escola pública e dependem dela, estão começando a fazer por si mesmos. Mas não podem fazer sozinhos. É preciso que o Estado faça – e faça agora – a sua parte. E que a gente pare de votar em quem não faz – e passe a responsabilizar quem não faz. É só pela educação que se qualifica o desejo de um povo. Se a educação fosse melhor neste país, nós teríamos uma literatura escrita muito mais interessante, porque já estive muitas e muitas vezes diante de analfabetos que faziam literatura pela boca. O brasileiro tem uma linguagem sofisticada, riquíssima, cheia de achados, mas, infelizmente, boa parte é analfabeto ou semianalfabeto, mesmo frequentando a escola, e por isso fica apartado do mundo da palavra escrita.

O.H.: Dicas a jovens que sonham em publicar seus primeiros livros. É, de fato, para poucos?

ELIANE: É para quem quer muito. E eu acho que poucos querem muito. Se você quer escrever um livro, você escreve. E, hoje, a internet está aí para “publicá-lo”, se for recusado pelas editoras. E há novas formas de financiamento para projetos de todos os tipos. Mas o desafio é o mesmo de sempre: escrever um livro com qualidade suficiente para que as pessoas queiram lê-lo.

O.H.: A distribuição cultural no Brasil, principalmente via os preços dos livros ainda altos, é desigual. Isso te incomoda de alguma maneira?

ELIANE: Em todos os meus livros, fazer um livro barato é sempre um dos temas centrais da minha negociação com as editoras, assim como lançá-los na periferia com desconto. Por enquanto, tenho conseguido fazer isso na Cooperifa, sarau da Zona Sul de São Paulo. Os livros são muito, muito caros. Mas os livros digitais e a internet já começam a mudar isso.

O.H.: Como conceituaria o jornalismo que pratica?

ELIANE: Como jornalismo.

O.H.: Qual o pensamento que está lhe acompanhando neste momento?

ELIANE: Se estou sendo honesta com o meu desejo e com a minha busca.

O.H.: Durante uma vida experiente e tão diversa em atividades, poderia sublinhar fases de maior dúvida na sua vida? Dúvidas que nos movimentam.

ELIANE: Eu sempre estou duvidando, de tudo e especialmente de mim mesma. É a dúvida que nos move. Fujo de gente com muitas certezas. Especialmente se forem repórteres.

O.H.: O livro "Uma Duas", classificado como um romance, é a história de amor e temor entre uma mãe e uma filha? Qual é o saldo que tira da obra estreante?

ELIANE: Escrevi o que queria escrever. Acho isso muito grande. Agora é com os leitores, já saiu do meu controle.

O.H.: Expectativas: novo livro chega quando?

ELIANE: Não sei. Agora preciso passar um tempo no vazio, para elaborar tudo o que vivi nestes últimos anos, dar um lugar para algumas coisas que permanecem fora de lugar, desacomodar outras que ocupam um lugar que não lhes pertence. É hora de me reinventar de novo.

GEORGE ISRAEL - o lado compositor do saxofonista do Kid Abelha

2011-10-18T20:13:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: Luana Dias
Revisão textual: Paulo Cappelli

George Israel fala sobre sua carreira solo e sublinha nessa entrevista ao O Hélio o seu lado compositor, autoral. Suas opiniões acerca da produção musical contemporânea mostram um discernimento de quem está experiente nessa larga estrada da arte. Com humildade e vigoroso talento, esse músico traz nuances pouco conhecidas de sua carreira.

O HÉLIO: Explica como nasceu a ideia do projeto 13 parceriais com Cazuza.

GEORGE ISRAEL: Teve um evento em homenagem ao Cazuza e me chamaram para participar. E eu nem sabia o número exatos de canções que eu tinha com o Cazuza. Quando eu fui ver, tinham várias músicas que eu nem lembrava. E aí comecei a rever as músicas, escutar, pegar no violão. Me concentrar, recordar das letras. E fui vendo quanta coisa bacana que estava engavetada, estava solta. De repente, me deu essa vontade de fazer, de naturalmente construir o projeto. Me deu esse estalo, porque a maioria das pessoas não sabia que eu tinha tantas músicas com Cazuza. Algumas canções até inéditas. Muito legal fazer esse mergulho.

O.H.: E como é gravar um disco solo?

GEORGE: Eu já tinha gravado outros dois discos solo e não pensava em fazer outro. Na verdade, você coloca muita energia para construir um disco. Colocar músicas novas. É legal você formar um repertório, mas cansa. Quando apareceu essa ideia das parcerias com Cazuza, eu quis topar e fiz.

O.H.: Se é que dá para ressaltar, o que te marcou mais compondo com Cazuza?

GEORGE: Cara, é uma coisa que foi crescendo. Com esse disco, meio que eu tomei posse dessas músicas. De uma certa forma, não eram músicas que eu usava muito. Até por conta do Kid Abelha mesmo. No nosso CD acústico, gravamos “Brasil”. Depois disso, percebi que as músicas com o Cazuza têm uma força. Frequentei muitos lugares de poesia e neles vi como a minha poesia e a de Cazuza tomavam uma outra dimensão. Comecei a perceber que era um parceiro importante dele e não estava tomando isso para mim, não me via dessa forma. Foi muito boa a aproximação com a Lucinha e com o João (pais de Cazuza). Eles foram muito legais comigo. Sempre me valorizaram muito como parceiro e músico. Fiquei feliz porque você se associar a alguém com essa validade literária e com essa força que tem a poesia e a força dele é muito bacana.

O.H.: Por que você escolheu o sax?

GEORGE: Cara, não sei se escolhi. Meu lance era compor, tocar violão. Mas, tinha esse lado de jazz, de bossa nova, de música negra. Que são coisas que usam muito sax. Não era um cara que achava que tinha uma musicalidade especial, que era virtuoso em um instrumento. Esse instrumento me veio como uma ferramenta dentro de uma onda de tocar com outras pessoas. O que eu curtia era cantar com outras pessoas. Escolher o sax foi um acaso: estava fora do Brasil, em Israel, Europa, Estados Unidos e não estava com violão. Ouvi uma banda tocando num porão na Alemanha e um dos músicos tocava saxofone. E aí... é um instrumento sedutor, mágico! (RISOS) Curto muito isso. Caixinha de veludo e tal. Aí rolou uma circunstância, uma proximidade. Comecei a tocar sax uns quinze dias depois. Não foi difícil, e com a cabeça de arranjador que tenho isso me facilitou. Com isso, fui direto tocar nas bandas que eu já tinha. A galera ficou amarradaça e eu curti bastante. Porque sax traz um colorido bem gostoso.

O.H.: Como nasceu o nome Kid Abelha?

GEORGE: Foi batizado na rádio Fluminense, ao vivo. O programador nos ouviu na hora e não tinha ideia do nome da gente. E a gente era isso mesmo, sem nome, independentes. No Rio estava rolando o Circo Voador bombando. Quando fomos ver, gravamos CD. Chamamos atenção do pessoal da Warner, o Lulu Santos e o Liminha ouviram. O “ Pintura Íntima” nasceu e bombou mesmo.

O.H.: Analisando o rock que você viveu e produziu com o rock de agora, como é que você tangencia essas mudanças? Você acha que o rock dos anos 80 constatava mais do que o rock atual? Me fala da sua visão enquanto profissional da música.

Eu acho que o rock de hoje é um rock de mercado. É uma música que é só uma roupagem de som. Não tem muita distância em termos de... (suspiros) Acredito que todos que tocam curtem a música. Por isso, respeito. Mas, está muito de mercado. Ser comercial não tem o menor problema. Podemos ser comerciais e termos a melhor qualidade. Por exemplo, o Kid Abelha, por ser pop, foi muito criticado. As pessoas achavam que a gravadora impunha que a gente fosse pop. E não foi nada disso. A gente nunca premeditou. As pessoas não entendiam que o ritmo nascia naturalmente. O Kid é bem peculiar. Sinceramente, assim, no mercado a pessoa tem um faro. Como criador, você pode fazer várias coisas. Mas, quando você está começando, tem que conseguir achar as lacunas do que nunca foi produzido. E o Kid achou esse buraco, essa lacuna onde a gente conseguiu criar algo nosso, com nossa linguagem musical. Hoje, essa diversidade deve continuar existir, mas o que eu escuto de rádio atualmente não me emociona. Sinceramente. Tem coisas ótimas em bandas desconhecidas. Mas, naquilo em que o mercado acredita, não me emociona. Nós temos ciclos. Agora, é o sertanejo. Amanhã, será outra coisa, sabe? Mas, tem outras pessoas tocando, fazendo música. Olha o Fred ( Fred Israel, filho de George, que assiste à entrevista ao lado da namorada) tem uma banda. Acho o seguinte, o rock tem uma coisa que o Blues e o Jazz também tem: é um estado de espírito. É uma onda de som. Pode entrar ou sair moda, que essa onda fica. Quem vai para o lado da música, vive isso de uma certa forma. É uma linguagem de expressão. Agora, daí, você conseguir fazer um trabalho autoral e interessante e ainda conseguir furar o mercado são outros quinhentos. Uma vez fui júri e notei muita gente boa fazendo som excelente. Sempre aparece coisa nova boa.

O.H.: Por exemplo?

GEORGE: O Los Hermanos. Veio depois de nós. E é uma banda que tem um jeito de compor diferente, o approach é outro. É rock brasileiro mesmo. Demorei um tempo para entender, mas depois fiquei amarradão. Eles são misturados. E muito bons. 80 foi muito peculiar.

O.H.: Você, atualmente, então, está conciliando carreira solo com o Kid Abelha?

GEORGE: Sim. Com essa coisa de banda, é mais difícil. Gostaria muito de fazer show todo dia com banda e tal. Mas é impossível. Você vai fazendo tudo. E agora voltou o Kid também depois de três anos. Vi que dá para fazer as minhas coisas.

Com visão ampla e reflexiva sobre a música, George Israel transita bem entre os meios alternativos e de grande mídia da música brasileira, mostrando o quanto o rock pulsa como "onda" em sua vida.

MÚSICA NÃO TEM NACIONALIDADE NEM SEGMENTAÇÃO SOCIAL

2011-09-27T20:24:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Revisão textual: Paulo Cappelli

ANA CRISTINA é puro pulsar de leveza e soltura. Carioca da Gávea, ela escolhe a bossa nova para lançar seu primeiro CD, " Acaso ".O instinto para música começou desde cedo. Aos seis anos de idade, tocou no piano de 10 teclas que ficava esquecido na casa de sua mãe. Seu primeiro trabalho carrega a experiente parceria de Roberto Menescal.

Foto: Paula Monte

De tonalidade poética forte, a música de Ana Cristina nos faz lembrar do simples. Permite um silêncio gostoso daqueles que só querem amar e aproveitar da vida as cores mais alegres e doces. A pessoalidade bem como a capacidade de melodiar letras no piano é ricamente executada ao longo de todas as faixas do CD, em destaque para " Querida " e " Flerte carioca ". De fala mansa, mas olhar maduro e firme, a cantora quer ganhar o Brasil com o seu amor pelo Rio de Janeiro e sua entrega total à música - a ponto de não exercer mais a primeira profissão, economia.

Num sábado à tarde e nublado, conversamos no café cultural Lunáticos, no Jardim Botânico, Rio.

Ana Cristina: Não era uma criança interessada em boneca. Isso com cinco, seis anos de idade. Sempre quis música. E não venho de uma família de músicos. Minha mãe é médica, escutava muito vinil. Meu avô cantarola Ataulfo Alves. Quem tomava conta de mim quando minha mãe estava de plantão eram meus avós; e então ali tomava bastante contato com a música. Certa vez, numa missa, eu ouvi uma canção chamada O importante é a rosa e anos mais tarde vim descobrir que é uma versão francesa. Toquei essa música em casa aos seis anos. (RISOS) A partir daí, minha mãe resolveu me colocar para estudar. E me deu um piano de presente!

O HÉLIO: Sua composição se tangencia em quê?

Ana: Minha composição vive muito em função do que eu vivo, daquilo que eu acredito. Do caminhar, do chopp na praia... (suspiros). Reencontrar pessoas, sabe? Essa coisa à vontade que nós cariocas temos.

O.H.: O disco tem uma temática forte da saudade, né?

Ana: É, o disco sou eu... Meu processo de composição começou aos dezesseis anos por meio de poesia. E logo comecei a musicá-las. E é complicado encaixar melodia com letra. Inicialmente foi assim, criando poesias e musicando. Sempre no ambiente do meu quarto, sem mostrar para ninguém. A música para mim sempre foi algo muito pessoal.

Foto: Marcelo Correa

O.H.: Tinha vergonha de mostrar para alguém?

Ana: Claro! (RISOS) Minha música é minha verdade. Isso é uma coisa muito pessoal, expôr sentimentos. Tanto bons quanto ruins. Tem que ser muito corajoso para falar o que você sente.

O.H.: Lançar um disco é abrir o peito. Quando você quis isso e por quê?

Ana: Bem, entrei para faculdade de economia. Mas, antes, tenho que sublinhar meu contato com a música. Estudei no colégio Pedro II e lá fui muito estimulada na música, no piano e tudo mais. Depois, acabei não dando seguimento de cara a uma faculdade de música porque, como a gente já sabe, a carreira de um músico no Brasil é muito complicado. Minha mãe sempre enxergou a música como parte da educação, mas não como uma profissão. Claro, hoje ela está muito feliz pelo lançamento do disco pela Biscoito Fino, mas ela se lamenta por eu não seguir a carreira de economista (RISOS). Muito em função dessas dúvidas, sempre gostei muito de exatas, e escolhi economia. Mas, não me aguentei! No primeiro ano de economia, fui lá e fiz a prova para música na UNIRIO e entrei! Tudo isso em silêncio, não contei nada para ninguém. Mas, ficou difícil de conciliar as duas, fiquei só na economia.

O.H.: E como o palco entrou na sua vida?

Ana: Pois é, (RISOS), mesmo não terminando lá na UNIRIO, comecei a fazer aula de canto e dois meses depois estava em cima de um palco!

O.H.: Como é que saiu essa timidez?

Ana: Em 2003, subi ao palco para cantar duas músicas, uma delas, minha, o "Flerte carioca". Isso no teatro de arena, em Copacabana. Lembro que eu fechei os olhos e fui! Saí da timidez de fazer música dentro do quarto e cantei para todo mundo os meus sentimentos mais profundos em cima de um palco. Aquilo para mim foi uma explosão! Eu tinha um medo de me sentir ridícula! O mais impressionante foi a reação das pessoas me escutando, super positiva. Ali, eu percebi que a música era para mim.

O.H.: Como se deu o encontro com o Roberto Menescal?

Ana: Então, meses mais tarde eu o conheci. Ele estava selecionando meninas para o vocal. Fui fazer testes no estúdio dele, que fica na Barrinha. E fui selecionada. A experiência foi e é maravilhosa. Pude fazer diferentes trabalhos junto com o Menescal. E para mim ele é um ídolo, uma referência da vida inteira. Cantar com ele é muito mágico.

Ana Cristina e Roberto Menescal. Foto: Paula Monte

O.H.: Como você sente o público do Rio de Janeiro, hoje, com relação à bossa nova?

Ana: Bem, existe sim uma demanda para bossa nova no Rio. Mas, nos últimos anos, o Rio passou a ganhar muitos espaços para o samba. Eu adoro samba, só que eu sinto que existe um público de bossa nova, mas há poucos espaços. Cheguei a frequentar os finais dos tempos do Mistura Fina, Jazz Mania, Modern Sound. Daí, a Lapa começou a crescer muito junto com o samba e essas casas foram fechado. Acho que isso tem de ser equilibrado. O mercado asiático e europeu adoram bossa nova e aqui no Rio, pelo menos a nova geração, parece não ter tanta oportunidade ou acesso para ouvir bossa nova mesmo em suas múltiplas faces. Sabe, Pedro, escutei de tudo, minhas referências são várias: Commodores, Tom Jobim, Dick Farney, Elton John...mas, certamente, minha preferência é a Bossa Nova.

O.H.: Você concorda com algumas vozes que dizem ser elitista a bossa nova?

Ana: Eu não concordo. Pelo contrário, a falta de espaço é que impossibilita as pessoas de conhecerem. Como eu disse, existe uma geração que não tem conhecimento profundo desse gênero musical. Quando perguntam, só conhecem " Garota de Ipanema ". O mercado ficou restrito à samba e sertanejo. Aí, o que está mais segmentado acaba parecendo elitista. Com mais acesso, nada é elitista. Com música não se faz essa distinção por classe. Acho que a questão é o acesso. Música é música, música emociona, sensibiliza, causa sensações. É tudo uma questão de acessibilidade. Não gosto de definir.

O.H.: Quando você fala que música é sua verdade, qual é a sua verdade?

Ana: (RISOS) Olha, eu sou muito mais inspiração do que transpiração. É claro que paro, sento, estudo. Mas, sou uma pessoa que gosto de escrever o que sinto. Procuro primeiro fazer a música e depois vejo o que aquela música me explora de sensação. É de leveza? É de raiva? Minha relação com a composição é sensorial. Busco uma verdade que não vem depois da letra. Vem pela melodia.

O.H.: Isso pelo piano?

Ana: Sim, no piano. Não toco outros instrumentos.

O.H.: Me conta um pouco a luta para lançar o primeiro disco. Está tentando desde 2007. Não é isso?

Ana: Sim... toquei muito em hotel, em barzinho. Comecei a fazer pequenos shows também. As pessoas vinham no camarim e me pediam material. Quer dizer, perdi muitas oportunidades na época por não ter um material para mostrar. Então, decidi fazer. Ver uma pessoa sensibilizada por algo que você fez não tem preço!

O.H.: Por que um disco todo acústico?

Ana: Pois é, eu preferi um disco todo acústico. Chamei o Adriano Souza para fazer os arranjos e ele acabou fazendo também o piano.Não queria recursos eletrônicos, acho mais bonito sem eles, ainda mais como pianista. Sei lá, recursos eletrônicos acabam ficando muito datados dependendo da forma como são arrajados. Quis um baixo acústico, bateria com vassourinha, remetendo às influências das coisas que eu ouvi, entende? Agora, fazer disco é muito caro. A família acreditou muito. Acreditaram no meu sonho. Gravei primeiro cinco faixas, depois a grana começou a apertar. Demorou para finalizarmos tudo. Tem que gravar, mixar, masterizar, criar capa, finalizar. Por fim, ofereci. Bati na porta das gravadoras. Em setembro de 2010, deixei o material na Biscoito Fino. Eles me ligaram em janeiro de 2011.

O.H.: Como foi que você esperou?

Ana: Ah, como? Com a unha quebrando, com o cabelo caindo, perdendo peso (RISOS). Essa espera é muito tensa. Enfim, o show de lançamento foi na Livraria Argumento, o Menescal tocou. E foi lindo, lindo! Muito mágico. Sabe, felizmente, estamos tendo bons resultados com a mídia, com a crítica. Quando você lança um disco autoral, você não tem a menor noção de como as pessoas vão reagir. O mais importante é você ser fiel ao que você se propôs a fazer. Não faria diferente. Esse disco teve muito empenho. Amem ou odeiem, sabe?

O.H.: Você quer correr o Brasil ou você acha que a bossa nova tem um território específico?

Ana: Certamente, correr o Brasil e o mundo! As pessoas gostam do que elas têm acesso. Posso cantar bossa em Porto Alegre, em Manaus, em Belém, música é sentimento, não há nacionalidade para música. Nem segmentação social! O público não é burro. A gente precisa é dar acesso. E fazer com carinho, determinação e verdade.

O.H.: Quem te marcou mais que possa sublinhar na bossa nova?

Ana: Posso citar vários! Mas, para resumir, Tom Jobim e Dick Farney. Os dois me tocam muito. São uma referência. O Dick, por exemplo, interpretou músicas de grandes compositores.

O.H.: Quais as dicas que daria para quem quer se profissionalizar em música?

Ana: Olha, acredito que há espaço para todos. A arte no Brasil costuma a ser vista de forma depreciativa. Por exemplo, se você vai cortar cabelo no barbeiro que é seu amigo, vai pagar a ele. Mas, se você toca violão e um amigo seu te liga para fazer a alegria de uma festa, costuma não querer te pagar nada, só a cerveja. Não permita nunca que alguém diga que não vai conseguir. Se você faz com verdade, ok. O caminho é muito difícil em qualquer profissão que você for escolher. Seja secretária, manicure, economista ou músico. Geralmente, quando você trabalha com arte, as pessoas costumam te desencorajar. Eu ouvi muitas coisas do tipo " isso não vai dar certo ", " seu estilo está datado demais ". Se você pensar no que precisa, não sai do lugar. O lance é sentar, pensar racionalmente em como conseguir, correr atrás mesmo. As coisas não caem do céu. Aliás, cair até caem, mas é muito raro. Geralmente, as pessoas que te desencorajaram são aquelas que não tiveram a mesma oportunidade, mas que vão estar lá na frente te aplaudindo.

O.H.: " Querida ", última faixa do CD, foi feita para alguém?

Ana: Na verdade, eu estava deitada no meu quarto e surgiu a melodia pronta na minha cabeça! (RISOS) Não foi feita para ninguém. Várias pessoas me falam que essa música foi feita para elas. É bom demais ver as pessoas tocadas por algo que você fez. E é esse o meu objetivo, tocar as pessoas com o poder da música.

O.H.: Por que o nome do disco é " Acaso "?

Ana: Essa palavra resume o disco. Acaso tem a ver com caminhada, com reencontro, com paquera. E, como meu disco tem uma face bem carioca, acho que essa faixa resume toda a ideia. É isso! (RISOS)

Foto: Marcelo Correa

Ana Cristina percorreu dois mundos em um período de tempo pequeno. Saiu da economia e escolheu a música. Na verdade, o seu destino com a arte estava acertado desde quando, lá na infância, suas mãos de seis anos conheceram as teclas do piano.

LINKS RELACIONADOS:

http://www.youtube.com/watch?v=D7poEs0NuqA

JANET MURRAY - o cyberespaço em discussão

2011-09-24T08:54:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa e Jhan Lima

Foto: Luana Dias

Tradução: Jhan Lima

O Hélio estreia seu entrevistado internacional. Janet Murray, internacionalmente reconhecida pelo seu trabalho de análise das narrativas digitais, fala ao Blog O HÉLIO com entrevista exclusiva concedida pessoalmente no Oi Futuro Flamengo, Rio de Janeiro. Janet é PhD em literatura inglesa pela universidade de Harvard e, atualmente, professora de cursos de graduação e pós-graduação na Escola de Literatura e Comunicação e Cultura do Instituto de Tecnologia da Geórgia, nos Estados Unidos.

O HÉLIO - Bem, primeiramente, gostaria de te cumprimentar pela palestra, que foi delicioso te ouvir e que, já que você tem diferentes pontos de vistas e que gosta de compartilhar esse conhecimento. Para começar, por que decidiu fazer uma conferência no Brasil?

JANET MURRAY: Ah, bem... Eu fui convidada. (risos) E eu fiquei excitada em vir ao Brasil, eu acho que o país é um lugar dinâmico e tão maravilhoso, cheio de momentos e é realmente ótimo estar aqui. E sabe, eu ouvi de muitas pessoas, eu tive uma literata brasileira no meu laboratório ano passado e ele estava me contando sobre televisão brasileira, como ela é particularmente “inventiva” e eu até gostaria de ouvir mais sobre isso, mas...

O.H.- Talvez em outro momento.

JM: Sim, outro momento. (risos)

O.H.- O que você acha da nova geração de escritores?

JM: Qual geração de escritores?

O.H.- Bem, mais sobre os autores de Best-seller, ou mesmo, se você conhecer, alguns escritores brasileiros.

JM: Oh, bem que eu gostaria de conhecer mais sobre escritores brasileiros.

O.H.- É bem difícil conseguir um livro traduzido para a sua língua, não?

JM: Sim. Mas eu adoraria ter uma recomendação.

O.H.- Tem o Machado de Assis. Ele foi um escritor brasileiro por volta do ano de 1860 e escreveu muitos livros, pequenas histórias, crônicas dramáticas. Basicamente sobre a frustração das pessoas, ele geralmente escreve sobre isso. E tem um livro dele que é o mais famoso, “Dom Casmurro”. E o final do livro, eu não irei contar (risos), você o lê, e ainda não consegue decidir algo sobre ele.

JM: Ele era do século XIX, certo? Eu acho que essa era a idade do ouro dos escritores. Mas eu acho que, mais especificamente sobre os ingleses e franceses, era uma literatura voltada para as questões da sociedade. Todos esses escritores formaram a base para futuras séries de televisão e tramas de filmes. E nessa cultura de internet, nós estamos escrevendo uma literatura para a televisão. Aqui, nos EUA, há grandes séries, tem uma chamada “The Wire” e uma chamada de “Tramway”, pelo mesmo criador, e ambas tentam simbolizar a cidade do mesmo jeito que Charles Dickens tenta fazer no século XIX. O que Balsac tenta na França também, que englobar culturas universais...

Luana Dias - Posso tirar uma foto sua? (risos)

JM: Vá em frente.

Luana Dias - Linda.

JM: Isso seria fora do comum, mas obrigada. (risos)

O.H.- Poderia dizer sobre um livro que você gostou? Ou o mais recente que está lendo.

(procurando na bolsa... tira um kindle...)

JM: Então, eu li esse livro, “State of Wonder” de Ann Patchett. E é sobre uma cientista e a ética da ciência. Trata das diferenças entre o Primeiro Mundo e Terceiro Mundo. E eu acho que se passa em um país imaginário do Terceiro Mundo, na América do Sul, na verdade, onde as pessoas vivem em um ambiente de florestas. E estão tentando desenvolver uma droga capaz de prolongar a capacidade de uma gravidez. E algumas pessoas desaparecem, então é uma história de mistério. E há essa cientista que está disposta a encontrar a verdade, não importando o custo de vidas humanas. Traz muitas questões como se fosse algo bom prolongar em anos uma gravidez (risos). É história de aventura, com uma temática pós-industrial.

O.H.- Você gosta muito de histórias de detetives?

JM: Sim. E foi por isso que eu não gostei de Lost. Eu acredito na razão. (risos) Eu gosto de histórias racionais.

O.H.- Você já leu o livro do Stieg Larsson, “Os homens que não amavam as mulheres (The girl Who played with fire)?

JM: Eu odiei.

O.H.- Sério?

JM: Sim, eu o achei sádico. Eu não gosto do tipo. Eu saí da sala de cinema. E eu achei o livro ilegível, mas eu sei que tem pessoas que amaram, mas não funcionou pra mim. “O Código da Vinci”, eu acho que o autor não conseguia escrever nenhuma frase. Então eu o achei totalmente ilegível e muito irritante.

O.H.- Certo. Definindo em poucas palavras, o que é a literatura expandida?

JM: Eu usei essa palavra? Eu acho que usei uma mídia com um poder de junção. Poder de junção. Aqui vai uma explicação grande. (risos) É uma atividade fundamental bem antiga da humanidade. Fundamental para como o cérebro trabalha e fundamental para a construção da sociedade. Estamos engajados nisso, alguns acreditam, antes da linguagem, olhando e imitando e fazendo conexões entre os eventos. Então nós inventamos a linguagem e nós inventamos histórias épicas. Inventamos a escrita e escrevemos as histórias épicas, as comédias, livros românticos, livros religiosos, livros de entretenimento. Criamos os filmes e a televisão, e voltando alguns milênios, nós inventamos o teatro. Todo tempo, nós temos uma nova mídia representando o mundo e todo o dia a utilizamos para compartilhar histórias e para fazer histórias mais complicadas. Os filmes conseguem capturar algo que os épicos não conseguem. E o que podemos expandir? Bem, você poderia contar histórias mais internas, ou longas histórias, histórias de pessoas comuns e não de heróis. Uma história que dura mais do que duas horas, um romance sobre guerra ou paz, ou sobre indivíduos que participam das guerras napoleônicas na Rússia e na França. Então, temos agora uma mídia que captura mais estruturas.

O.H.- Temos também histórias com as quais podemos interagir, como as histórias dos vídeo games.

JM: E essa é uma poderosa temática que podemos utilizar. É também poderosa porque podemos rejogá-la, pois temos versões e por isso é importante surgir com novas invenções, mas mantendo as versões direitas. É preciso um roteiro, provido da tradição, com uma história, com personagens. É preciso ter os capítulos para continuar com os personagens e seus diálogos. É interessante como podemos colocar tudo isso junto.

English language version

JANET MURRAY - the discussion in cyberspace

For Pedro Paulo Rosa and Jhan Lima
Photo: Luana Dias
Translation: Jhan Lima

- Well, first, I would like to congratulate you for the lecture, which was delightful to hear you and because you have different views and likes to share that knowledge. To begin with, why did you decided to do a conference in Brazil?

Janet Murray: Oh, well ... I was invited. (Laughs) And I was excited about going to Brazil, I think the country is a wonderful and dynamic place, full of moments and it's really great to be here. And you know, I heard from many people, I had a Brazilian literature in my lab last year and he was telling me about Brazilian television, particularly as it is "inventive" and I even like to hear more about it, but ...

- Maybe some other time.

JM: Yes, another time. (Laughs)

- What do you think of the new generation of writers?

JM: What generation of writers?

- Well, more about the authors of best-selling, or even if you know some Brazilian writers.

JM: Oh, well I'd like to know more about Brazilian writers.

- It's very difficult to get a book translated into your language, isn´t?

JM: Yes, but I'd love a recommendation.

- We always have Machado de Assis. He was a Brazilian writer about the year 1860 and wrote many books, short stories, chronicles. Basically about the frustration of people, he always writes about it. And there is a book that is the most famous, "Don Casmurro." At the end of the book, I will not tell (laughs), when reading it, you still can not decide something about it.

JM: He was in the nineteenth century, right? I think that was the golden age of the writers. But I think more specifically about the English and French literature was focused on societal issues. All these writers formed the basis for future television series and movie plots. And in this culture of internet, we are writing a literature for television. Here in the U.S., there are great series, has one called "The Wire" and one called "Tramway" by the same creator, and both are trying to symbolize the city the same way that Charles Dickens tries to make in the nineteenth century. What Balsac tries in France as well, which encompass universal cultures ...

- Can I take your picture? (Laughs)

JM: Go ahead.

- Beautiful.

JM: That would be unusual, thank you. (Laughs)

- Could you tell about a book you liked? Or what is the latest reading.

(Looking in the bag ... ... takes a kindle)

JM: So, I read that book, "State of Wonder" by Ann Patchett. And it is about a scientist and the ethics of science. These differences between First World and Third World. And I think it happens in an imaginary country in the Third World, South America, in fact, where people live in a forest environment. And they are trying to develop a drug that could prolong the ability of a pregnancy. And then some people disappear, then it is a mystery. And there is this scientist who is willing to find the truth, no matter the cost in human lives. So have many issues as if is good to prolong a pregnancy in years (laughs). So it's adventure story, with a post-industrial theme.

- You really like detective stories?

JM: Yes, and that's why I did not like Lost. I believe in reason. (Laughs) I like rational stories.

- Have you read Stieg Larson's book, “The Girl Who Played with Fire”?

JM: I hated it.

- Really?

JM: Yeah, I thought it was sadistic. I do not like the type. I left the theater. And I found the book unreadable, but I know there are people who loved. It did not work for me. "The Da Vinci Code," I think the author could not write any sentence. So I found it very annoying.

- Right. Setting in a nutshell, what is the expanded literature?

JM: I used that word? I think I used a media with a power junction. Power junction. Here's a big explanation. (Laughs) It's a very old

Agradecimentos:
Patrícia Klingl

Programa O Hélio traz o ator CACO CIOCLER

2011-09-16T19:30:00.000-07:00

Nesta primeira parte, a questão da arte e do entretenimento será discutida.

O Programa O HÉLIO estreou na Internet!

2011-09-01T22:38:00.000-07:00

Construam esse canal junto com a gente! Sugestões, críticas?
Façam conosco e falam pelo email: programaohelio@gmail.com e pelo Facebook Programa O Hélio

Para assistirem às outras duas partes, é só clicar em www.youtube.com/mrohelio
Curtam!

George Israel, próximo entrevistado do Blog O HÉLIO

2011-09-01T22:31:00.000-07:00

O Kid Abelha fala sobre a banda e explica um dos seus projetos solos, " 13 parcerias com Cazuza".

Curtam!

“Não faço música para músico” – Cascadura Samba, a nova obra de Micheline Cardoso

2011-08-28T00:02:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: Lucas Conrado / divulgação
Revisão textual: Paulo Cappelli

Fala com voz vibrante, no seu olhar a marca maior é o agito, o fogo de quem tem certeza do que está respondendo e procurando. Micheline Cardoso fala sobre o seu quarto álbum, “Cascadura Samba” e está à vontade com O HÉLIO para contar sobre sua experiência profissional como vocal de Tim Maia, Geraldo Azevedo, Nando Reis; sobre como iniciou na música e – sem medo – afirma que a relação com seus fãs é verdadeiramente próxima, sem o pedestal da diva. Em tempos de alta tecnologia aberta a todos, o espectador anda cada vez mais autônomo para escolher quem vai escutar. A internet entrou para a carreira de Micheline Cardoso como um dos elementos fundadores. Nascida no subúrbio carioca, esta artista trilha um singular caminho musical, consolida uma carreira no exterior e vem ao encontro dos brasileiros com o seu atual trabalho. A seresta, gênero muito executado pelo seu pai, foi o pontapé inicial para lidar com a música.

Obviedade é a última coisa que encontramos na fala de Micheline Cardoso e em seu trabalho artístico. A moça transborda o autêntico na música, na voz, no olhar e nas ações.

O HÉLIO: O seu atual trabalho fala sobre o quê?

MICHELINE CARDOSO: Fala sobre a vida, sobre o que eu vivi em Cascadura; fala sobre o amor, que é inevitável. Coisas cotidianas. Eu morava em Jacarepaguá numa casa super bacana, mas fui assaltada duas vezes, uma delas em frente a essa casa. E nessa época meu marido estava em Fortaleza. Peguei meus filhos e fui para casa da minha mãe, que mora em Cascadura. Nisso, a gente percebeu um novo ambiente, a estação de trem, as pessoas que moram lá.

O HÉLIO: O que tem lá de diferente?

Micheline: O aconchego. As pessoas são mais próximas. Eu não quero fazer essa separação não, acho muito chato isso. É diferente porque é diferente. O tempo das pessoas é diferente. As pessoas do subúrbio participam mais da sua vida. Porque tem tempo, tem churrasco. Ainda tem aquela coisa do vizinho. Quando saí de Cascadura, fui para Ipanema e não conheci quase nenhum vizinho. Aqui, fazemos as coisas muito correndo.

O.H.: Dá pra fazer samba mais fácil no subúrbio?

Micheline: (RISOS) Dá pra fazer samba mais fácil, rock mais fácil, tudo mais fácil...na verdade, isso também é uma curiosidade. Nunca falei isso em entrevistas; eu tenho por mania colocar o nome samba em todos os CDs. O primeiro se chamava “Samba de Pista”, e agora o quarto: “Cascadura Samba”. Mas, não tem só samba. Minha música tem elementos de samba. Tanto que vou participar do evento Festival da Nova Música Brasileira que é só de rock pesado. O atual está bem rock, acho que também por isso que a resposta do público está sendo bem rápida. Em outubro, vou fazer turnê para Europa e o nosso circuito será bem alternativo. Então, meu atual CD também é muito alternativo.

O.H.: Como assim?

Micheline: Fazemos circuito club. Para 800 a 1500 pessoas que querem escutar o meu trabalho. Eu só faço trabalho autoral e só canto em português.

O.H.: Até a sua forma de mandar beijo é autoral!

Micheline: Exatamente! (RISOS) Sempre mando sambeijos...já me mandaram registrar isso no INPI.

O.H.: Como é que você construiu o caminho profissional lá fora?

Micheline: Totalmente ligada à internet. Desde o nosso primeiro CD, deixamos tudo disponibilizado na internet. Há muito tempo, bem antes desse discurso “a música é de todos”. O myspace também nos ajudou muito nesse inicio. Os DJs e VJs lá de fora começaram a ver meu trabalho no myspace e me pediram música para remixar. E aí eu mandei a minha música “ Que nego é esse”. Essa galera me perguntou: você não quer fazer uma turnê aqui (na Europa). E foi assim, perfeito! Começou daí. Já estou na quarta turnê na Europa, começo a viajar dia 11 de Outubro. A primeira vez em que fui banquei passagem, agora isso mudou.

O.H.: Sua marca autoral mudou muito?

Micheline: Acho que não. Cheguei a resgatar músicas do meu CD “ Samba de Pista” para o “ Cascadura Samba”. No caso do atual, estou tendo uma distribuição lá no exterior. O que não acontece no Brasil; aqui eu mesma mando via Correios. Mas, lá fora, tenho uma distribuidora e uma gravadora, chamada “Afrobaile”, que penetra no mundo todo. Dessa vez, está bem diferente. Estamos chegando em revistas de Londres, da Holanda, Eslováquia. Eu nunca pensei que fosse chegar uma música minha na Eslováquia! Fiquei emocionada. Falei, porra! Por isso que eu digo que a música não tem esse negócio de rótulo. É sentimento. Se a pessoa sente que tem uma coisa que move diferente, ela fica.

O.H.: Como é que você pode traduzir MPB para Micheline?

Micheline: No meu entender, o Brasil é o país mais rico musicalmente. Não é querendo ser nacionalista exagerado. Mas, é a verdade. Aqui você tem frevo, samba, caboclinho, maracatu, chorinho, cara, é muita influência. Acho que a MPB, para mim, é mistura disso tudo. É o tempero. Somos um país miscigenado. Eu não sou branca pura nem ninguém é negro puro. Aqui é tudo misturado mesmo, e isso acontece na música. Até quem faz rock, samba, TUDO é misturado. Senão, não é Brasil, cara! Por exemplo, meu pai era cantor de seresta. Comecei, aos seis anos de idade, acompanhá-lo para as rodas de seresta. Ia com ele às serestas. Cantava Jamelão, Lupicínio Rodrigues... na verdade, as primeiras músicas que comecei a escutar eram músicas de seresta. E eu vivia no meio de adulto. Sou a mais velha de três irmãs. E meu pai tinha essa ligação comigo. Me dizia que era muito afinada, e as pessoas achavam muito bonitinho ver criança cantando. A gente era bem pobre mesmo, não tínhamos nem aparelho de som, então, as músicas eu aprendi ao vivo. Tocadas na hora. Eu comecei profissionalmente na Orquestra Tamoio e consegui comprar, economizando, aparelho de som. (RISOS) Nem era tão bom, mas funcionou!

O.H.: Como é que você classificaria o seu legado? Porque é bem diferente, concorda? Você está fazendo uma carreira consolidada lá fora e ao mesmo tempo canta aqui dentro e com muitas parcerias. Você vive dois mundos.

Micheline: A gente tem a cultura de escutar música em outras línguas. E, às vezes, deixamos de dar valor às coisas que temos. Nada contra música estrangeira, galera! Mas, eu acho assim: o cantor, o autor, o compositor, ele tem que ter estilo, sabe, Paulo? Senão, fica muito repetitivo. Confuso. Ainda não está na época de deixar legado, mas as coisas estão acontecendo. Este quarto CD está me dando uma visibilidade muito grande. E, por incrível que pareça, essa visibilidade também está germinando no Brasil. É muito chato esse lance de um imitar o outro. Você pode chegar muito próximo a um cara do jazz, mas imitar nem pensar. Cada um tem que saber a sua verdade e mostrar. A pessoa tem que saber: essa aqui é a Micheline, essa aqui é a voz da Micheline. Entende? Quer me irritar é confundir.

O.H.: Você tem compromisso com alegria? Você cantou muita seresta, muito Lupicínio Rodrigues, mas você não parece melancólica, certo?

Micheline: De jeito nenhum tenho compromisso com a alegria, mas sou uma pessoa alegre e feliz por natureza (RISOS). Nas minhas canções, tem músicas de cortar pulsos, de mergulho; mas, também tem balada, dance. Eu tenho compromisso com as coisas que eu acho que tenho de falar. Hoje em dia, as pessoas demandam um certo carnaval, um espetáculo do artista. E lá fora eles não necessitam que o artista faça oba-oba. Se você vai para Europa fazer mulata Sargentelli, você vai fazer outra coisa! Agora, se você vai lá para fazer música, tem que ter músico foda! É tocar de verdade! Então, não é escarcéu. O nosso show, o nosso CD é todo autoral. Primo pelo estilo. Meus músicos tocam demais!

O.H.: Qual instrumento que te motiva, te arrepia e emociona mais?

Micheline: Piano. Ganha disparado. Eu e meu marido compomos juntos. É muito legal. O pouco que toco de violão dá para a gente trabalhar. A parte harmônica do meu trabalho é muito rica. Por isso, não dá para qualquer um tocar não...(RISOS). Tem tudo, tem improviso, tem seresta, tem dance, tem jazz. “Gema” é uma música que fecha o show, é o maior funk, o maior porrada. Tem o “Favela Funk” que fizemos com um DJ austríaco, ficou um excelente trabalho.

A cantora pratica algo muito raro, a valorização da figura do fã, compreendendo este grupo dentro do seu espaço de grande consideração.

O.H.: Tem diferença entre a Micheline que sobe ao palco e a que compõe?

Micheline: Nenhuma diferença. Tenho amigos que me chamam de louca, dizem que eu levo o fã para dentro da minha casa. Mas, Paulo, se eu pudesse, levava o fã mesmo para dentro da minha casa. Porque é essa galera que te leva para frente. Tenho colegas que falam “você nunca vai ser artista. A distância é necessária”. Vão cair de pau em cima de mim, mas eu não estou nem aí! Não crio distâncias mesmo. Para mim, não tem redoma mesmo. Não consigo compreender o porque esse clima pedante. Tenho uma fã que é presidente do meu fã clube de João Pessoa. Sempre quando ela vêm falar comigo, ela treme. E eu agarro ela, abraço ela forte e mando ela parar de tremer. (RISOS). Falando em Nordeste, Pernambuco é um dos lugares mais plurais e ricos musicalmente e ritmicamente. Vai ter gente caindo de pau nisso também! (RISOS). Agora, falando do Rio, para mim nunca existiu esse lance do samba do asfalto e samba do morro. Não faço essa distinção. Há muito preconceito interno também dentro da música.

O.H.: É difícil se sustentar através da música?

Micheline: Não. Eu trabalho com música há 20 anos. Acho que a pessoa, o músico, o artista precisa saber o que ele quer. E eu sempre soube o que eu queria. Comecei a trabalhar como cronner. Mas sabia que não podia ficar só nisso. Trabalhei na noite também e sabia que não podia ficar parada nisso. Senão, você morre. Passa rápido demais. É claro, tive muita sorte de estar em lugares bons e com pessoas vendo. Por exemplo, trabalhava com o Tim Maia como backing vocal dele e ao mesmo tempo fazia jingle e ia à luta. Outra coisa: nunca fiquei numa coisa só. Sempre fui múltipla. Tenho certeza, Pedro, que se você ficar no barzinho cantando a música dos outros, vai morrer ali. Você tem que fazer a sua música! No barzinho, se toca o que o povo quer. Tem que ter um estilo, senão você é confundido. Fora que a pessoa pode cantar para caralho, mas num barzinho os equipamentos de áudio não deixam você mostrar bem sua voz. O cara fica de música de fundo, e nunca quis isso para mim. Vejo muita gente foda, que canta à beça, mas não engata. Cara, eu fui criada no conjunto da Ordem dos Músicos do Brasil em Inhaúma (subúrbio do Rio de Janeiro); o meu vizinho de janela era o Zé Ketti! Voltando ao lance do fã, prefiro o palco ao estúdio. Porque no palco, é um momento único. Cada vez que canto, canto de uma maneira. No CD, eu já gravei, só vai ficar daquele jeito! Gosto da troca, de pessoas! É fogo, eu já cantei para duas pessoas e já cantei para 200 mil. A Janis Joplin fala que estar no palco e cantar para trinta mil pessoas é como transar com todas elas e depois ir embora para casa sozinha. É mais ou menos isso. Fazer show é êxtase. Não faço música para músico! Primeiro que músico não paga ingresso! Depois, fica criticando... (RISOS). Faço música para o povo! Para os meus fãs.

O.H.: Tem fronteira entre arte e entretenimento?

Micheline: Tem não, cara. É o lance do Titãs, “Diversão e Arte”. Porque, por exemplo, pessoas que possuem menos grau de instrução escolar, que tiveram poucas oportunidades de ler, de estudar, elas conseguem absorver melhor quando estão se divertindo. Mas, essa diversão não precisa ser carnaval, entende? Tem que haver uma interatividade de forma que a pessoa consiga se reconhecer naquela expressão artística, sabe? Por isso, acho que não tem fronteira. E outra: música não escolhe classe social!

O.H.: Fala um pouco da experiência de trabalhar com o Tim Maia e, atualmente, com o Nando Reis.

Micheline: Vai parecer piegas, mas o Tim é uma escola. Foi e é uma escola. Ele tinha uma caixa torácica absurda, ventava tudo. Ele era maravilhoso, e a imprensa aborda pouco esse lado. Gravamos juntos quatro ou cinco CDs. Em março de 1998, por exemplo, ele já tinha parado de beber. E ninguém fala isso. Outra coisa que pouca gente sabe é que o Seu Tim não gravava duas vezes. Entrava e gravava de primeira! Se o cara não registrasse, se ele pensasse que era só passar o som, ferrou! Na primeira, ele acertava. Não tem como você falar que ele não é uma escola. Pedro, ele tinha uma preocupação com as crianças abandonadas muito grande. A gente ensaiava oito da manhã no Recreio dos Bandeirantes! E minha filha tinha dois anos. Ele gostava que eu levasse ela para os ensaios. E ele falava uma coisa linda: “o ser humano só vale até os sete anos de idade”. Ele catava as crianças do Recreio dos Bandeirantes e dava almoço, roupa, brinquedo para todo mundo! Criança de rua, criança de casa. Para o Tim, não havia a menor distinção. Ele era uma pessoa sensacional! Um cara, porra, formidável! Nunca tive problema com o Seu Tim. E, atualmente, com o Nando Reis, tem sido muito bacana. O Nando é indecifrável. O front do show dele é só 14, 15 anos. Mas, po, as letras dele são muito profundas. É um poeta absurdo. A penetração da arte dele é muito grande. É um puta artista. Eu sou uma louca no palco do Nando. E ele não tá nem aí! E nesse novo trabalho, tem uma música que a gente canta junto que é um grande teatro. É muito bom! Vou fazer cinco anos trabalhando com ele. Se eu fosse resumir, o que me chama mais atenção é a autenticidade do Nando.

O.H.: Atualiza a sua agenda para a gente.

Micheline: Dia 2 de Setembro, no Jokers Pub Café, em Curitiba; dia 10 de Setembro, lançamento aberto do Cascadura Samba, no Espaço Cultural Gabinete, no Rio. É uma casa nova na Lapa. Depois, dia 12, estarei no Festival Nova Música Brasileira. Aí, dia 17 de Setembro, estarei em Maracaípe, no mar, em Porto de Galinhas. (RISOS) Vai ser muito, muito bom!

O.H.: Qual é o seu desejo agora?

Micheline: Ah, que o meu atual trabalho possa marcar cada vez mais o mundo e os brasileiros. Que as pessoas curtam, gostem ou até que não gostem, critiquem, faz parte! O chato é quanto vão só falar mal, né? E continuar levando meus fãs junto comigo.

Dotada de lucidez e força para lidar com a música e com a fama, Micheline desconstrói o hábito da glamorização excessiva, enlaça o Brasil e a Europa com seu ritmo misturado e propagador de movimento. Impossível entrar em contato com a sua música sem se aliviar e sentir algo diferente, autoral que adentra e conquista.

LINKS RELACIONADOS:

http://michelinecardoso.com.br/
http://www.myspace.com/michelinecardoso

Fotos de divulgação: http://palcomp3.com/michelinecardoso/#fotos e Blog Acordes

MANU SANTOS – aliança entre brasilidade e alegria

2011-08-19T07:37:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: divulgação/Cristiano Soares
Revisão textual: Paulo Cappelli

Manu Santos enlaça a qualquer um com sua voz cadenciada e motivada pelo brilho da alegria. Em uma conversa no seu bairro de amor e de origem, Bangu (Zona Oeste do Rio), ela nos conta sobre a sua carreira, e como encara a MPB atualmente. De fala rápida e intensa, a artista mescla, em seu CD “Nossa Alegria”, fortes tendências do samba jazz com o batuque brasileiro. Saúda o mar como seu berçário íntimo e lugar de reflexão. A canção “Mulher Jangadeira” ganha força e carisma na interpretação assertiva de Manu. Seu disco traz, de forma autoral, muita religião e charme da música brasileira. A moça também gravou Ivan Lins, Fito Paez, Gilberto Gil e Caetano Veloso. O resultado do seu trabalho traduz o amor pelos palcos e o carinho especial que soube, belamente, construir junto a seus fãs.
O HÉLIO: O que você pode dizer, até o momento, que foi um divisor de águas em sua carreira musical?

MANU SANTOS: Eu e Aline Calixto fomos vencedoras do festival Carioca da Gema. Posso dizer que esse momento foi marcante e um divisor de água na minha carreira e no meu intuito de ser cantora. O Leonardo Lichote me entrevistou e tal, daí depois de um tempo encontrei ele no Facebook e a internet nos possibilitou um contato novo! Disse para ele que a matéria que ele fez comigo repercute até hoje. Mais um exemplo de como a internet junta as pessoas. Até que o Leonardo Lichote me liga informando que fez a crítica do meu CD! (RISOS) Eu comecei a gritar no telefone, ansiosa, querendo saber se ele tinha gostado. E aí, quando eu vi no jornal, chorei muito! Depois, disse para ele que me senti sendo lançada por ele. Tudo mudou mesmo. Muitas entrevistas aconteceram e shows, enfim...

O.H.: E você se acha uma música brejeira?

MANU: Olha, quem começou com esse termo foi até o Leonardo Lichote. Quando ele fala brejeira, não quer dizer maliciosa. Brejeira é uma pessoa que está cantando música mais regional. Foi o que compreendi da parte do Leonardo. Outro crítico me chamou de hiponga! (RISOS). Enfim, não ligo mesmo! Essa mistura de ritmos brasileiros é que compõe a minha música.

O.H.: Percebi muita religiosidade também no seu trabalho.

MANU: Pois é, eu sou ecumênica total! Nesse CD, tem de tudo. Eu comecei a cantar aos treze em uma igreja católica no meu bairro, o bairro Jabour. Aquilo era o meu caminho de agradecer a Deus. Depois, acabei me afastando da igreja católica. Meus pais são umbandistas, meu avô é kardecista. Enfim, até pastor tem na minha família. E dessa mistura a gente só conseguiu paz, sabe? Eu acho que a galera no Brasil, atualmente, está entrando nessa onda ecumênica pra valer. Se tiver que ir a uma missa, eu vou; se tiver que ir a um terreiro de macumba, também! (RISOS). E respeitar é fundamental.

O.H.: E aí, com treze anos você encontrou a música?

MANU: Encontrei e não encontrei! Porque, com essa idade, eu cantava por cantar. Minha vontade era ser oceanógrafa. E eu sou apaixonada pelo mar mesmo. Quero descobrir o que tem ali dentro, sempre quis! Mas então, falei com meu pai que gostaria de fazer oceanografia e ele me apoiou, mas me falou: “aqui no Brasil não tem condições de você estudar isso, porque não é uma carreira que te dê condições amplas. Você vai estudar no exterior”. E eu não quis! Mudou rapidamente minha vontade. Fiquei no Brasil com a minha família. Quando criança, não tinha a menor intenção de ser cantora, eu imitava Fafá de Belém, Wanderléia... (RISOS), só para você imaginar. Mas, não tinha essa pretensão de ser cantora.

O.H.: Seus pais mexiam com música?

MANU: Minha mãe tem uma voz belíssima. Meu pai era um músico muito especial. Eles com certeza são minha primeira influência musical. Agora, ouvi muito também Milton Nascimento, Caetano Veloso, Mercedes Sosa etc.

O.H.: Depois que você decidiu se profissionalizar em música, te deu algum medo ou insegurança fortes?

MANU: Não... não me dá medo. Eu estou aberta, mesmo. Eu aprendi uma coisa com meu pai: se você quer mesmo uma coisa, vai, corre atrás. É melhor lutar e tentar do que morrer frustrado. Eu estou na fase do tentar. Eu sou sagitariana, aventureira e paz e amor. (RISOS)

O.H.: Explica um pouco a parceria com o João Pinheiro.

MANU: Então, João me convidou para o projeto “Chico e Bethânia”, numa gravação que eles fizeram em 1975. Começamos a apresentar esse projeto no Rio em 2010 na sala Baden Powell. Então, agora o João está querendo levar para São Paulo. Recentemente, fui até São Paulo para gravar alguns vídeos para divulgação. Nos apresentaremos, mais tarde, no Teatro Cacilda Becker. E também para conhecer a galera de lá, que é muito legal.

O.H.: Você fez algum curso de voz, de música?

MANU: Não. Não verdade, comecei a fazer preparação vocal com a Eduarda Fadini, que inclusive cuidou disso no meu disco. Mas, pretendo voltar, pretendo estudar também sim. Até porque preciso entender mais a música, né? Eu tenho que entender cada pedacinho da música. Agora, cantar comigo flui. (RISOS). Você me dá uma canção, eu vou ler aquela música, entender, e cantar do meu jeito. Sabe? É muito assim... flui mesmo. Vai numa boa. Acredito que isso acontece fácil porque meus pais faziam isso em casa; lá vivia cheio de poetas.

O.H.: Há diferença em cantar na Zona Oeste e na Zona Sul?

MANU: Cantar em Bangu e no Jabour é cantar com a família. Cantar para quem conheço. Lá na zona sul, as pessoas também curtem a minha música, só que não tem o elo familiar com o espaço, entende? No fundo, é a mesma coisa. Comecei com uma temporada na “Letras e Expressões” que foi ótima. O Rio é muito variado. Se você cantar no Centro Cultural Carioca, por exemplo, o público é mais aberto. Se cantar em um teatro, a galera fica mais fechada. Se cantar na Lona Cultural, algumas pessoas querem te ouvir e outras querem comer tira gosto. Na verdade, a plateia é palco para mim. (RISOS). Lá de cima eu vejo tudo! Quem está gostando e quem não está gostando.

O.H.: Quais foram os principais desafios para lançar o primeiro CD?

MANU: Muitos! Vários! Afinal, sou uma artista independente. As pessoas falavam que meu disco estava virando lenda. Foram dois anos e meio de batalha. Só um exemplo, o estúdio em que estava gravando teve que mudar. Então, tudo mudou! Tive de gravar outras partes em outro estudo. A dinâmica da produção foi revirada. O lado bom disso é que conseguimos fazer a mixagem do CD com o Rodrigo Vidal (que fez o da Maria Gadu, e atualmente o do Ivan Lins). E o Luiz Tornaghi, e foi tudo lindo!

O.H.: Canta profissionalmente a quanto tempo? E como classifica seu público?

MANU: Olha, profissionalmente canto há dez anos. Sobre o público, vejo de tudo! Ainda mais em Bangu. Jovem, idoso, criança. Enfim... aqui é uma região muito farta de músicos. Excelentes artistas. O chato da Zona Oeste é que falta espaço para você se apresentar. Assim, muitas pessoas acham que a zona oeste termina no Recreio. Isso me dói o coração. Gente, pelo amor de Deus... tem Bangu, Campo Grande, Realengo, Padre Miguel, tem vários lugares na Zona Oeste. O Governo precisa olhar para cá musicalmente e culturalmente. A gente precisa dessa motivação.

O.H.: O Rio tem que parar com essa distribuição segmentada, limitada e preconceituosa, né?

MANU: Exatamente. Porque é muito triste, você se sente mal com isso.

O.H.: Você pensa em se mudar daqui?

MANU: Não. No final de 2007, morei em Botafogo, mas depois voltei para cá. Não pretendo sair daqui, pelo menos por enquanto. Mesmo com a violência alta. Está tendo muito tiro. No meu bairro - Jabour - temos a favela da Koréia, do Rebu, do Sapo. Enfim, estamos cercados. E o Governo não olha para cá. Mesmo assim, não quero sair! É amor que sinto por esse lugar. Nasci aqui, cresci aqui e quero ficar. Agora, falta muito emprego. Isso estimula a violência. Mas, também falta motivação para as pessoas arranjarem emprego, entende? Tem que se movimentar, gente!

O.H.: Você sente que o Rio de Janeiro tem um apelo forte pela fama e pela glamorização exagerada da figura do artista de modo geral?

MANU: Olha, que pergunta difícil, eu ainda não pensei nisso. Mas, pra falar a verdade, quando eu saí no O Globo, no Segundo Caderno, tudo mudou mesmo. Várias pessoas vieram me procurar. É impressionante, né? Você sempre esteve ali, mas você só passa a existir depois da fama, depois da foto. Mas, para tentar amenizar isso, a gente sempre usou muito a internet! Eu tenho uma comunidade no Facebook chamada “Espalhe o Amor”, com quase 500 mil pessoas. Fora o youtube que impulsiona muito os contatos. A internet é minha parceira. Eu uso essa ferramenta direto, é a maneira de divulgar minha música, meu trabalho. Aliás, é o nosso trabalho! Eu converso com todo mundo. Não tem que ter essa distância entre o artista e o público. São os seus fãs que vão te colocar lá na frente. Converso com eles no Twitter, no Facebook. E é muito legal que muitos me chamam de amiga! (RISOS). Perguntam como estão minha mãe e tal, é muito legal.

O.H.: Qual a dica que você dá para quem está começando agora na música ou em outra arte?

MANU: Olha meu querido, acredite no seu trabalho e vá para a internet, que é o melhor caminho. E não desistir nunca Existe uma frase que me que não me lembro da autoria, mas fala assim: “O futuro pertence aquele que acredita na beleza dos seus sonhos”. Então, vá à luta, companheiro e faça acontecer!”. Ah, bom lembrar: temos uma apresentação dia 28 de Agosto no MAM. Mas, a minha expectativa é conhecer o Brasil, levar a música para todo esse país, sabe? O meu maior prazer é ver as pessoas sorrindo com a minha música. É saber que as pessoas saem suaves do meu show.

O.H.: Como é ser comparada à Vanessa da Mata, Roberta Sá?

MANU: Ah, para mim é uma honra. Agora, meus arranjos são simples. Brasil para mim é percussão, é chão. Elas colocam arranjos complexos, lindos, mas que eu não me vejo executando. Agora, tanto Vanessa quanto Roberta são maravilhosas naquilo que fazem.

O.H.: Qual o recado para o seu público?

MANU: (RISOS) Galera, fica de olho que eu to chegando e vamos que vamos! Vão me acompanhando aí!

Manu Santos celebra a música com muita humildade e carisma, deixando transpassar pela sua voz, sorriso e composições a alegria bem resolvida das canções que executa. É uma artista que prioriza a MPB enquanto brasilidade, afirma que nossa música é do chão, da terra, do mar, da mistura dos quatro elementos. Manu lança “Nossa Alegria” conduzida pela beleza e som do mar. O resultado, após ouvir o disco, é suavidade e entrega.

O HÉLIO também é programa!

2011-08-18T21:46:00.000-07:00

Com a certeza de que estamos dialogando cada vez mais, o Blog ganha uma versão audiovisualizada, buscando um formato diferenciado, ao mesmo tempo que livre da obrigação de ser totalmente diferente. Esse novo espaço é construído em parceria com você. Nasce o Programa O HÉLIO!

Mande sugestões, dicas de pauta, de entrevistado para programaohelio@gmail.com

Assista ao teaser com o ator Caco Ciocler copiando o seguinte link:

www.youtube.com/mrohelio

GUSTAVO FALCÃO – arte como manifestação humana

2011-08-11T23:06:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: Ravini Padilha
Revisão textual: Paulo Cappelli

O Hélio conversa com o ator, roteirista e empreendedor cultural Gustavo Falcão. De fala mansa e olhar atento, o maduro artista pensa sobre o seu ofício, problematiza o personagem Bartleby, o qual interpretou na montagem do diretor João Batista “Bartleby, o escriturário”, cujo texto original é de H. Melville. Gustavo, que é também diretor executivo do Lunático Café, assume-se um vocacionado para o teatro e afirma que o teatro que o escolheu. Valoriza a labuta diária e discute sobre as mudanças nas políticas culturais implementadas no Brasil. Ele conta para nós o quanto o filme e a peça “ A Máquina” marcaram o seu trabalho e a sua vida pessoal.

O HÉLIO: Como é que você encontrou o Teatro?

GUSTAVO FALCÃO: Eu comecei o teatro em Recife em 1994. Comecei publicidade e passei a usar esse tempo para fazer coisas para me atualizar. Aí, fiz um cursinho de computação para dar uma atualizada. Depois, fui fazer teatro. Minha irmã tinha acabado de entrar para o teatro no colégio em que estudávamos, o Colégio Nossa Senhora do Carmo, em Recife. Então, em maio de 1994 iniciei artes cênicas com o Romero Andrade. Na verdade, Pedro, eu ia responder a pergunta dizendo que é o teatro que te acha. Você só descobre que o teatro te queria. Acho que é essa a relação que o artista tem com a arte. A arte te descobre, te acha e não ao contrário. É claro que tem uma coisa de suor, de empenho.

O.H.: Acredita em dom?

G.F.: Não, porque o dom extrapola nossas possibilidades. Todo mundo tem, inerentemente, um dom artístico. A arte é uma manifestação humana como o falar. Agora, o trabalho árduo, a labuta não te abandona. É a tal da dedicação. Aí acho que está a vocação. O esforço. Entende? Agora, potencialmente, qualquer pessoa pode fazer qualquer coisa. Vocação é você nascer com aquilo. E eu acho que tenho vocação para arte. Quando eu comecei a fazer teatro era um ator muito ruim. Hoje, acho que melhorei muito (RISOS). Melhorei graças à vocação. E ela me possibilitou. Descobri que não tinha a menor vocação para ser publicitário, que publicidade não tinha nada a ver com o que eu queria construir depois para minha vida.

O.H.: E o que você queria construir?

G.F.: (RISOS) Então, isso eu só fui descobrir bem depois. A primeira vez em que subi ao palco, descobri que o teatro tinha coisas que eu queria desenvolver para mim. Uma dessas coisas é que, através das possibilidades de você expressar sentimento e materializar histórias isso te promove um processo de autoconhecimento muito profundo. Porque esse processo te faz acessar determinadas áreas em você mesmo, tanto física quanto emocional, que são muito loucas! Isso mexeu muito com a minha percepção de mundo, com a minha relação com as pessoas! Isso era uma coisa que eu vim descobrir depois. Não se percebe isso na hora. Constatei que eu queria aperfeiçoar essa relação, com o potencial expressivo, de tornar sentimento em ação, gesto, fala. Uma outra característica que confirma que me fez querer teatro é a minha capacidade de abstração; muito facilmente me coloco no lugar e na posição do outro. Transito e vejo através do outro com muita facilidade. Quando eu descobri isso, vi que fazia sentido fazer teatro. E o teatro, no processo de interiorização, te pede que faça isso, que você viagem até o outro. O teatro me deu muito, me fez entender mais o mundo. Descobri que o teatro pode fazer isso com as outras pessoas também. Com o público! A gente pode gerar questionamentos, mudar a ordem da sociedade, das pessoas através do teatro. Através da arte. Vi que eu poderia, como ator, fazer isso. Enfim, reinventar o mundo através do teatro.

O.H.: Falando mais do Bartleby, a gente pode falar que ele é esvaziado? Eu tive um medo dele! Ao mesmo tempo, como Bartleby é carismático, né?

G.F.: Outras pessoas já comentaram que tiveram medo. O legal é perceber as diferentes impressões do público sobre esse personagem teatral. O Osmar Prado foi assistir à peça e fez uma interpretação que me chamou atenção – disse que Bartleby era um gênio incompreendido. Eu acho que ele não é definível.

GUSTAVO FALCÃO em seu espaço cultural no Jardim Botânico, LUNÁTICO CAFÉ

O.H.: Num tempo de tanta falação, ele é um personagem que assusta com tanto silêncio. Parece que ele expressa a dúvida e a certeza pelo mesmo silêncio.

G.F.: Exatamente. O Deleuze fala que o Bartleby é um texto que obriga o leitor a participar do conto. É como se o Melville (autor do texto) deixasse umas frestas que te obrigasse a completar aquilo do seu modo. É uma obra realista e ao mesmo tempo não é! Literatura já é meio assim, você tem que completar. Você tem que criar do outro lado, e o Melville te obriga a participar, a criar de uma maneira mais ativa. O Deleuze fala também que é uma asneira você tentar decifrar ou definir o Bartleby. O mais legal foi colocar o personagem no mundo e autorizar o leitor a levar o Bartleby sob seu modo de vê-lo para casa. E esse era o maior desafio para a gente, materializar isso! O grande desafio foi interpretar alguma coisa indefinível.

O.H.: Qual foi o ponto que você deu no personagem?

G.F.: Acho que o grande barato foi esse. Fui muito feliz, no final da peça, ao notar que não defini o que eu faria. Porque se eu tomasse uma opção para o meu Bartleby, se eu escolhesse uma, eu ia acabar induzindo o espectador a ir por um caminho determinado. E era exatamente isso que não poderia fazer. Não coube ao Melville fazer isso, como eu faria. Agora, como fazer isso no teatro? Há 15 dias da estreia, cheguei para o João (Batista, diretor da montagem teatral) e disse que não sabia o que fazer. E quando entendi que o que eu tinha de fazer era não fazer alguma coisa, que é diferente de não fazer nada. Era não fazer algo, porém também não fazer nada. Agora, depois da temporada, notei que era esse caminho labiríntico que eu precisava ter feito mesmo. Ver cada pessoa com uma impressão após o espetáculo me causou muita felicidade. E o João (Batista, diretor) é totalmente co-responsável por esse acerto. Ele parece, às vezes, um guruzinho porque meio que sabe exatamente o que vai acontecer lá na frente. Ele vai guiando e as coisas chegam aonde devem chegar. Ele foi muito parceiro e cúmplice dessa construção enigmática e labiríntica que foi o Bartleby. Agora, só para completar, o Bartleby não é vazio! Passam-se muitas coisas dentro dele. Se eu o fizesse esvaziado ou doidinho, essas seriam as únicas leituras possíveis. Ele tem que fazer alguma coisa sem que esta coisa seja exteriorizada. Sem dizer: “é isso!”. É como se nessa xícara você saiba que tem algo dentro, mas não sabe o que é. Eu preencho o Bartleby com algo que nem eu sei. Ninguém pode saber o que é, nem eu! Se na xícara tiver chá de limão e eu souber que é chá de limão, posso te dar a dica de que tem chá na xícara. É totalmente abstrato! Ando na corda bamba o tempo inteiro ao fazer Bartleby.

O.H.: Nossa, foi uma tarefa e tanto!

G.F.: Sim, muito complicado. Ainda mais que estamos acostumados a pensar que o ator atua. E você expressar algo que não quer definir é um desconserto. É desmontar o que o ator está acostumado a fazer.

O.H.: Como é conseguir achar o olhar desse personagem?

G.F.: Poxa, achar o olhar é uma coisa louca! Às vezes, no ensaio, a gente fazia algumas demonstrações, alguns esboços e o João sabia dizer na hora exata: “não é esse o olhar dele”. Quando o olhar estava do jeito certo, o João não sabia explicar que jeito tinha aquele olhar certo. Mas, quando eu olhava errado, o João sabia, em suas referências, dizer com o que o meu olhar estava parecido. (RISOS). Foi ficando claro que era para parecer algo que não fosse possível de identificar. E pra conseguir entender isso, cara?

O.H.: Para você difere muito a atuação entre cinema, TV e teatro?

G.F.: Difere. Mas, eu acho que só consigo entender essa diferença depois. É um entendimento que não é racional. Eu sei que tem diferença. Acho que são experiências que têm uma intersecção que se visitam, só que ao mesmo tempo são extremamente diferentes. Se tem uma coisa no teatro que é totalmente e radicalmente diferente é a experiência com o público. É saber que você está fazendo algo junto com quem te assiste. Você saber que o que está sendo apresentado está acontecendo no mesmo momento dentro da plateia e dentro do seu corpo. É um corpo só. Enquanto que no TV e no cinema, isso só acontece com quem você contracena e com a câmera. No cinema, a gente contracena com a câmera de certa forma. É a câmera que faz a ponte com o espectador. É um tipo de experiência completamente tecnológica e também louca! (RISOS). A energia que um ator e sua equipe vivem é captado pela câmera, ela imprime frame a frame a sua emoção gerada naquela cena e envia isso para o espectador. Eu acho o teatro, por ser mais simples, muito mais sofisticado justamente porque não há aparelhos nem ciência. É uma ciência do acreditar. Quando você, publico, se permite rodear pelo o que ocorre no palco, está acontecendo um fenômeno ali. E isso ainda se dá, felizmente, no século XXI. Algo de muito sagrado e profundo é compartilhado entre o que ocorre no palco e na plateia. Acho que, futuramente, no século XXII, os homens terão saudade dessa proximidade. Vão querer isso de volta. Atualmente, as pessoas estão inebriadas pela experiência com a imagem. Acho que, mais tarde, as pessoas irão voltar a querer ter essa experiência pessoal e emocional. O teatro é isso! Ele não é ensaio, o teatro – a experiência teatral – acontece com o público.

GUSTAVO FALCÃO fala sobre a experiência de filmar " A Máquina "

O.H.: Como foi a experiência de fazer o filme “A Máquina”?

G.F.: Ah... (pensativo) fazer o filme foi uma coisa tão especial para mim. Mais até que a peça. Porque o filme incluía a peça e o livro. De certa forma, o filme fechou um ciclo, uma história de “A Máquina”. Foi um registro de um período de vida na história da gente. Na minha história, na história de Lazinho (Lázaro Ramos), de Wagner (Moura) , de Karina (irmã de Gustavo), de João (Falcão), de Adriana (Falcão), de Vlad (Brichta). Então, interpretar o Antonio foi muito especial. O rumo que nossa vida juntos tomou foi muito fantástico. Viramos irmãos. O que esse filme gerou de desdobramentos foi absurdo. Lazinho foi fazer Madame Satã, Wagner foi fazer filme também.... sabe? Tudo isso meio que já estava escrito. Foi mais um momento inspirado do João (Falcão). É um filme que consegue, como muito poucos, possuir uma energia absolutamente cinematográfica e teatral, sem que uma negue a outra. É de um arrebatamento poético louco! Nada se exclui nesse trabalho.

O.H.: Algum momento marcante contracenando com Paulo Autran?

G.F.: Ah, tiveram vários, cara, vários! Fumamos vários cigarros juntos, conversamos muito. (pensativo) Vai ficar um pouco cafona falar isso, mas... olhava o Paulo Autran e percebia que, no cheiro dele, no jeito como ele olhava, que a sua vida era totalmente dedicada ao ofício dele, ao teatro. À arte. E isso está cada vez mais raro de um ator ter. Era difícil olhar para ele e não ver isso. Paulo tinha uma história de vida dedicada ao teatro. Tanto no pensamento quanto nas ações. Ele tinha um talento sensacional. Um talento que vinha e se sustentava por essa dedicação e paixão incondicional que ele tinha pelo teatro. Isso me inspirava. Era muito bonito de ver. Quando ele gravou, a gente notava o seu corpo já velinho, mas quando ele ia para a cena, algo acontecia. Ele se engrandecia e você dizia: nada pode ser maior do que isso.

O.H.: Para você tem alguma fronteira entre arte e entretenimento?

G.F.: Sim. Eles estão muito misturados. Agora, você se entretêm batendo um papo, andando de bicicleta. Agora, arte requer outras coisas. Muitas vezes arte pode também entreter como também pode não entreter em nada. Arte pode incomodar, inclusive, desentreter. E talvez a gente viva uma crise da identidade disso. Existe um problema que é o seguinte: a gente começou a criar um modelo de produção, de gestão de projetos culturais que envolve quase uma auto-suficiência do projeto. Antes, era muito claro o percurso das coisas. Você fazia uma peça com a grana do banco. Depois, pagava com a bilheteria. Hoje, tudo mudou. O viés comercial cresceu muito e gerou em nós outra coisa. Você quase não consegue, hoje, conceber um projeto sem patrocínio. Acho que a gente precisa pensar. Mas, sem nos paralisar. Existe uma outra questão: o patrocínio, a longo prazo, tem outra natureza. O patrocinador de hoje não é um mecenas. É um investidor. Espera retorno. Espera ganhar dinheiro com o artista; hoje ter público acaba sendo um compromisso. Tem que dar a tal bilheteria. Quero dizer que houve um crescimento dessa arte comercial. E a arte que é chamada mais de arte autoral, que é mais abstrata e experimental e que, eventualmente, atrai menos público, foi ficando um pouco em xeque. Por isso, é muito difícil um projeto sem pensar patrocínio, sem pensar público alvo sobreviver. Nesse sentido, como chegar num bom número de público? Como aprofundar? Agora, falta um monte de coisas. O Brasil é um país onde a distribuição social e cultural é assimétrica. Difícil você pensar que uma pessoa que ganha um salário mínimo venha fazer aulas de acrobacia, por exemplo! Ou pagar R$10 para assistir a uma peça de teatro. Agora, tem também a questão da arte ainda ser vista, no Brasil, como um produto supérfluo. Arte tem que ser estruturada na vida de uma pessoa desde pequena.

O.H.: Como nasceu a ideia do Lunático Café, Gustavo?

G.F.: Essa ideia veio muito de Juliana (esposa de Gustavo Falcão). E eu comecei a dar aula de acrobacia junto com ela. E eu acho que a gente foi percebendo o potencial do nosso trabalho. Não só pela técnica, mas o nosso trabalho estava proporcionando uma vivência artística para as pessoas. Sempre buscamos, dentro da técnica, emergir uma expressividade próxima à teatralidade. Aqui, a gente tem aula de ballet, acrobacia e música. É muito legal você ver um médico, um advogado, um publicitário indo para o palco fazer acrobacia! Os caras nunca iam vivenciar isso. Isso é se reinventar. Quando é que eles passariam por aquilo? Eu e Juliana, vendo essa transformação, pensamos em abrir mesmo um espaço. Fora isso, algumas circunstâncias nos levaram a isso.

O.H.: E por que o nome Lunático?

G.F.: Isso foi uma viagem da Adriana Falcão. Nós juntamos toda essa vivência que tínhamos com alunos mais o sonho da Juliana. Juntamos dez pessoas para abrir o centro cultural! Eu, Juliana, Wagner (Moura), João (Falcão), Adriana (Falcão), Vladimir (Brichta), Lázaro (Ramos), Bruno Garcia e Lucio Mauro Filho e o Zé Britto. Mas, nós tivemos que reduzir o plano. Eu e Juliana nos juntamos ao João e à Adriana. Num brainstorm da vida, buscamos algo que estivesse fora do chão. E aí, um dia, Adriana teve o lampejo do nome Lunático. É um nome gostoso de você falar. E tem relação com lua. Eu gosto muito.

Equipe O HÉLIO trabalhando

O.H.: Como é que essa beleza da arte entra no mundo político? Qual é a sua visão sobre a política?

G.F.: As políticas culturais estão em desenvolvimento, estão se estruturando. Acho bom o artista ter, no mínimo, uma vaga noção. Até porque, não só para entendermos o que está sendo feito com a arte, é preciso você ser cidadão, ser trabalhador. Hoje estamos vivendo um fenômeno, por conta da modernização pela qual o país está passando, o artista está ficando cada vez mais empreendedor dos seus projetos. Então, tem muita gente produzindo, montando espaços culturais, como é o meu caso, o caso do Nanini, do Guindane etc. É claro que a essência criativa do artista é caótica e não cabe à política. O barato de hoje é você conseguir conciliar. Ou seja, não perder a loucura, a abstração, mas também saber onde pisa. Eu não sou um descrente com a política não, só com algumas pessoas da política. O governo Lula, devido ao político que o Lula foi e é, uma figura fascinante, deixou o jogo político ser prazeroso demais. Talvez, esse prazer pelo jogo político, tenha feito emergir esse fisiologismo, essa corrupção toda. O Lula cruzou fronteiras que muita gente não cruzou. Por outro lado, expôs a flor da pele uma característica, um hábito terrível da política brasileira que é o fisiologismo político. Ele melhorou muita coisa, mas a reboque fez emergir um monte de falhas. Hoje, está muito difícil dizer: “eu acredito no PT”. Então, hoje prefiro acreditar em pessoas bacanas do PT, sabe?

O.H.: O que você tem a dizer sobre o teatro de rua?

G.F.: Acho lindo, acho um negócio super difícil. Eu já fiz. Há uma potência no teatro de rua que é uma energia arcaica do teatro. Me faz sentir o teatro medieval. Teatro de rua é comunicação olho no olho. O teatro italiano, por sua vez, criou uma outra relação, bem diferente da relação do teatro de rua.

O.H.: Como é que você se despede dos seus personagens?

G.F.: Na verdade, eu não me despeço não. Eu vou deixando ele ali. Com calma, ele sai ou depois volta (RISOS). Bartleby, Antonio e tantos outros personagens. O personagem ganha uma certa autonomia, pelo menos para mim. O que eu vivi interpretando o Antonio da “A Máquina” vai ficar comigo para sempre. Os meus personagens se realizaram junto com o público, com os espectadores. Eles não se encerram em mim. Os personagens vivem apesar de mim. Eles estão em algum lugar. E a experiência que compartilhamos é uma coisa que fica gravada. Na minha alma, no meu corpo, no meu coração. E na memória. Agora, o Bartleby, tenho a sensação de que não vou encontrá-lo mais. Eu acho que ele, talvez, deixe de existir. Será que ele deixa de existir porque eu deixo de acreditar nele? Não sei... (RISOS). O que fica comigo é todo esse registro que está dentro e que vai ficar comigo para sempre.

Com imensa e bela sensibilidade, Gustavo Falcão demonstra estar a serviço da arte, e ter nessa manifestação a essência de sua humanidade; a certeza de que é vivo e transformativo como ser humano e como ser ator.

LINKS RELACIONADOS:

www.youtube.com/mrohelio

Banda BLACK VIPER - a amizade faz Rock

2011-07-26T09:17:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: Divulgação
Revisão Textual: Paulo Cappelli

Após algumas tentativas de estabelecer uma banda de rock diferenciada e com uma equipe bacana, coesa, Cristiano Gadelha junta-se aos seus amigos de escola para formar um novo trabalho: a Black Viper. Banda inspirada no hardrock, passando pelas influências várias das vertentes do rock e também da musicalidade brasileira, eles flertam bem com o trabalho conjunto, sendo o processo de composição da banda algo democratizado, construído mão a mão entre o Cris (Cristiano Gadelha), o baixista ( Henrique ou Baiano), o bateirista (Frederico Beltrão) e o guitarrista ( Esteban ).

Todos oriundos do bairro de Copacabana, Rio, eles conversam com O HÉLIO e comentam como é se lançar com rock num ambiente tão "sambístico" e alegre; falam das suas já consolidadas conquistas - 38 mil views no myspace, primeiro lugar no ranking deste site das bandas mais ouvidas, além de ganhadores do prêmio " a banda do mês de Junho", do site Rio Rock Zone. Com público eclético em nacionalidade, o quarteto afirma produzir um som simples e elaborado e mostra que o rock é de muitos ouvidos.

Por que o Rock como marca de trabalho?

Cris: Todo mundo aqui gosta de rock. Nós quatro estudamos no mesmo colégio, o Sagrado Coração de Maria. Anos depois, nos reencontramos e a vontade de tocar junto também veio junta.

Frederico: O bacana do rock é que você pode colocar qualquer coisa nele, misturar, que o som acaba saindo bom de ouvir. Dá muita abertura. A gente, por exemplo, já colocou baião dentro do rock. O Brasil tem uma bagagem musical excelente.

A gente está em Copacabana, bairro rotulado como bairro do samba. Como vocês enxergam a produção de outros gêneros aqui em Copacabana?

Cris: Aqui tem vários barzinhos com a galera produzindo música, mesmo que seja mais animada.

CRISTIANO, vocalista da Black Viper

Esteban: Na verdade, colocando a gente como exemplo, é muito difícil recebermos convite de algum show para fazer aqui no bairro. A procura é por outros estilos.

Frederico: Aqui não tem uma festa sequer que o estilo seja rock em sua maioria.

Esteban: A gente acaba tendo que sair para outras cidades, outros estados para tocar. Aproveitar festivais e tudo o mais.

Cris: Nós somos de Copacabana e ainda não conseguimos tocar aqui. (RISOS)

Frederico: O Rio é uma cidade que gera inspiração. Aqui, qualquer estilo se encontra.

Qual outro lugar da cidade acolhe mais o rock?

Cris: Baixada Fluminense.

Frederico: Duque de Caxias, Nova Iguaçu...

FREDERICO, baterista da banda

Já tiveram um show marcante na Black Viper?

Cris: Olha, o último show que fizemos em Botafogo foi bem legal.

Frederico: Na verdade, essa formação da Black Viper, só fizemos dois shows. Esse segundo foi melhor que o primeiro.

Esteban cita o evento MotoRock, no qual ele teve oportunidade de tocar. Diz que nesse local há um público grande, um evento bem organizado.

Vocês pretendem voltar a esse evento do MotoRock?

Cris: Se o ENEM deixar... (RISOS)

Vocês tem alguma meta para a Black Viper?

Frederico: Antes de mais nada, nós queremos nos divertir.

Esteban: A gente começou meio que no instinto mesmo. As pessoas gostaram do nosso trabalho, e isso nos motiva a continuar.

Frederico: Nossa preocupação primeira é se divertir mesmo. Fazer nossa música porque as pessoas gostam. Acho que você não pode forçar a barra em função social. Acho que a gente, com 19, 20 anos de idade não temos nada para protestar por enquanto, nem experiência para isso.

Cris: Eu tenho o que protestar: os bueiros da Light! (RISOS)

E a meta como músico?

Baiano: Sendo muito sincero, eu nunca achei que nós fossemos entrar numa banda para subir. O que difere a Black Viper das outras bandas é que o nosso laço é muito forte, nós somos muito amigos. A gente nunca nem chegou perto de briga. Isso fortalece nossas bases. O primeiro ensaio da formação inicial já foi bem bacana, excitante eu diria.

Cris: É verdade, tudo ficou tão certinho. Aí a gente disse: é, vamos fazer.

Baiano: Você não sabe o orgulho que é entrar no myspace e ver que 48% dos seus ouvintes estão na Califórnia. Para mim, aquilo foi emoção em dobro, maior do que qualquer grana.

Frederico: E quando a gente fala que o principal é nos divertir, quer dizer também que qualquer coisa que vier, é lucro. Claro que há a questão da ordem prática: o dinheiro. A gente tem gastado bastante coisa. Seria bom ter um retorno (RISOS).

E sobre algumas declarações de pessoas que ainda taxam a figura “roqueiro” como vagabundo, drogado, agressivo?

Frederico: Olha, isso não se encaixa para nós. A banda é totalmente tranqüila, alegre. Roqueiros não só se matam ou berram.

Cris: Quanto às drogas, eu sou viciado em coxinhas de galinha (RISOS)

Baiano: A nova cara da Black Viper é muito paz e amor. Eu ficava muito chateado, particularmente, quando tinha cabelo grande. Se você tem cabelo grande e curte rock, é maconheiro. As pessoas carimbam logo. Isso é muito chato.

A escolha do figurino da banda passou por essa ideia de trazer uma sobriedade diferente do que geralmente se vê na vestimenta rock?

Baiano: Nossa primeira ideia foi tirar foto em posto abandonado dentro de uma kombi. Mas, isso seria obvio.

Esteban: Na verdade, foi tudo inesperado, inclusive o lugar em que nós tiramos as fotos.

Frederico: Era para dar tudo errado, mas no final deu tudo certo.

Cris: No começo, a gente ia tirar as fotos no prédio que o Eike Batista comprou lá na Praia do Flamengo. Mas, fomos barrados pelos seguranças.

Frederico: Aí, a gente foi obrigado a tirar as fotos no Aterro do Flamengo. E ficou bom! Fugimos do soturno.

Como é que vocês se classificariam dentro das vertentes do Rock, se é que isso é possível de mensurar?

Baiano: Eu, particularmente, tenho uma vertente metal muito forte. Tirando o Fred, o Cris e o Esteban também bebem dessa fonte. Eu considero a banda Black Viper como hardrock. Não chegamos a ser metal, mas é um quase metal.

Cris: Eu sinto que a gente é uma banda de hardrock. Mas, não um hardo rock clássico estilo Van Halen, entende? As pessoas até confundiam isso no começo. Deixava claro que a gente tocava outras coisas.

Esteban: Eu sempre toquei metal, mas é claro que outras influências se misturam. A nossa proposta é muito diferente. Nunca toquei nada parecido.

Baiano: A prova de que a Black Viper não é metal é que conseguimos agradar todos os tipos de ouvidos. Minha avó gosta da Black Viper! Metal não agrada a muitos, sabe? Em termos de massa quero dizer.

Frederico: Acho que a gente agradou a muitos porque nossa música é simples, direta. E bonita. Parece complexa, mas não é. É um simples elaborado.

Como é o processo de composição de vocês?

Baiano: Sendo bem sincero, as nossas duas músicas devemos muito ao Cris (vocalista). Ele foi o criador dos hits principais, mas as músicas acabam tendo a cara de todos os integrantes.

Cris: As músicas da primeira banda (Speed King) eram muito diferentes. Eu nem considero aquilo música compartilhada, porque só eu que metia a mão e fazia. Com todo respeito aos caras da banda. Agora, quando a banda foi refundada e se tornou Black Viper, a coisa mudou. Cada um de nós dialoga e interfere no processo de composição.

Mas, como é que você constrói a letra, Cris?

Cris: Eu começava a escrever sobre qualquer assunto no caderno do colégio mesmo. Isso nas primeiras composições. Eu também estava de saco cheio de toda a banda que formava sair gente. Isso cansa. Então, minhas primeiras composições tinham a ver com essas angústias e com o desejo de querer tocar o que eu gosto com um grupo realmente formado. Isso sempre foi um sonho. Aí, fiz uma letra sobre isso. Agora, atualmente, o meu processo de composição é com todo mundo.

BAIANO, o baixista.

Esteban: Acho que o que mudou foi isso. O Cris fazia tudo no processo de composição. Agora, todo mundo desenvolve tudo.

Cris: E eu nunca quis ter carreira solo. Agora, nós somos o solo. (RISOS)

Esteban: Ninguém aqui tem pretensão de ser algo mais do que o outro.

E a visão de que o bateirista e o baixista não são os mais importantes da banda?

Frederico: Isso me irrita profundamente. Não existe nenhuma banda, em qualquer parte do mundo, que não tenha uma base rítmica que flerte com a bateria e com o baixo. Até o cara do violão clássico vai precisar. Tem pessoas que tocam bateria e tem pessoas que são bateristas. Tem muita gente que faz barulho e não faz música. O baterista, no seu verdadeiro ofício, é a base rítmica da banda.

Baiano: E sobre o baixo, muita gente vem me perguntar: “onde é que está o baixo?” Eu dou sempre o meu exemplo do barco. A guitarra, o teclado e o vocal ficam no convés do barco – que todo mundo vê. A bateria está no motor do barco. E o baixo, onde fica? Ele não está no barco, ele é o oceano – rodeia a banda. Se você tirar o grave, o seu agudo se distorce.

Frederico: Exatamente. Tudo precisa estar ali, nada é por acaso. Uma coisa que eu admiro numa banda é quando o baixo e a bateria ficam casadinhos. Foi o que eu disse lá trás, o rock é um estilo que você pode colocar muita coisa nele. Samba, saxofone (a exemplo, o Pink Floyd com saxofone, que é maravilhoso). Você juntar o folk com rock também fica maravilhoso.

Como vocês analisam os fenômenos Restart, Luan Santana?

Frederico: Acho que é o fordismo musical, daqui a pouco passa.

Cris: Bem, na minha visão são fenômenos do momento, sabe?

Frederico: Isso é produção em massa musical. Pega uns caras bonitinhos e que tocam alguma coisa. Acho uma coisa sem originalidade. Muito óbvio.

Cris: E não precisa ser óbvio para atrair pré-adolescentes. Eu mesmo recebi um email de uma menina de São Paulo de 13 anos que elogiou muito a nossa banda.

ESTEBAN, guitarrista

Frederico: Esses fenômenos são totalmente voltados para o mercado. Se daqui a alguns anos eles sumirem, aí terei certeza de que foram só linha de produção, só fordismo musical. Mas, caso eles perdurem, vão ter algum valor sim que a gente ainda não conseguiu ver.

Rock brasileiro. Como analisam?

Esteban: Nós como banda não nos identificamos, não temos como influência o rock nacional.

Baiano: A música do rock nacional é muito boa, embora não nos agrade como influência. Conseguir se firmar com música no Brasil é muito complicado. Não só o rock nacional, como a MPB tem o seu valor absoluto.

Cris: Acho que o rock nacional vive um momento meio capenga. Porque o público do rock, aqui no Brasil, está meio complicado.

Frederico: Acho que o Brasil é um caldeirão de diversidades musicais, e o rock acaba não conseguindo se destacar. Tem coisas no Brasil, em termos de rock, que são muito boas, mas não reconhecidas. Se a gente for citar o Tim Maia, Ed Motta, poxa, são maravilhosos com a mistura do soul, samba, jazz. Tem outra coisa: os próprios brasileiros não valorizam o rock brasileiro. É a ideia de que tudo o que vem de fora é melhor.

A internet entra nessa história como facilitadora para vocês?

Esteban: Primeiro é que os sites estão no nível global, a nossa divulgação não é só no Brasil. E é de graça, isso facilita muito.

Frederico: A internet, na minha opinião, trouxe mais benefícios para a música do que malefícios. Quem se ferrou mesmo foram as gravadoras. O que mais dá dinheiro para a banda é o show. O cara grava um disco para ter um material de promoção do show.

Baiano: Eu acho que CD, atualmente, é puro simbolismo. No show é onde mora a verdade do artista.

Frederico: Todo mundo baixa música, ninguém vai acabar com essa nova relação. Então, o CD acaba se tornando objeto de colecionador. Em 1990, por exemplo, como você ia arranjar um disco de uma banda japonesa? Hoje, rapidamente, você põe no Youtube e ouve. Seleciona o que você quer escutar. Acho que o mercado fonográfico não acaba, mas vai mudar a maneira de se transmitir música e os parâmetros de boas quantidades de venda vão cair.

Baiano: Eu acho ofensivo colocar uma música sua na internet, o cara escuta 30 segundos e se ele quiser ouvir mais, vai ter que pagar R$1,99. No nosso caso, a gente quer sair no zero a zero. Queremos tocar a nossa música. E, se você pode pagar pelos nossos shows, ótimo.

Frederico: O propósito da música é divertir.

Baiano: Se a Black Viper for fogo de palha, já valeram os seis meses maravilhosos em que nós estamos na banda.

Frederico: Por outro lado, eu não quero ficar famoso.

Baiano: A gente já ganhou palavras que superam cachês. Você ouvir de um cara experiente em rock e ele falar: “Essa banda traz algo que eu não escuto há muito tempo no Brasil”.

Frederico: Teve uma menina da Indonésia que elogiou muito a banda!

Qual a fronteira entre entretenimento e arte?

Cris: Toda a forma de arte vai te entreter se você considera aquilo arte. Acho que está aí a questão.

Vocês têm um planejamento de show?

Frederico: Estamos abertos à proposta!

Baiano: Eu queria levantar uma questão. Tenho ódio de gente que quer ganhar dinheiro em cima de banda de garagem.

Cris: É verdade, rola muita picaretagem em evento de bandas undergroud. O cara chama a gente pra tocar e a banda, naquela ânsia de querer tocar, a gente aceita. E o dono do espaço exige que a gente venda para ele 50 ingressos a vinte reais. Aí, você chega no lugar, ele ta todo ferrado, a bateria andando, o som uma merda, sabe? A divulgação é nenhuma e o cara pode cortar o seu show.

Esteban: E, infelizmente, os festivais de rock do Rio seguem esse estilo. Os melhores estão fora da cidade do Rio e até do Estado.

Cris: E a banda que investe nessas coisas, está matando o seu próprio trabalho. Porque investir num show picareta que não dará retorno é burrice.

Baiano: Nós já chegamos a 38 mil views no myspace. Isso é bom registrar.

Frederico: É bom lembrar também que a Black Viper chegou no primeiro lugar da mais pouvida no ranking do myspace. Ficamos ao lado de bandas como Iron Maiden. Isso mostra a potência do nosso som. Mas, infelizmente, tomamos uma trolada do myspace. Deu erro no HTML.

Baiano: E nós que fizemos todo o layout do nosso myspace. Tem banda que paga R$900 para fazerem layout. Não precisa. Vamos se esforçar! Se podemos dar algum conselho, é determinação.

Esteban: A gente pesquisa muito, olha tudo. Investimos grana em divulgação, enchemos o saco nas redes sociais, além de comprarmos novos equipamentos.

Cris: O principal do som da gente é que a energia que a gente passa de sintonia no estúdio passa para o ambiente do ao vivo. E estamos melhorando cada vez mais nosso desempenho ao vivo.

Esteban: Todo nosso show a gente costuma gravar para ver onde é que estamos errando ao vivo. A gente testa o lugar antes, temos toda a matemática na cabeça.
Qual o recado para o público de vocês?

Cris: Muito obrigado!

Baiano: A gente quer, antes de terminar, chamar pessoas que toquem teclado, que sejam tecladistas para fazer um teste com a gente. Quem se identificar com nosso som, por favor, mandem email para nós: bandablackviper@gmail.com Nós estamos querendo e precisando de um bom tecladista. Manda telefone que a gente combina e estamos dispostos a fazer essa parceria.

Cris: Lembrando que estamos abertos a shows e festivais. Mas, não pagaremos pra tocar, isso não. O contato para shows é pelo facebook, myspace, pelo telefone: 9343-6634 ou email. Estão todos conectados sempre.

Baiano: Inclusive, queremos agradecer ao site Rio Rock Zone. Concorremos como a banda do mês de Junho e ganhamos. Nós concorremos com várias bandas do Brasil excelentes.

Baiano: A mensagem é obrigado, thank you, merci bocu, arigatô, todo mundo que nos ouviu, dentro e fora do Brasil, para nós é um orgulho muito grande. E continuem curtindo.

Frederico: A verdade é que são os fãs que nos movem. Não tem motivação maior do que as pessoas gostando do que a gente faz.

Com notório profissionalismo, a banda segue rumos assertivos e comprova que o laço, a amizade, traz maturidade e - no caso deles - faz rock. Realiza música.

LINKS RELACIONADOS:

http://www.myspace.com/blackviperofficial
http://www.riorockzone.blogspot.com/

A CANÇÃO COMO RAINHA

2011-07-10T18:42:00.000-07:00

Por Pedro Paulo Rosa
Foto: Lucas Conrado
Revisão Textual: Paulo Cappelli

O cantor e compositor César Lacerda

O músico César Lacerda, ou seria melhor percebê-lo como cancionista (?), nos cede um rápido bate papo numa livraria em Botafogo, abordando principalmente que não tem uma “luta pela tradição”. César diz que A canção existe e sua maneira de existir é muito natural. E que ele possui uma admiração profunda por esta manifestação humana de produção de cultura e arte. Com visões que podem parecer polêmicas, o compositor se declara um amante de Minas Gerais e enxerga Belo Horizonte como o celeiro de um novo horizonte para a produção original da canção no Brasil.

Na segunda parte da nossa entrevista (que será postada em breve aqui no Blog), vamos falar dos projetos musicais de César Lacerda com mais profundidade. São muitas as ideias e reflexões desse velho jovem pensador da arte musical.

O HÉLIO: Onde tudo começou no RJ, César? E porque do desejo de juntar-se a outras pessoas?

César Lacerda: Tenho um trabalho com a Luiza Brina (cantora, compositora e multiinstrumentista mineira), que se chama Lu e César (www.myspace.com/luecesar). Mudei-me para o RJ há quatro anos, e quando ela se mudou para cá, passamos a nos encontrar regularmente para compor. O que resultou destes encontros vai sair agora em disco, no segundo semestre. Nasceu daí, a ideia de juntar toda a galera da minha geração em Minas. Uma forma de catalogar, cartografar a geração, o que é, em si, pragmaticamente ou, do ponto de vista da logística, uma irrealidade. Vem daí o show Por um passado musicável: notícias numa fita, que é a junção minha, da Luiza Brina e do Luiz Gabriel Lopes (da banda Graveola e o Lixo Polifônico). Esse show se deu da seguinte forma; encontramos via internet para compor todas as canções, via skype mesmo. Depois nos encontrávamos para ensaiar e tocávamos. Nessa, já fizemos Rio de Janeiro, Belo Horizonte e São Paulo. Onze shows ao todo. É inclusive importante dizer aqui que, atualmente, a banda mais importante do cenário é o Graveola e o Lixo Polifônico. Eles vão lançar no segundo semestre o segundo disco (e meio). No disco uma parceria minha com o Luiz Gabriel.

O.H.: E aí, você e Luiza...?

César: Daí, foi natural. A coisa aconteceu. Tanto eu quanto a Luiza acreditamos num tipo de produção que é essa do agora. Que envolva o agora. A gente senta em casa e produz a música. Não tem percussão, a gente bate numa panela. (RISOS) Não tem guitarra? Então, vamos gravar com violão. Por exemplo, em um dos encontros havia uma obra de construção de um prédio que nos incomodava muito! Resolvemos, vencidos pela obra, a abraçá-la e a colocamos na música. É isso: como que o ambiente pode interferir na produção e o que se extrai disso.

O.H.: E você sempre carrega um pouco de B.H. em seus trabalhos.

César: A gente sempre carrega alguma coisa do lugar de onde a gente vem ou passou. É o nosso código genético natural.

O.H.: O que tem lá de tão especial?

César: Belo Horizonte foi... Bem... A coisa começa assim: De repente, levados pela noção de que muitos novos compositores estavam compondo e querendo mostrar aquela produção pra um público, juntou-se um monte de gente pra fazer música em conjunto. E juntou mesmo! As pessoas perceberam uma necessidade de escoar aquela produção e começaram a fazer shows, discos, filmes, livros em conjunto. Daí, dos encontros no "Reciclo Geral" que nasce o disco mais importante pra essa nova geração; o A Outra Cidade de 2003. Que é um disco (manifesto) importante. Que quer, por um lado, escoar essa produção mas por outro, e mais incisivamente, pretende formatar, inventar um porque de criação artística que reafirme o sentido da produção cultural e a relação disso com a cidade. Isso acabou gerando uma constatação de que era e é viável produzir canção com um leque variado de pessoas, de músicos e com uma relação com a cidade bastante enriquecida e formadora. É a relação cancional interagindo com a cidade. Isso é muito peculiar. Ao mesmo tempo em que se tinha uma relação clara e óbvia com a coisa da cidade e da produção anterior, havia também uma negação. Não pretendia plasmar sobre a canção as mesmas identidades anteriores; do Clube da Esquina ou mesmo do pop dos anos 90. Eu falo disso neste artigo aqui: http://phiattro.blogspot.com/2011/02/sobre-outra-nova-cidade-e-invencao-da.html. Ou seja, o que tem de tão especial em Belo Horizonte hoje é que se conseguiu entender que essa lógica mundial de compartilhamento pode ser levada ao extremo. Então, hoje o cara da banda de rock junta com o cara da banda de pagode e faz um Carnaval. Inventa um Carnaval. Lá não tem essas barreias como aqui no Rio: “a galera do samba” x “ a galera da bossa nova” x “ a galera do forró”. Em BH, existe a galera da música. A galera da Arte.

O.H.: Como é, sob seu ponto de vista, todo esse processo aqui no Rio de Janeiro?

César: Aqui no Rio, as estruturas estão muito sólidas no sentido ruim. Acho que o Rio, por conta talvez da imensa beleza da cidade, esses espaços do fazer artístico foram sendo segmentados de maneira muito estanque. Por exemplo, o samba é uma invenção. Não é uma produção genuína. Ou melhor, é uma produção que morreu atrelada à necessidade de ser genuína. Essa genuinidade que é vendida no Rio é falsa porque é apenas turística.

O.H.: Como assim?

César: Esse espaço da morena, do samba, do Carnaval, é muito consolidado aqui. E eu não sei até que ponto isso é genuíno. O cara do samba, aqui no Rio, nunca vai dialogar com o cara que faz rock. A produção deles não vai vazar para nenhum lugar. Porque eles estão enquadrados, preenchidos por essas lógicas de “tradição e repetição”. E a repetição pode levar a um lugar que é pouco genuíno. Por exemplo, é muito chato você ir à Lapa e ouvir o mesmo repertório. Por quê? Porque aquilo está ligado ao entretenimento. A pessoa não vai lá para ver um show, mas sim para beber cerveja, assim como não vai para assistir a uma peça. As pessoas vão porque precisam ocupar o tempo com alguma coisa que as reconecte com um suposto lugar de felicidade.

O.H.: Qual o problema do público do Rio?

César: Falando assim, me coloco num lugar de acusador e de ressentimento. Não sei qual o problema, de fato. Mas acho que o melhor público do Rio é o pessoal do subúrbio. Das comunidades. É um público ávido, dedicado, respeitoso. Aqui no Rio, você só é visível se sair na foto do jornal famoso, entende?

O.H.: Sua formação?

César: Eu nasci no interior de Minas, numa cidade que se chama Diamantina, e minha mãe estava abrindo uma escola de música para crianças. Ela até hoje toca piano, não tem como parar. E ali que se abrem as fronteiras pra mim. Depois, fui para Fundação de Educação Artística em Belo Horizonte, no fim da infância. A minha formação é em música erudita, por conta da universidade. Por outro lado, há uma tradição da canção brasileira que me puxou. Talvez, a minha formação se dê no entrechoque de informações que existem entre estes lugares; a academia e as mil tradições orais, fonográficas, urbanas...

O.H.: Faz o quê na UNIRIO atualmente?

César: Eu vou me formar como flautista, mesmo não sendo um! (RISOS) Não sou por não querer ser e porque politicamente não sou flautista. Acho brega essa instituição “o flautista”. Porque isso vai de encontro com a minha questão com a canção. Aliás, esse papo de que a canção morreu é mentira, hein!? Talvez o Osama tenha morrido. Talvez! (RISOS).

O.H.: Como encara a questão Ana de Hollanda?

César: Eu quero a Ana fora. Porque ela é fruto de algo que já acabou. Ela poderia ser ministra do Geisel, mas não ministra de uma época pós Gil.

O.H.: O que é a canção, César?

César: Talvez a canção seja tudo aquilo que nos conecte com a terra. Uma reconexão, um refluxo da informação que há entre o nosso trabalho diário de viver e maneira como processamos esta lógica.

O.H.: Algum pensamento que sintetize nosso bate papo?

César: O Roberto Alvim (diretor teatral) falou uma coisa numa entrevista para O Globo que me chamou atenção: É muito duro para o ser humano essa ideia do conhece-te a ti mesmo. Ele, e eu também, gostamos mais da ideia do constrói-te a ti mesmo. Talvez, daqui a 20 anos eu não concorde comigo mesmo. Mas, hoje, aos 24 anos, penso assim.

Guiado por um pensamento filosófico e questionador, César aproxima para si e expande para o seu público discussões inquestionáveis para o modo de pensar arte e de fazer música no Brasil e no mundo.

LINKS RELACIONADOS:

http://www.youtube.com/watch?v=Mw-Q6DbSOS8
http://www.youtube.com/watch?v=Wyamofi-FiQ&NR=1
http://www.youtube.com/watch?v=z5DRyujZCJY&feature=related

BETO GUEDES – a música emocionada

2011-07-05T23:09:00.000-07:00

Por: Pedro Paulo Rosa
Foto: Dimitrius Borja
Revisão Textual: Paulo Cappelli

O marcante timbre de voz do mineiro de Montes Claros voltou a encantar o Rio de Janeiro. Com um show gratuito na cidade, Beto Guedes retomou – numa levada rica em metais e solos de guitarra - clássicos como “ Lumiar”, “ Amor de Índio” e “Nascente”. Além de compositor, cantor e violonista ele transmite em suas canções um verdadeiro encontro entre letra, melodia e dá um fechamento peculiar com sua voz inconfundível.
Tímido, esse músico raro e um dos mestres da nossa MPB divide com a gente um bate-papo acerca do seu processo de composição e da alegria por manter um público fiel e que, cada vez mais, cresce e ultrapassa gerações.

O HÉLIO: Qual é o seu pensamento ao produzir suas canções?

BETO GUEDES: Eu não sou aquela pessoa que anda sempre com violão, tocando, como vejo outros amigos. Mas, o processo de criação é um trabalho qualquer como o outro. Tem que sentar, pensar, procurar até achar alguma coisa. (RISOS)

O.H.: Tem muitos elementos nas suas músicas. Um dos principais, a natureza.

Beto: Nesse show em especial, aconteceu uma coisa: eu estava muito atento à banda e acabei me perdendo. Daí, quando eu me perdi, decidi seguir para frente e depois voltar. Você percebeu que eu fiz um “Lumiar” instrumental? Isso é inédito. É a única vez que alguém fez assim.

A sensibilidade de Beto é percebida em cada momento; o simples sorriso junto com os braços que se levantam para – repetidas vezes – agradecer à plateia e cumprimentar àqueles que cantam em coro suas músicas.

O.H.: Como sente o calor do seu público?

Beto: Ah, acho muito bom. O cara está lá no trabalho dele e sai depois do trabalho, cansado e diz: “quero ver o show dele”. Isso é muito bom. Enfim, a humanidade tem que ser gentil.

O.H.: Você é um otimista, Beto, da humanidade?
Beto: Sim, acho que sim. Mas, também sou uma pessoa detalhista e, às vezes, faço ponderações coerentes. Por exemplo, o uso exagerado da tecnologia. O cara que pagou o mesmo preço que você no meu show pode filmar meu show com celular de câmera e tudo certo. Eu não acho isso justo. Tem alguém que concorda com isso?

O.H.: Tem alguma música em especial que você guarde com mais carinho?

Beto: Eu guardo todas como se fossem meus filhos. É claro que umas marcam mais, ficam melhor gravadas. De repente, o baixista era outro, por exemplo.

O.H.: Como é tocar com o filhão (Ian Guedes)?

Beto: É muito bom! Ele é um bom músico. Estamos caminhando, sempre tentando acertar.

O.H.: Qual o recado para o seu público? Público que, cada vez mais, cresce e se modifica.

Beto: O recado que eu tenho é paz, felicidade e saúde. O resto é adjunto! (RISOS).

IAN GUEDES (baixista) e ADRIANO CAMPAGNANI (guitarrista) também conversaram conosco. Tentaram traduzir a linguagem de Beto Guedes e a sua originalidade como uma das constituidoras da música nacional.

O.H.: Vocês estão há quanto tempo na banda?

Adriano Campagnani--- Eu estou na Banda do Beto tem 13 anos. Geralmente, mantemos a banda em sua composição original. Só quando um músico não pode que substituímos.
Qual é a busca da linguagem do show de vocês?

Ian Guedes --- Ah, cara, tem uns momentos de feeling que o meu pai sente e a gente segue. O show não é tão amarradinho. É muito do Beto.

Adriano --- A gente só sugere. Se ele gosta ou não, a coisa flui a partir daí. Continua ou não.

O.H.: Teve alguma situação inesquecível, uma situação legal de retorno do público como a que hoje vimos aqui?

Ian --- Acho que todo show tem o seu momento. O público do meu pai é muito fiel. A única coisa que pode atrapalhar é se a técnica do local em que a gente ta se apresentando for muito ruim. Porque isso corta a onda dele e a nossa.

O.H.: E como vocês classificariam o atual público do Beto Guedes?

Adriano – O público do Beto já subiu uma geração. Quem ouvia Beto Guedes, seus filhos já o escutam. Então, continuamos com o mesmo astral. O público é muito fiel. Teve um show em Fortaleza, por exemplo, que o lugar cabia 1.500 pessoas e ficaram mais de mil do lado de fora.

O.H.: O que vocês sentem quando executam a música do Beto?

Adriano --- Eu costumo falar que as músicas do Beto são músicas do tempo em que se faziam música de verdade. E não com esse superficialismo atual que só quer dinheiro.

Ian --- Eu também acho isso que o Adriano comentou. Mas acrescento que, na música do meu pai, há muito respeito e arte.
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Contato Dimitrius Borja: (21) 9899-5873 ou dimiborja@gmail.com

MULHERES DE VONTADE

2011-06-24T07:11:00.000-07:00

Por: Pedro Paulo Rosa
Foto: Divulgação
Revisão Textual: Paulo Cappelli

O quinteto “Mulheres de Hollanda”, com sua leveza e harmonia peculiares, cede uma entrevista (por email) para nos falar sobre novos projetos, de como começaram e do desafio de cantar em grupo. O que nos fica evidente, após escuta-las, é a facilidade que todas elas têm com a música, com o encontro do artístico. Entrosadas, as “meninas” de Hollanda escolheram as composições de Chico Buarque como inspiração. As canções desse mestre da música ganham ainda mais charme e beleza nas vozes de Karla, Eliza, Ana, Marcela e Malu.
Hoje, elas estão brilhando os cariocas no teatro Rival, na Cinelândia.

O HÉLIO: Origem. Onde é que tudo começou para cada uma de vocês na música?

- Karla Boechat: Muito cedo, pra mim. Eu comecei a ler música antes de ler letra, comecei no piano aos 5 anos de idade e com 11 já me apresentava em pequenos concertos. Cresci ao lado do meu piano e foi por conta disso e por culpa dele que eu descobri que podia cantar, quando fui obrigada a fazer canto coral pra me formar pelo Conservatório Brasileiro de Música. Nunca mais parei.

- Malu von Krüger: Minha família é toda muito "musical". Tias e tios que sempre gostaram muito de tocar violão e fazer cantoria quando se encontravam. Os tios de minha mãe eram cantores do Madrigal em Belo Horizonte. O avô do meu pai também teve ligações com a música. Lembro muito de ficar ouvindo os discos da Elis e cantando junto. Quando vim morar no Rio ela começou a fazer parte efetivamente com o coral do colégio e outros corais que vieram e foram direcionando a minha vida efetivamente para a música . Acho que "ser cantora" está naquela lista clássica de "o que você vai ser quando crescer?”

- Eliza Lacerda: Começou quando muito criança eu ia aos ensaios do coral da escola em que minhas duas irmãs cantavam. O regente do coral na época me chamou pra gravar um disco de músicas folclóricas pra criança e eu acabei sendo uma das solistas infantis. Depois disso me afastei por muitos anos da música voltando a cantar já adolescente por influência da Malu, minha irmã que não parou de cantar nunca. Acabei fazendo o teste e entrando pro grupo Mulheres de Hollanda.

- Ana Cuba: Para mim foi através do teatro. Assim que me formei na CAL, em 1994, recebi um convite de uma querida mestra, Nara Keiserman, de integar um grupo musical cênico do qual ela fazia parte. Senti a necessidade de ter aulas de técnica de canto e me indicaram a Karlinha (Karla Boechat), por quem me apaixonei e me ensinou muito sobre ser cantora. Incrível, como o meio musical é tão mais receptivo e generoso que o meio teatral, pelo menos comigo o foi.

- Marcela Mangabeira: Comecei aos 13 anos, quando simplesmente "descobri" que cantava, depois que uma professora me ouviu solfejar uma melodia na sala de aula e me pediu que eu a fizesse na frente de todos, para a sala toda ouvir. Nunca soube que possuía um dom 'diferente' até então. A partir daí o que era paixão se tornou vital na minha vida, e hoje eu posso dizer que já tenho 11 anos de estrada profissional na música.

O.H.: Como que o grupo fechou em vocês cinco? Quando disseram: é, somos nós e ponto!

- Karla Boechat: Em 2005. Montei o grupo em 2002, inicialmente com alunas de canto da minha Companhia de Cantores, cantoras do meu elenco de frente. De 2002 a 2005 passamos por algumas (trans)formações e muito amadurecimento. Quando estreamos o primeiro show inteiro, em 2005, já éramos as cinco de hoje e sabíamos que assim seria por muito tempo.

Com admirável maturidade, as “Mulheres de Hollanda” reconhecem os caminhos sinuosos de se construir arranjos para tantas vozes. A equipe trabalha em sintonia na busca de sonoridades diferentes para as composições de Chico. E o resultado final de cada novo arranjo transborda bom gosto.

O.H.: Quais os principais desafios de se cantar em cinco?

- Karla Boechat: não há segredo em ser um quinteto, principalmente em um grupo que vem cantando junto há quase 10 anos. Pelo contrário – há muitas vantagens. Nossos arranjos em sua maioria são mesmo a cinco vozes e isso é muito rico. O desafio do ‘Mulheres de Hollanda’ existe sim, mas no que diz respeito aos arranjos em si. O desafio está na caneta e na cabeça dos arranjadores. Nós somos cinco vozes femininas (não é um grupo misto) e isso dificulta muito o trabalho deles em termos de registro, cor e extensão. Não é qualquer arranjador que consegue escrever para nós. Mas uma vez escrito e aprovado, quando chega pro ensaio é questão de tempo. É bem verdade que sempre que recebemos um novo arranjo começamos uma fase em que odiamos verdadeiramente o arranjador, todos os dias. Mas logo isso também passa (RISOS).

O.H.: Por quê Chico Buarque como pilar das interpretações de vocês?

- Karla Boechat: Minha culpa. Desde menina eu sabia que faria um trabalho com as musicas de Chico e que teria este nome – Mulheres de Hollanda. Eu vi o espetáculo da Tattiana Cobbett (criadora deste nome) na década de 80 dirigido pelo Naum Alves de Ouza, eu era adolescente e nunca me esqueci daquelas imagens. Além disso, sempre me vi fascinada pela facilidade com que o Chico fala na primeira pessoa, no feminino. Como ele sabe o que uma mulher sente? Como uma mãe sente? Não poderia jamais! Mas sabe. Musical e poeticamente é tão brilhante quanto, ele adora a palavra e respeita as melodias. Ou ao contrário e tudo junto. Fato é que nada nesta obra imensa é por acaso, tudo é milimetricamente encaixado. Isso é genial. Minha mãe ‘me nasceu’ e amamentou, ‘me cresceu’ e me criou cantando Chico no meu ouvido. A culpa é dela.

O.H.: São Mulheres ou Meninas de Hollanda? Em que momentos acham que amadureceram para serem mulheres de Hollanda? Pergunto isso porque muitos a chamam, por carinho, de meninas.

- Karla Boechat: Quero ser chamada eternamente de ‘menina de Hollanda’, adoro quando se referem a nós desse jeito tão carinhoso e isso é mesmo muito comum. Acho que vem do brilho nos olhos da gente quando a gente canta, quando a gente fala do trabalho, vem da nossa gana de realizar isso, da nossa luta incansável pra que o trabalho aconteça... criança brilha e não cansa nunca! (risos) Mas somos mulheres hoje, sem dúvida. Com todas as variações de humor e TPMs a que temos direito (risos)

- Ana Cuba: Preciso dizer que fico imensamente feliz por esse carinho que de fato acontece por parte do público e das pessoas que nos conhecem. A estrada de concepção, criação e levantamento de um espetáculo é muito rica e nos faz lidar com nosso emocional, com a qualidade e construção do nosso profissional. Creio que no começo dessa jornada, as "Meninas" estavam mais presentes com seus sonhos e ideais de realidade que continuam a existir, mas que amadureceram junto com cada uma de nós. A realidade da vida de um artista nesse país é por vezes muito dura e cruel. Vermos "bombar” em trabalhos de pouca qualidade e cuidado, é frustrante, mas é um espelho do que é a nossa sociedade. O enfrentamento dessas realidades e as experiências pessoais e profissionais fizeram desabrocharem estas Mulheres. Mas, nunca perdemos o lado menina de cada uma. Este está presente com suas brincadeiras, bom humor, nos fazendo rir depois de um dia cansativo e de uma rotina de ensaios. Renovando as nossas esperanças. As crianças têm essa capacidade.

- Marcela Mangabeira: Difícil isso, né? Até anos atrás essa "transição" ainda não era tão clara na minha cabeça... Mas hoje posso dizer, por mim, que no palco, a mulher é que impera. Apesar de saber que a menina nunca sairá de mim.

- Eliza Lacerda: Hoje são Mulheres, sem dúvida. Quando fiz o teste, o perfil da cantora que entraria não se encaixava com o meu justamente por conta da idade. Eu ainda era uma menina. Mas passei no teste e fui amadurecendo junto com o grupo e hoje somos todas mulheres no palco.

- Malu von Krüger: Acho que o bacana é ser as duas coisas! Meninas e Mulheres. Hoje o trabalho do grupo está mais maduro do que já esteve, o tempo e a prática fazem isso, eu acredito. Já temos mais facilidade de ler os arranjos, de timbrar com o grupo. Já já sabemos o nosso funcionamento juntas.. é igual a qualquer casamento. Só que somos cinco...!

O.H.: Existe alguma lembrança de momento marcante em um show de vocês?

- Karla Boechat: Eu sou uma pessoa que cai, que derruba, que esbarra em cena, fazer o que? Temos alguns episódios tristes (que não sei porque elas acham muito engraçados) que ‘marcaram’ alguns shows de ‘Mulheres de Hollanda’.
Mas seriamente falando, a gravação do primeiro CD/DVD, como um todo, foi até hoje o que mais nos marcou. Naquele momento, naquelas circunstâncias, logo em um primeiro registro depois de cinco anos de tanto trabalho, cantar ao lado do Quarteto em Cy, Zé Renato e Claudio Nucci e ainda com o Cristóvão Bastos ao piano foi de uma emoção que vai nos acompanhar pro resto de nossas vidas. Sem falar que, com tudo isso, nós gravamos tudo em menos de cinco horas! Nós não tínhamos cinco dias de gravação para depois editarmos as melhores partes – nós só tínhamos cinco horas! Fizemos um único show em condições absolutamente adversas e conseguimos aproveitar mais de 90% de gravação corrida. Vc tem idéia?

O.H.: Alguém do quinteto compõe?

- Karla Boechat: Eu escrevo muito, já sonhei muito em ser escritora um dia, talvez quando eu crescer (risos). Por conta disso, tenho uma única música onde eu assino apenas a letra. Nasci em cima de um piano mas sou absolutamente incompetente para criar melodias. Vai entender!?

- Malu von Krüger: Hmm.. não que eu saiba. Talvez por diversão secretamente!

- Ana Cuba: Nada oficial ou rotineiro. Por vezes, gosto de brincar de inventar melodias e letras, mas muito informalmente e sem registros.

- Marcela Mangabeira: Hum... Tenho algumas composições, mas não tenho a vontade de ser compositora nem de gravar essas minhas músicas. Se um dia acontecer, será um processo muito natural.

O.H.: Todo mundo tinha certeza, desde pequena, que seriam músicas?

- Karla Boechat: Eu sim. Quando chegou a hora eu até fiz vestibular para medicina. Sou de uma época em que eu até poderia ser pianista por hobby, mas tinha que ‘ter uma profissão’. Apenas fiz o vestibular de medicina, mas a primeira faculdade que cursei foi de musicoterapia (que era uma profissão, idéia da minha mãe para que eu continuasse ligada ao meu piano e conseguir driblar a exigência do meu pai). Isto terminado, nunca me dediquei integralmente a outra coisa na Vida que não fosse a música, e tudo o que fiz e todos os empregos que tive paralelamente, foram unicamente para conseguir viabilizar continuar estudando e fazendo mais música.

- Eliza Lacerda: Música definitivamente nunca foi uma opção de carreira profissional para mim. Tenho inclusive outra formação profissional. Acontece que a música é soberana, foi mais forte dentro de mim e me venceu. Me formei em publicidade e acabei nunca exercendo a profissão.

- Malu von Krüger: Não. Tive essa vontade e acreditei que seria possível depois dos 15 anos.

- Marcela Mangabeira: Apesar de ouvir muita música constantemente durante toda a minha vida, dentro da minha casa, nunca pensei em ser musicista quando era pequena. Primeiro quis ser bailarina (baseado em quê eu não sei, pois nunca fiz balé! rs)... Depois cirurgiã plástica... Foi um processo gradativo e natural deixar a música e a arte aflorarem em mim. Hoje vejo que foi o melhor que poderia ter acontecido, e tenho muito a agradecer aos meus pais, que nunca me forçaram a seguir outro caminho.

- Ana Cuba: De maneira alguma! Risos! Não era aquela que ficava cantando em frente ao espelho fazendo um desodorante de microfone; minha mãe nunca me inscreveu em programas de calouros ou talentos infantis; não participei da banda e nem do grupo de teatro da escola... Meus pais sempre gostaram de ouvir música, em casa. Gardel, Lupicínio, Noel, Piazzola. Minha mãe cantarola vez por outra em casa, e ficávamos dançando na sala ao som destas músicas. Essas horas em família me agradavam e agradam muito e acho que registrei a música como essa alegria, aproximação, hora feliz... Engraçado como isso aconteceu, mas parece que foi a música que acabou me escolhendo e eu, muito feliz, me entreguei à ela de corpo e alma.

O.H.: Qual é o público das “Mulheres de Hollanda"?

- Karla Boechat: Absolutamente eclético. Adolescentes, casais apaixonados, senhoras e senhores, mulheres sozinhas (muitas) e homens sozinhos (na mesma proporção!). É Chico Buarque gente! (risos) Conto sempre o caso de um rapaz, há tempos, no gargarejo do Teatro Rival, sozinho na mesa, que chorava horrores e alto enquanto a Eliza cantava ‘Mil Perdões’. Foi duro continuar cantando com ele aos prantos. A gente ficou com pena!

O.H.: Atualizem a agenda de shows.

23/06 – TEATRO RIVAL (participação especial de Olivia e Francis Hime)
24/06 – TEATRO RIVAL (participação especial de Lucinha Lins)

19 e 20/07 – SP (gravação do Sr. Brasil – Rolando Boldrin)
20 à 31/08 – turnê em SP passando por Campinas, São Carlos, Santos, Limeira, Ribeirão Preto, Baurú, São Caetano e outras cidades ainda, além de dois shows grandes na capital.

OUTUBRO – Nova temporada no Rio de Janeiro.

O.H.: Como convergem, aliam suas produções com a WEB?

- Karla Boechat: De todas as formas possíveis! Temos um site belíssimo no ar – www.mulheresdehollanda.com.br – estamos no Facebook (como grupo e individualmente), no Tweter, no My Space, no Orkut e no Youtube! Falamos, ouvimos, conversamos e respondemos, pessoalmente, a qualquer pessoa que se aproxime para conversar sobre o trabalho. Somos todas, absolutamente, internéticas. Damos entrevistas fotografando tudo e subindo on time para o Facebook (RISOS).

O.H.: Novo CD em vista?

- Karla Boechat: Sim. Já está na hora de gravarmos o IMAGINA ELA, este novo show que estreou em novembro do ano passado e que, graças a Deus, é um enorme sucesso. A idéia é termos o DVD também, como da primeira vez. Nosso trabalho tem um apelo cênico muito forte e muito bem aceito pelo público, precisamos aproveitar isso para que não se perca, para que não se esqueça.

O.H.: Foi difícil encontrar alquimia e sintonia para construir o grupo? Como foi esse processo?

- Karla Boechat: De jeito nenhum. Eu, Malu e Cuba, cantamos juntas desde 1994! Eliza, que é irmã da Malu, era adolescente ainda e por isso começou a cantar com a gente mais tarde, mas entrou rapidamente em sintonia. Tanto quanto a Marcela, que chegou em 2005 só para cobrir uma licença maternidade e acabou ficando.

O.H.: O quinteto, se pudesse ser sintetizado numa palavra, qual seria?
- Karla Boechat: VONTADE

O.H.: Qual o pensamento, letra de música, reflexão que traduz o trabalho de vocês?

- “A gente vai contra a corrente até não poder resistir”
Mas estamos resistindo. Bravamente!

FICHA TÉCNICA DE MULHERES DE HOLLANDA:

DIREÇÃO GERAL – KARLA BOECHAT
DIREÇÃO MUSICAL – ANDRÉ PROTÁSIO
DIREÇÃO CÊNICA – ANA ABBOTT E MARIA CLARA HERTZ
DESENHO DE LUZ – AURÉLIO OLIOSI
PREPARAÇÃO VOCAL – DECO FIORI
CENÁRIO – LIVIA HEINERICH
FIGURINO E ACESSÓRIOS – VANIA SOARES e ATELIER MISS VEE

MULHERES DE HOLLANDA CANTA ARRANJOS DE:
ANDRÉ PROTÁSIO – AUGUSTO ORDINE – FLÁVIO MENDES – KARLA BOECHAT – MAURICIO DETONI – MURI COSTA

NO VIOLÃO – FLÁVIO MENDES
NA PERCUSSÃO – FABIANO SALEK
NO SOM – DANIEL VASQUES
ROADIE e ASSISTENTE DE PALCO – EDSON OSCAR

UMA PRODUÇÃO – CIA. DA VOZ KARLA BOECHAT

PAULINHO MOSKA: COMPOSITOR DE LINGUAGENS

2011-06-19T22:32:00.000-07:00

Por: Pedro Paulo Rosa
Foto: Lucas Conrado
Revisão Textual: Paulo Cappelli

O cantor e compositor Paulinho Moska traz consigo uma profundidade que ultrapassa o olhar compenetrado e a fala eloquente. Com um programa de TV (Zoombido, Canal Brasil e Net 66 e tem versão radiofônica na Lumem FM e na MPB FM)sobre música, além de produzir e editar seus materiais artísticos, ele promove - com suas produções - um ponto de encontro entre artistas da música para agradáveis conversas. Versatilidade é a palavra que transborda ao ouvi-lo contar sobre sua origem musical, sobre como escolheu o nome artístico e do seu processo de criação. Muito ligado à natureza e ao silêncio para produção da poesia-canção, Moska se diz um "leigo profissional", que gosta de tudo e não gosta de nada. O baiano de coração e carioca de nascença conversa com a gente em sua "desacelerada" casa no Jardim Botânico.

O HÉLIO: Por que o nome “moska”?

Paulinho Moska – Apelido de escola, eu sou muito magro, tenho olhão. (RISOS). Mas, tem uma coisa legal em que fiquei pensando e que traduz e confirma muito a minha escolha por esse nome artístico. A mosca voa e volta para o mesmo lugar porque ela escolheu exatamente aquele lugar. Entende? Quando ela vai alçar voo, ela não sabe onde é que ela vai pousar. A visão desse animal é muito, mas muito sofisticada! A mosca decide o local do pouso ainda no ar. Então, se ela decide que é no seu joelho que ela vai ficar, não adianta você abanar ela com a mão, porque ela fatalmente voltará ao seu joelho. Aquele foi o lugar que ela, na liberdade do vôo, escolheu ficar. Eu me sinto um pouco assim ao fazer canções. Eu voo não sei para onde. Quando estou no ar, decido a música, a letra, a canção.

O.H.: E a sua origem, Moska? Você é do Rio?

Moska – Eu sou carioca, filho de família baiana. Mas, nascido e criado aqui. Adoro a Bahia, aqui em casa eu cozinho comida baiana. Tenho mesmo uma adoração pela cultura negra, pelo candomblé – embora não siga, pelo inicio do Brasil na Bahia. As religiões africanas junto com o Budismo, para mim, são as que enxergo melhor. Digo isso porque, quanto mais eu envelhoço mais me sinto baiano. Eu estou ficando bem “caverna” e festivo. Atribuo isso ao sangue baiano. Aqui no Rio, tive uma educação bem burguesa: fui criado no Leblon, colégios da Zona Sul, praias da Zona Sul... enfim...

O.H.: Isso te incomoda?

Moska – Não, não... na verdade, eu fico com inveja dos suburbanos, dessa relação suburbana com a alegria.

O.H.: Engraçado que essa relação é recíproca. Os suburbanos talvez te invejariam pela praia do Leblon, pelos colégios...

Moska – (RISOS) Olha, eu não trocaria com eles não.

O.H.: Eles trocariam.

Moska – A inveja que eu tenho é do sentimento suburbano. Passei algumas das minhas férias no interior da Bahia. Gosto muito dessa simplicidade que cada vez tem menos na Zona Sul. Eu moro num condomínio, como você pode perceber, que é bem bucólico. Eu gosto de mesa de bar, de festa, de gente reunida, por isso que eu digo que eu tenho essa inveja. Acredito que a poesia tem mais facilidade de nascer quando as coisas são mais simples. Principalmente num mundo hiper competitivo, de múltiplas velocidades, e com uma certa banalização da violência, banalização de tudo! Então, tudo está em excesso. Eu fico pensando onde nasce a poesia no meio disso. Eu me sinto cada vez mais dentro da caverna para produzir o meu tempo desacelerado em relação ao mundo para que a poesia brote. Eu não uso relógio de jeito nenhum, tempo para mim é outra parada. Eu moro nessa casa e ela é uma casa desacelerada. Retomando, eu fui criado numa Zona Sul diferente, embora meus pais ainda diziam que a Zona Sul estava sendo invadida pelos mendigos. De todo modo, eu percebia que a Zona Sul já estava sendo invadida.

MOSKA em frente à fachada coberta de natureza de sua casa no Jardim Botânico

O.H.: Invadida é uma expressão que você usou e que é bem interessante. Isso me faz lembrar o Zuenir Ventura no seu livro “A Cidade Partida”. E é mais ou menos isso, como se a Zona Sul fosse uma muralha, um Monte Castelo. Só que um Monte Castelo invertido, né? Porque o Monte Castelo real era habitado por uma população pobre.

Moska – Sem dúvida, você está certo. Eu, criança, não tinha nenhum senso crítico sobre isso. Mas, como eu estava dizendo, eu ainda pude jogar bola na rua, eu ia à praia a pé com cinco anos de idade, vendia-se revista em quadrinho na calçada. Não tinha perigo nenhum. A bicicleta ficava sem cadeado na portaria do prédio. Então, tinha o pipoqueiro, o sorveteiro. Enfim, era uma zona sul bem diferente. E bem menos perigosa. Eu também tinha uma fixação com coleções. Colecionei desde maço de cigarro a calota de carro. Selos eu também comprava e logo no primeiro dia de publicação.

O.H.: Você ainda guarda esse colecionador dentro de você?

Moska – Dentro, sim. Um dia, eu joguei tudo fora. Me arrependo. Não sabia que, quando adulto, gostaria de ter isso na mão. Quando eu me casei, fiz uma mala com todas as coleções e pedi para minha mãe jogar fora. E ela jogou. A coleção me ensinou bastante, porque hoje sou um cara que sabe admirar. Eu gosto um pouco de tudo e não gosto muito de nada. (RISOS)

O.H.: Olha o paradoxo sempre te rondando...

Moska – É!! Sempre! Falo que eu gosto um pouco de tudo porque gosto de música, dança, teatro, cinema, filosofia, arquitetura, gosto de ler sobre religiões, ao mesmo tempo: não sou religioso, não tenho condição de dar uma palestra sobre cinema, não posso discutir com um fotógrafo porque não entendo nada das lentes. Mas, eu sou tudo isso. Sou um leigo profissional, entende? A coleção me deu essa vontade de experimentar um pouco de tudo. Eu sou um compositor na medida em que compor é juntar.

O.H.: Na sua composição, você não parece em nada com um leigo profissional.

Moska – Eu acho que a canção foi e é a rainha das minhas experiências. Porque foi com ela que tudo começou. Talvez, eu seja um profissional da canção sim. Vivo dela basicamente. E tudo o que eu faço – fotografia, TV, cinema, teatro – no fundo é para me alimentar e a canção jorrar. Tudo é também para produzir canções. Tentar condensar e sintetizar ideias. E a coleção também jorra numa canção. Voltando à sua pergunta, com treze anos eu comecei a tocar violão. Quando eu nasci e cresci, como sou caçula, já tinham muitos discos dentro de casa. Minha irmã escutava desde Fábio Jr. à Beatles.
E a empregada escutando Wando. Meu pai ouvindo clássico e minha mãe ouvindo Roberto Carlos.

O.H.: E como foi a sua estada na CAL ( Colégio de Artes de Laranjeiras) ?

Moska – Com 16 anos entrei na CAL para estudar teatro. As pessoas que conviviam comigo sempre disseram que eu me tornaria artista. E lá na CAL houve uma apresentação do “Garganta Profunda”, que era um coral de 23 pessoas regido pelo Marcos Leite (que já faleceu) e eu fiquei apaixonado com uma apresentação do “ Garganta” lá na CAL. Eu fui muito atraído porque tinha tudo que me interessava, era um coral meio cênico, tinha cara pintada. Era a junção de tudo o que eu gostava, ainda mais que estudava teatro e tocava violão. Minha ideia, na época, era ser um ator de musical, porque eu cantava e tocava. Depois eu queria ir para Cuba estudar cinema. Meu sonho de criança era fazer um filme musical. Então, era teatro e música ao mesmo tempo. Na minha adolescência, eu queria ser artista! Artista do canto e da interpretação. Então, fui para CAL estudar e conheci o “Garganta”. Quando entrei no coral, ele já estava todo estruturado. E lá dentro do coral, depois de um ano e meio cantando, teve um projeto que era subdividir o coral. Então, formamos vários grupos dentro do “ Garganta Profunda”. Ao invés de ser um show de coral tradicional, entrava um grupo, fazia sua música, depois entrava outro. Nós éramos 23 atores. Era no amor que a gente estava ali. A gente fazia desde comercial para o Barra Shopping até um show no Museu Carmem Miranda. Bom, aí, um desses grupos vocais do “Garganta” era formado por mim, Luiz Guilherme e Luiz Nicolau. Nossa primeira apresentação foi no Paço Imperial, no Centro do Rio. Daí, no nosso ensaio, quando a gente foi passar nossa música, era um punk rock – com baterial, baixo e guitarra, e aí uma administradora do Paço Imperial veio nos advertir informando que ali onde estávamos fazendo aquela barulhada toda era a sala do trono, onde o Rei dava as ordens. Então, naquele dia a gente se batizou de “Os inimigos do Rei”. Inclusive, havia um jornal anarquista baiano naquela época chamado “O inimigo do Rei”. Então, nasceu o trio. Saímos do “Garganta Profunda” e tivemos uma turma com sete integrantes. Lançamos o nosso primeiro disco que estourou! Duramos quatro anos depois que saímos do “Garganta”. Uma música que fez muito sucesso foi “Uma barata chamada Kafka”.

O HÉLIO: Muito para mim é tão pouco e pouco é um pouco demais. O que é isso?

Paulinho Moska – Eu acho essas perguntas sempre muito difíceis. Porque são muitas coisas. Às vezes, é uma frase que você ouviu de alguém e anotou. Hoje em dia, muito do que eu escrevo é mais o jogo das palavras, eu me sinto quase uma criança brincando de lego. Os vermelhos se encaixam, depois eu quero fazer uma linha só de amarelo, ou uma linha só de azul. Sabe? Então, tem esse encaixe das bolinhas, né? As palavras são a mesma coisa. Eu fico jogando com sílabas e rimas. E sentidos. Mas, o sentido tem mais liberdade. Rima é uma rima. Cavalo não rima com cabeça, definitivamente. (RISOS). Então, os sentidos ajudam a gente a estar com essa parte mais lúdica.

O.H.: O seu momento de compositor agora é esse?

Moska - Já faz tempo que eu sou um compositor apaixonado por rimas, trabalhando com métricas. Na verdade, tudo começa com o olhar. Toda música tem alguma coisa real. Às vezes, é inteira. Às vezes, é um vômito de tudo aquilo que você está vivendo. Mas, pô, se está rimadinho, fechadinho, se tem um refrão, que é como se fosse o ápice do livro. Então, é óbvio que numa música tem muito de uma coisa pensada racionalmente. Nas minhas primeiras canções, eu não percebia isso. Fazia isso intuitivamente. O que foi sendo feito intuitivamente se tornou um método.

O.H.: Legal, você amadureceu, né?

Moska – Exatamente. E eu acho que qualquer artista é assim. Por exemplo, sou genro de um grande pintor. Você pega todos os quadros dele e vai ver que tem uma linguagem. Nos primeiros quadros, você vai flagrar marcas dessa mesma linguagem, só que ela não está estabelecida. O artista começa primeiro sem a sua auto-imagem estabelecida. Mas, conforme ele vai fazendo instintivamente e naturalmente as coisas, o artista vai reconhecendo na sua prática os seus traços. Então, eu fui reconhecendo os meus traços e percebi que eles incluem a coisa da rima e da métrica. Coisas que eu gosto muito é começar uma frase e mudar o sentido dela antes do final.

O.H.: A Maria Rita, por exemplo, canta essa música “Muito Pouco” de uma maneira bem explosiva.

Moska – Tentando responder a sua pergunta, o que eu quis dizer com isso, o que eu não acho o mais importante, porque o que o autor quis dizer é só dele. Ninguém tem que entender como o autor. O entendimento é uma coisa muito subjetiva. Porque o entendimento é fruto dos seus encontros com as coisas da vida, com a sua experiência. Agora, eu posso até te dizer o que eu quis dizer, mas quero frisar que a letra é livre e tem que ter um outro sentido para os outros. Essa é a grande liberdade de uma obra de arte, de uma poesia, de uma dança, de um filme. Agora, nessa música, eu tento colocar o muito como pouco e o pouco como muito. Eu gosto disso. Não resisto a um trocadilho! Pedro, tudo para mim tem múltiplos sentidos. Raramente eu escrevo alguma coisa...

O.H.: Monolítica?
Moska – É. Que tenha uma certa objetividade. Eu nunca seria um compositor político, por exemplo.

O.H.: Você é um compositor de linguagens e não de mensagens.

Moska – É. Acho que sim, muito bom isso! Tá ótimo isso. (RISOS)

A originalidade de Paulinho Moska se traduz em um artista que não tem medo de Filosofia. Que se problematiza, observa-se do lado de fora da janela, tornando possível um diálogo aberto e transformativo com a sua maneira de fazer arte, de se liberar através da música. Com talentos múltiplos, a canção é onde tudo juntamente culmina e alça o voo particular das linguagens antes nunca pensadas.